Archive for the ‘New wave’ Category

Public Image Ltd.

Posted: March 29, 2017 in Alternativo, New wave
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Public Image Ltd. (PiL), es una banda de música post-punk encabezada por John Lydon, ex miembro del grupo punk Sex Pistols. PiL fue una de las bandas más innovadoras e influyentes del movimiento “post-punk” de finales de años 1970 y durante los 80.

Historia
Los inicios
La banda fue formada en 1978, tras la disolución de los Sex Pistols. Su primera alineación incluía a John Lydon (Johnny Rotten) en la voz, el ex The Clash Keith Levene en la guitarra, Jah Wobble en el bajo y Jim Walker en la batería.

Lydon se acercó a Jah Wobble y le propuso formar una banda juntos. Los dos se conocían desde la escuela a inicios de los 70, e incluso tocaron juntos en algunas ocasiones antes de la desaparición de los Sex Pistols. Ambos compartían muchos gustos musicales y eran seguidores del Reggae y World Music. Lydon asumió, al igual que con Sid Vicious, que Wobble podría aprender a tocar el bajo sobre la marcha. Mientras esta confianza ciega se tornó en Sid Vicious (Lydon cita su poca habilidad musical entre las principales razones para la separación de los Pistols), en esta ocasión su elección sería un completo acierto, y es que Wobble probó tener un gran talento natural con el bajo. Lydon recurrió al guitarrista Keith Levene, con quién compartió una gira a mediados del 76, cuando Levene pertenecía a The Clash. Jim Walker, un estudiante Canadiense recién llegado al Reino Unido, fue reclutado en la batería tras responder a un anuncio publicado en la revista Melody Maker.

Trayectoria de PiL
En mayo de 1978 comenzaron a ensayar juntos, aunque sin nombre para el grupo. En julio del mismo año, Lydon nombró oficialmente a la banda como “Public Image”, basado en la novela de Muriel Spark “The Public Image” (“La Imagen Pública”) de 1968. El “Ltd.” (limited) se agregaría hasta meses después.

PiL debutó en octubre de 1978 con “Public Image”, tema que Lydon escribiría aún siendo miembro de los Sex Pistols. El sencillo fue bien recibido y alcanzó el lugar nueve en las listas de Inglaterra, además se vendió bien como importación en los EE.UU.. De aquí en adelante su aceptación se incrementaría y PiL se distinguiría por ser una banda auténtica, siempre cambiante e innovadora. Viajando musicalmente desde el Punk, pasando por la World Music y Reggae hasta el Pop, con ritmos bailables que coqueteaban incluso con la música Disco.

En 1986 su lanzamiento llevaría el título de “Album”, “Compact Disc” o “Cassette”, dependiendo del formato elegido por el comprador. En esta etapa más que una banda bien consolidada se trataba básicamente de Lydon con músicos invitados. “Album” fue producido por Bill Laswell y participaron muchos amigos y conocidos de este talentoso músico; contó entre sus líneas con Steve Vai y sus inigualables solos de guitarra; como bajista participó Jonas Hellborg, solista y miembro en esa época de la banda de John McLaughlin: Mahavishnu Orchestra. El legendario baterista de Cream Ginger Baker también tocó en el álbum, al igual que Tony Williams. A pesar de esta ecléctica mezcla de músicos -poco común para una banda como PiL-, muchos consideraron este lanzamiento como un fuerte retorno a la escena, retomando ese espíritu de no autoimponerse límites, experimentar con diversos ritmos y estar siempre un paso adelante. En los textos de la recopilación “Plastic Box” de PiL (1999), John Lydon expresó: “‘Album’ fue casi un disco solista. Trabajé yo solo con mucha gente nueva, obviamente destacaba el colaborador más importante del proyecto, que era Bill Laswell. Y fue durante la grabación de este disco en Nueva York cuando Miles Davis entró en el estudio mientras yo cantaba, se paró detrás mío y comenzó a tocar. Más tarde me comentó que yo cantaba tal y como él tocaba su trompeta, lo cual sigue siendo una de los mejores comentarios que me han hecho en la vida. El recibir un cumplido de una persona como Miles Davis fue muy especial. Lo más irónico es que en la mezcla final no utilizamos su colaboración…”. Para la gira de “Album”, Lydon llamó a nuevos integrantes, esta vez el guitarrista de Magazine y Siouxsie and the Banshees John McGeoch y el bajista Allan Dias.

PiL lanzó el álbum “Happy?” en 1987 con muy buena aceptación. Durante la primavera de 1988 fue acto apertura de INXS en la “Kick Tour”. En 1989, el grupo se embarcó junto a New Order y The Sugarcubes en una gira llamada “The Monsters of Alternative Rock” (Los Monstruos del Rock Alternativo) la cual era un combo de bandas alternativas, precursor de festivales como Lollapalooza. El noveno álbum de PiL, “9”, se lanzó en ese mismo año, 1989.

Final primera etapa
El último trabajo de la banda, lanzado en 1992, “That What Is Not”, marcó el final de su carrera. Lydon desintegró al grupo un año después de que en su dicográfica, Virgin Records, se negaran a pagar por la gira promocional del disco, por lo que Lydon pagó la gira de su propio bolsillo.

El último concierto de PiL se llevó a cabo el 18 de septiembre de 1992 teniendo como alineación final al mismo Lydon en la voz, Ted Chau en guitarra y teclado; Mike Joice, ex miembro de The Smiths en batería; John McGeoch en guitarra, y Russell Webb de The Skids en bajo. Este último reemplazó a Allan Dias en agosto de 1992, quien debido a su problema con las drogas decidió salir de la banda.

Lydon lanzó un álbum solista en 1997: “Psycho’s Path”. Él mismo ha dicho que no considera que PiL haya terminado definitivamente, sino que el proyecto está en un letargo. También ha sugerido que escribirá un libro de sus memorias con la banda.

El regreso
En el año 2009, tal como había hecho con Sex Pistols, Lydon resucitó al grupo con nuevos miembros y empezaron a dar conciertos. A mediados de mayo de 2012 salió un nuevo disco de estudio “This Is PiL”, tras 20 años sin grabar.

Discografía
Álbumes de estudio
First Issue (1978)
Metal Box (1979)
The Flowers of Romance (1981)
This Is What You Want… This Is What You Get (1984)
Album (1986)
Happy? (1987)
9 (1989)
That What Is Not (1992)
This Is PiL (2012)
What The World Needs Now (2015)

Toyah

Posted: February 21, 2017 in New wave, Punk Rock
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toyah

Toyah es el nombre de la banda liderada por Toyah Willcox entre 1977 y 1983. El único otro miembro de la banda consistente a lo largo de este período fue Joel Bogen , director co-escritor y guitarrista de Willcox.

De vuelta en el Teatro Nacional, cuando tenía 18 años, Toyah Willcox sentía que era el ambiente adecuado para que ella trabajara en cómo formar una banda: el teatro estaba lleno de músicos y actores. “A través de una serie de coincidencias acabo de involucrarme en una banda de punk y eso fue puramente de preguntar a través de y’know ‘¿Alguien tiene una banda, alguien necesita un cantante?'”, Recordó. Primero Toyah terminó en una banda punk de Golders Green , que solía ensayar en el cementerio de Golders Green e incluso hizo algunos conciertos allí.

“El líder de la banda fue un hombre llamado Glen Marks y su padre corrió cementerio de Golders Green.Recuerdo porque Marc Bolan murió durante este período y nos escondimos en una de las puertas para ver el funeral.Y nos fuimos y nos hizo terrible Conciertos, me refiero a los conciertos realmente malo y yo era un cantante muy mal y un artista en ese momento coz … Yo era … significaba tanto para mí que estaba permanentemente nervioso y me gustaría caminar en el escenario y acaba de convertirse Un desgarrador y escondido detrás de una especie de bravata fea, no había naves ni nada, así que recuerdo que jugamos el Dagenham Ford Motorworks y jugamos clubes juveniles en todo el lugar y me di cuenta de que esto no iba a ninguna parte rápidamente “.

Sin embargo, fue Glen Marks quien en 1976 introdujo a Toyah a un protegido que estaba en su escuela llamado Joel Bogen , a quien describió más tarde como “un músico muy consumado”, con mucho el músico más logrado que había conocido en ese momento . Con Joel logró una asociación de escritores. Al principio sólo se reúnen los domingos y escriben y responden anuncios de NME. Luego recibieron a un tecladista llamado Pete Bush, que tenía una sala de música en su casa en Totteridge, donde tres de ellos podían ensayar. Lentamente la banda se unió “de amigos de amigos de amigos”.

La banda Toyah
En junio de 1977 la banda tocó su primer concierto sin un nombre o un bajista. Después de varios cambios de alineación, pasaron un breve período bajo el nombre Ninth Illusion , sin grabar ninguna música. A principios de 1978 se volvieron a encontrar y nació la idea de Toyah la banda. Joel audicionó a varios músicos y eligió a Pete Bush (teclados), Dave Robin (batería) y Windy Miller (bajo), cuarteto que rápidamente tomó su nombre de su insólito vocalista y figura de proa. Toyah debutó en Barnet ‘s, Duque de Lancaster el 27 de junio, y dio tres conciertos más en Londres. El 13 de julio la banda se presentó en el Festival Young Vic. [2] La venda comenzó a registrar demostraciones tempranas en el almacén convertido de Willcox llamado Mayhem – que abarcó oficinas, salas de la grabación y del ensayo para muchas vendas jovenes en la escena de Londres de la época.

Las demostraciones tempranas registradas durante 1978 incluyeron las canciones llamadas “madre”, “Hunger Hill”, “ojos”, “computadoras”, “Gaoler”, “espera”, “bailó”, “niño de neón”, ” “Y” Israel “, varios de los cuales llegarían a los primeros lanzamientos de la banda, y varios otros surgirían en la compilación más reciente de Mayhem en 1985. Y luego llegó el contrato. En 1980 recordó:

“Hace dos años hicimos un concierto en el teatro llamado el teatro ICA y nos dieron comentarios increíbles para él.La semana de los comentarios salió tuvimos una llamada telefónica de Alemania y en el momento que estaba haciendo Quadrophenia , tuve que correr hacia abajo A Londres, hacemos un rápido ensayo para esta discográfica llamada Safari, nos pidieron firmar allí y luego … Significó que podríamos ser profesionales, que tendríamos dinero regular entrando, podíamos hacer más conciertos y cosas. T emocionado porque me preocupaba que las compañías de discos fueran un poco difíciles y cosas así, así que ahora tenemos dos años de experiencia, sabemos nuestras capacidades, sabemos a dónde queremos ir y todo gracias a Safari que nos permite crecer Dentro de nuestro propio tiempo “.

En julio de 1979 Safari lanzó el single de debut de la banda ” Victims of the Riddle “, descrito por la NME como “un trozo de paranoia notablemente audible y macabro”. Apareció junto a Toyah Willcox, Joel Bogen y Peter Bush, Mark Henry (bajo) y Steve Bray (batería). “Una vez que nos firmaron realmente me encantó cada momento de lo que pasó.Fueron una demostración prácticamente una vez al mes, tuvimos que producir música continuamente, y eso fue genial, porque dio el enfoque de la banda, nos hizo sentir Realmente bueno, puso un retén 30 libras por semana, así que nos sentimos como si estuviéramos empleados … “, recordó Toyah.  El próximo lanzamiento de la banda fue un EP ampliado de 33⅓rpm comercializado como un disco de “Alternate Play” por su sello Safari Records, titulado Sheep Farming In Barnet , que salió en agosto de 1979 como un EP de seis pistas y un álbum completo. La banda siguió esto con otro single de no-álbum, ” Bird in Flight / Look Tribal “, y su álbum de larga duración The Blue Meaning (1980) (No. 40 UK Albums Chart) que un revisor describió como “Patti Smith on Velocidad “,  otra – como” Patti Smith fuera de la velocidad “.

Éxito comercial
Después de la aparición de Willcox como músico punk Toola en un episodio de la serie de TV BRITÁNICA Shoestring , ATV  filmó a la venda durante este período, ambos fuera del escenario y encendido . El resultado fue un documental de éxito visto por 10 millones de espectadores, impulsando Toyah en la corriente principal, y el álbum en vivo Toyah! ¡Toyah! ¡Toyah! (1980).

A esta altura quedó claro que Toyah, en lugar de sus miembros de la banda, estaba recibiendo la atención de la prensa. “No puedo evitarlo si tengo tanto carisma que saco cuatro tipos del escenario – no creo que sea verdad. Si la gente prefiere mirarme no es por mi hacer. Banda – trabajo más duro que cualquiera de ellos y es hasta ellos para continuar conmigo si quieren tanto publicidad como consigo “, discutió en 1980. ” Cuando algo salió mal con la venda un miembro particular Dicen que fue porque Toyah estaba actuando, lo cual era una carga de mierda, así que la banda saldría, cometería errores, no ensayaría lo suficiente, perdería dinero, y me lo culparían porque yo estaba fuera actuando. Vivían sin mí, eran totalmente dependientes de mí, de modo que me sobrecargaban, yo tenía que tenerlos a su lado todo el tiempo, lo cual era ridículo, eran como un puñado de viejas, que siempre tenían periodos en lo que a mí respecta ” Ella le dijo a Paul Morley, agregando que el grupo se resentía de la atención que estaba recibiendo, su tendencia a querer escribir la música, el tiempo que ella estaba ausente persiguiendo un papel que creó su imagen y disminuyó la suya.

El cambio de alineación
En 1981, la alineación cambió, con sólo Willcox y Bogen restantes para el próximo grupo de lanzamientos de la banda. Ellos fueron acompañados por Phil Spalding en el bajo, Nigel Glockler en la batería y Adrian Lee en los teclados, y lanzó el éxito EP ” Cuatro de Toyah “, la pista principal de la que es una portada llamada ” It’s a Mystery ” – originalmente grabado por Sheep El productor de la agricultura Keith Hale y su banda Blood Donor . “Cuando escuché por primera vez ‘It’s a Mystery’ pensé que no era para mí, fue escrito por un amigo llamado Keith Hale por una banda llamada Blood Donor y la compañía discográfica me pidió que la cubriera …” Toyah recordó. Ella lo odiaba, pensando que era el final de su carrera “, de cuatro años brillantes de trabajo como un artista de rock creíble … Porque había trabajado desde 1977 hasta 1980 y tenía un ejército de seguidores y yo sabía Esta canción no era para ellos “, agregó. Pero la canción demostró ser un éxito importante, y la promoción subsecuente empujó el EP al No. 4 en las cartas BRITÁNICAS de los solos .

El álbum de que fue sacado, titulado Anthem (1981), alcanzó el número 2 ese mismo año, y también presentó el éxito ” I Want to Be Free “, que figura en el Reino Unido (No. 8), Irlanda (No. 10) y Sudáfrica (Nº 10). “Resonó con lo que sentí por mis años escolares, que fue muy fuerte, incluso si sólo tenía 22 años”, dijo Toyah más tarde.  El cantante sintió “We Are” podría haber sido lanzado como un solo también. “Creo que la historia habría sido reescrita y habríamos jugado a Wembley en 1982 en lugar de Hammersmith por dos noches.” Esto fue discutido entre Safari y los promotores, que podría haber sido la primera artista femenina en jugar el Wembley Arena, pero todo el mundo Jugó a salvo, entonces habría habido una reacción de la audiencia si lanzamos tres canciones del mismo álbum, nos habrían acusado de arrancar a los fans, simplemente no se hizo “, dijo en 2011.

Un single de no-álbum, ” Thunder in the Mountains “, también alcanzó el puesto No. 4. “En ‘Thunder in the Mountains’ quería ser Bodicea , en el futuro, una mujer que se liberara … todo lo que hice ese año fue sobre el concepto de liberarse”, comentó Toyah más tarde. Los Cuatro Más de Toyah EP siguieron , con su pista principal “Good Morning Universe”. Esto introdujo a Simon Phillips en la batería, que había reemplazado a Nigel Glockler (quien se había ido a unirse a Saxon ). “Simon Phillips que se unió a la banda ciertamente me cambió a Joel, él fue tan increíblemente impresionante, alzó la barra y le dio a la banda una gran credibilidad”, comentó Toyah más tarde.  Phillips y Phil Spalding más tarde fueron citados para mencionar su tiempo con la banda Toyah como un punto de inflexión para ellos como músicos. “Fuimos una gran banda, tuvimos una especie de ESP en el escenario, para muchos músicos, se les dice lo que pueden y no pueden tocar y sobre todo nunca deben brillar por encima de la cantante principal.Conmigo quiero un equipo sólido donde Todos los miembros son únicos y creo que es por eso que Phil y Simon disfrutaron de la experiencia “, dijo Toyah.

Ahora viendo los deberes del teclado de Adrian Lee tomados por el recién llegado Simon Darlow y Joel Bogen, la venda registró un álbum gótico mucho más oscuro titulado el Changeling (1982). El álbum, hecho en los tiempos que Toyah describió como los más difíciles para ella, seguía siendo un éxito, al igual que el sencillo principal ” Brave New World “, pero ninguno alcanzó la altura de sus predecesores, y se anunció un single de seguimiento Como “Dawn Chorus” nunca se materializó – una nueva pista, ” Be Proud Be Loud (Be Heard) ” emergentes en su lugar. El álbum fue seguido por una gira, capturada en el doble álbum en vivo Warrior Rock: Toyah en Tour (1982).

Split
El último álbum de Toyah, Love Is the Law , siguió en 1983, y de nuevo vio otro cambio de alineación, con sólo Willcox, Bogen y Darlow restantes. Phillips había sido reemplazado por Andy Duncan, y Spalding compartió los deberes de bajo con Brad Lang: tanto Phillips como Spalding habían pasado a trabajar con Mike Oldfield . Los singles del álbum no lograron un buen resultado con el single final de la banda, ” The Vow ” (1983), alcanzando el puesto número 50.

Willcox y Bogen se separaron el año siguiente – el dúo escribió varias canciones que nunca llegaron al estudio de grabación, y Bogen co-escribió una canción para el debut de Toyah Minx álbum en solitario en 1985. Toyah había abandonado Safari en este punto, después de ser firmado Retrato de la rama de CBS como artista a solas. Safari lanzó la recopilación de rarezas Mayhem (1985) – con demos y canciones inéditas – sin embargo, sin el consentimiento o conocimiento de Toyah – ella se enteró del álbum al detectarlo en la importación en una tienda de discos en Estados Unidos. La compilación Mayhem publicada por Safari en 1985, fue una versión no autorizada. “De todos los álbumes que desearía no haber sido lanzado ‘Mayhem’ es el que está sub estándar, con canciones no destinadas a la liberación.En realidad, hace que mi sangre hervir cuando pienso en la explotación normal de este álbum, pero espero que Nunca vendió muchas copias, las canciones en ella eran demostraciones de ensayo, nunca pensadas para nada más que ideas de trabajo “, Toyah dijo más tarde.

Nigel Glockler se unió a Saxon donde permaneció durante muchos años. Simon Phillips ya era un músico de sesión cuando se unió a Toyah y sigue siendo así. Phil Spalding se convirtió en un bajista de sesión y tocó bajo con GTR . Toyah Willcox comenzó la exitosa carrera en solitario. Su primer álbum Minx (1985) era más un pop-orientado que sus trabajos anteriores; Más adelante ella tomó un acercamiento más experimental ( Prostitute ), colaborando en varios expedientes con su marido, Roberto Fripp , y en 2000s volvió a sus raíces de los últimos años de los años 70 ( Velvet alineó la cáscara , en la corte de la reina carmesí ). Había discusiones con respecto a una reunión de la venda de Toyah en los últimos años 90-principios de 2000s. Por alguna razón, nunca se levantó.

Discografía

Sheep Farming in Barnet (1979)
The Blue Meaning (1980)
Toyah! Toyah! Toyah! (live recording) (1980)
Anthem (1981)
The Changeling (1982)
Warrior Rock: Toyah on Tour (live recording) (1982)
Love Is the Law (1983)

Miembros
Toyah Willcox – 1977-1983, voz
Joel Bogen – 1977-1983, guitarras
David Robin – 1977-1978, batería
John Phillips – 1977, guitarra
Carrie Kotzberg – 1977, voces
Raja Curry – 1977, bajo
Tony Ollman – 1977-1978, bajo
Peter Bush – 1977-1980, teclados
John Windy Miller – 1978, bajo
Mark Henry – 1979, bajo
Steve Bray – 1979-1980, batería
Charlie Francis – 1979-1980, bajo
Phil Spalding – 1980-1983, bajo
Nigel Glockler – 1981, batería
Adrian Lee – 1981, teclados
Miffy Smith – 1982, teclados, sintetizador, saxo
Simon Phillips – 1982, batería
Keith Hale – 1982, teclados
Simon Darlow – 1982 (solo estudio) – 1983, teclados, 2007 en adelante, teclados, guitarras
Chris Blackwell – 1982, batería
Andy Duncan – 1983, batería y percusión
Brad Lang – 1983, bajo

Web Oficial:

http://toyahwillcox.com

@toyahofficila

Icehouse

Posted: February 4, 2017 in New wave
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icehouse

 

Icehouse es un banda australiana del género new wave, formada en Sídney y liderada por Iva Davies. Icehouse es uno de los grupos más reconocidos en Australia, no solo por sus elaboradas canciones —escritas y musicalizadas por Davies—, sino por ser un emblema para la juventud por sus letras, las que describían en los primeros tiempos el momento por el que pasaba Australia.

Historia
Sus comienzos se remontan a 1977, pero fue en 1978 cuando el grupo —llamado entonces Flowers— tomó popularidad debido a su calidad musical y sus magníficas versiones de grupos o artistas como Marc Bolan, Lou Reed, T-Rex, David Bowie, Iggy Pop, The Kinks, Brian Eno y Roxy Music.

En 1980, después de establacer una relación laboral con su amigo de infancia Cameron Allan, firman contrato con la discográfica independiente Regular Records, con la que lanzan en el mes de mayo su primer sencillo, «Can´t Help Myself», el cual entra al Top 10 de Australia. En octubre del mismo año, sale a la venta el primer álbum de Flowers, titulado Icehouse; el álbum fue colocado como el número 4 en todo el país por 45 semanas, y obtiene a la postre cuatro discos de platino en Nueva Zelanda y Australia.

En 1982, se lanza su segundo álbum, Primitive Man, un proyecto en solitario de Davies, quien fue el primero en usar una Linn Drum Machine en su país. Conocido en el mercado europeo con el nombre de Love in Motion, fue el disco más valorado por la crítica especializada, con ventas de más de 600 000 copias solo en Australia, del que se extrae el sencillo exitoso «Hey, Little Girl» —recuerda a Roxy Music—, 31 en el Mainstreim Rock Chart en los Estados Unidos, 31 en Reino Unido, top 10 en Países Bajos, Bélgica y Dinamarca, top 5 en Alemania, Austria, Nueva Zelanda y Australia, y número 1 en Suiza). También los temas «Great Southern Land», número 5 en Australia, que con el paso del tiempo se ha convertido en una referencia obligada de la banda, y «Street café», con buenos resultados, sobre todo en Europa, lo que despertó gran entusiasmo para los miembros de la banda —reestructurada para las próximas giras— y en especial para Davies, a tal punto que David Bowie los invita para que abran sus conciertos en el Reino Unido y Países Bajos. Posteriormente, Bowie y Peter Gabriel los invitan para que abran sus conciertos en Estados Unidos; esta invitación es declinada por Davies, pues ya se había comprometido con Rusell Mulchany —famoso director de videoclips para artistas como Duran Duran y Elton John, y que dirigió para Icehouse tres, a saber, «Icehouse», «Hey, Little Girl» y «Street Café»— para hacer la banda sonora de su thriller Razorback, del que se editó un LP. Davies gana por este trabajo un premio APRA y es nominado a un AFI en Australia.

Fresco es un EP con canciones de Primitive Man, lanzado en 1983 únicamente para el mercado estadounidense, que no logra cohesionar a través de «Hey, Little Girl» como en Europa.

Para 1984, Davies, cabeza de la siempre reestruturada banda, prepara y lanza su cuarto álbum, Sidewalk, número 8 en Australia pero que no logra trascender como su antecesor, y al que se lo tiene como un álbum de bajo perfil por su uso de fórmulas probadas con éxito por otros grupos, como The Human League, Visage y Ultravox.1 Los tres sencillos correpondientes a este álbum, «Taking The Town», «Don’t Believe Anymore» y «Dusty Pages», no lograron convertirse en hits más que en Australia; los dos primeros entraron en el top 30. Sidewalk sí llegó a ser disco de platino en Nueva Zelanda.

En 1985, junto con Robert Kretchmer, guitarrista de Melbourne, Davies prepara la banda sonora para el ballet Boxes, donde Davies canta, baila y actúa junto con la Sydney Dance Company en el Ópera de Sídney, y junto a ellos, el coreógrafo Graeme Murphy; el acto logra ser un éxito en Australia. Entre el repertorio de canciones están dos del siguiente álbum, Measure for Measure: «Regular Boys» y «No Promises». Boxes se lanza al mercado como banda de sonido. «No Promises» fue lanzado como sencillo en Australia, teniendo poca aceptación. Después de que el grupo ya gozaba de cierta fama internacional —quedaba conquistar el mercado estadounidense y el latinoamericano—, Iva Davies se dispone a grabar el álbum Measure for Measure, el cual fue colocado en Australia en el lugar número 8; el título del álbum hace referencia a un equilibrio en las temáticas y en la música, y contó con la participación del compositor de música electrónica y experimental inglés Brian Eno en teclados y coros (en el tema «Cross The Border»). Los sencillos de este álbum fueron: «Baby, You´re So Stange», «Mr. Big», «Cross The Border», «Paradise» y el ya mencionado «No Promises», que causó gran revuelo en Estados Unidos.

Al siguiente año, después de haber colocado en sencillo «Crazy» del álbum Man of Colours en el número 4 del top (en los Estados Unidos de Norteamérica fue una de las canciones más pedidas), y luego de que el álbum alcanzara el número 1 nacional por 56 semanas, fueron invitados especiales para el tour U de The Cars. Para 1988, las cosas mejorarían. El sencillo «Crazy» alcanza el número 14 del Billboard en Estados Unidos. El grupo hace un tour por Nueva Zelanda, y Icehouse se presenta en vivo frente al príncipe Carlos y la princesa Diana; tocan la canción «Electric Blue», en este evento que se transmitió vía satélite a los Estados Unidos y en los American Music Awards. A la postre, esto sería un aliciente para que el grupo se fuera de gira a los Estados Unidos. «Electric Blue» se coloca en el número 88 del Billboard, y el álbum Man of Colours es votado como álbum del año en los ARIA Awards. Uno de los sencillos más representativos de Icehouse, «Great Southern Land», es regrabado el 23 de octubre de 1989 y gana múltiples discos de platino. «Electric Blue» es premiada con el APRA Award como el mejor trabajo en Australia. En ese mismo año, Code Blue era escrito y comenzaba a grabarse.

La década de los noventa comenzaba, y con ello, muchos grupos que tocaban música new wave comenzaban a disolverse, hecho aunado a los nuevos géneros musicales que salían a la luz. Flowers, alias Icehouse, sacaba a luz cuatro sencillos del álbum Code Blue: «Big Fun», «Miss Divine», «Anything Is Possible» y «Where the River Meets the Sea», y Iva Davies firmaba con la disquera independiente The Massive Record Company. El primer álbum con dicha disquera fue Masterfile, una retrospectiva de Icehouse que generó múltiples discos de platino. Christina Amphlett graba con Icehouse «Love in Motion», producida por Bil Laswell. Con Laswell en la producción, en 1993 aparece la colección de remixes Full Circle. En ese mismo año, Davies crea su propia casa disquera: DIVA Records. En 1995 graban The Berlin Tapes, una colección de versiones de David Bowie, Eno/Bowie, Simple Minds, The Psychedelic Furs, Frank Sinatra, Lou Reed, Roxy Music, XTC, Talking Heads, The Velvet Underground, PiL, The Cure y Killing Joke.

Durante 1999, Davies, junto a Richard Tognetti y Christopher Gordon, compone The Ghost of Time como una extensión de «Great Southern Land», una actuación de cuarenta minutos que formaría parte de las celebraciones del nuevo milenio en Sídney; en las víspera del 2000, Davies, Tognetti, Pratt, Krawczyk y la Orquesta Sinfónica de Sídney presentan The Ghost of Time en la Ópera de Sídney, sobre la bahía de Sídney. Davies había lanzado el álbum The Ghost of Time como solista semanas antes, en diciembre de 1999.

Davies venía trabajando desde 2001 en un álbum de la banda, el que se titularía Bi-polar Poems, con canciones como «Chemicals», «Surgery» y «Your God, Not Mine», que desde 2004 ya estarían disponibles en la página web oficial de Iva Davies & Icehouse. El álbum todavía permanece unreleased (‘no publicado’).

En mayo de 2011 se publica la edición del 30 aniversario de Icehouse por los Flowers, de forma extendida, que llegó al número 14 en los charts de la ARIA.2 En agosto del mismo año se lanza White Heat: 30 Hits, su nuevo álbum recopilatorio, preparando los festejos de los 30 años de Primitive Man y los 25 de Man of Colours, álbumes cuyos aniversarios se promoverían luego durante la gira Primitive Colours.

En diciembre de 2012, la banda presenta dos espectáculos en el hotel Esplanade de Melbourne y en la Oxford Art Factory de Sídney, los que serían materia prima para un álbum en vivo a publicarse en enero de 2014.

Integrantes:

Iva Davies (1977-presente): voz principal, guitarra líder, bajo, teclados, oboe
Keith Welsh (1977-1981): bajo, coros
Don Brown (1977-1979): batería
Michael Hoste (1978, 1982-1983): teclados
Anthony Smith (aka Adam Hall) (1979-1982): teclados
John Lloyd (1979-1984): batería, percusión, coros
Bob Kretschmer (1982-1989): guitarras, coros
Guy Pratt (1982-1986): bajo, coros
Andy Qunta (1982-1988): teclados, coros
Glenn Krawczyk (1986): bajo
Simon Lloyd (1986-1991): saxofón, trompeta, teclados
Steve Morgan (1986-2004): bajo
Paul Wheeler (1986-2004): batería, percusión
Roger Mason (1989-1990): teclados
Paul Gildea (1990-2004, 2007): guitarras
Tony Llewellyn (1991-2004): teclados
David Chapman (1993-1995): guitarras
Max Lambert (1995): piano
Adrian Wallis (1995-2004): cello
Steve Bull (2007): bajo
Peter Maslen (2007): batería
Glen Reither (2007): teclados, saxofón

Discografía:

Álbumes
Icehouse (octubre de 1980)
Icehouse (1981)
Primitive Man (agosto de 1982)
Love In Motion (1983)
Sidewalk (junio de 1984)
Measure For Measure (abril de 1986)
Man Of Colours (septiembre de 1987)
Code Blue (octubre de 1990)
Masterfile (diciembre de 1992)
Big Wheel (octubre de 1993)
Full Circle (diciembre de 1994)
The Berlin Tapes (octubre de 1995)
The Berlin Tapes & Boxes (2CD Box Set; octubre de 1995)
The Singles A Sides… And Selected B Sides (febrero de 1996)
Love In Motion (septiembre de 1996)
No Promises (octubre de 1997)
Lay Your Hands On Me: Icehouse vs. Speed of Light (agosto de 2002)
Meldown: Icehouse (octubre de 2002)
Bipolar Poems (2005)

roxy-music

 

Roxy Music fue una banda de rock británica surgida en la primera mitad de los años setenta en Londres.

La música de Roxy Music constituye una rara mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock ‘n’ roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista y mentor Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música comercial actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente sobre una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el disco, punk, new wave, new romantic, synth pop y que se convirtieran en uno de los pioneros indiscutibles del dance con la canción “Angel Eyes” del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto No. 98 de su lista Los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

El 3 de noviembre de 2014 se dio el anuncio de su tercera separación del grupo, así mismo diciendo que el grupo está disuelto.

Historia
Primeros años
En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda The Gas Board, con la que interpretaba versiones de música soul. Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y clarinetista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Eno sabía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista, a través del acostumbrado anuncio en Melody Maker (Ferry llamó la atención de Manzanera por el texto del anuncio, en el que pedía “un guitarrista a lo Dick Tracy”).4

El primer sencillo de la banda, «Virgina Plain/The Numberer» (1972), llegó al cuarto puesto en las listas británicas de éxitos. La agrupación logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer larga duración, Roxy Music (1972), introdujo un sonido original y cercano al glam rock. Luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum, For Your Pleasure (1973), Eno deja Roxy Music por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

Sin Brian Eno: 1973 – 1978

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, Stranded, fue el mejor de la misma), por lo que su sonido se concentró en el aspecto más “elegante” y más “decadente”, y en las baladas y la voz de Ferry. Stranded contenía el sencillo “Street Life” y un tema musicalmente muy novedoso para la época, “Amazona”.

Pop y música de baile: 1979 – 1983
El grupo se reunió de nuevo para grabar el larga duración Manifesto en 1979. Se trata de un disco más convencional que los anteriores. De él se extrajeron dos sencillos: “Angel Eyes”, una de las canciones precursoras del dance, y “Dance Away”, que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda.

Flesh and Blood (1980) fue un álbum muy sensitivo, marcado por su diversidad musical, con canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los años 1980. Este álbum contenía los singles “Over You”, “The Same Old Scene” y “Oh Yeah”. En 1981 grabarían una versión de la canción “Jealous Guy” de John Lennon, a raíz del asesinato del mismo a finales del año anterior.

El álbum Avalon salió en 1982 y fue el último disco en estudio del grupo. Se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores. Produjo los sencillos “More than this” y la balada “Avalon”. Un año después salió al mercado un EP en vivo titulado The High Road, que contenía la grabación de un concierto brindado en el Apollo de Glasgow, Escocia, el 30 de agosto de 1982 durante la gira soporte de Avalon. Luego de su lanzamiento, Bryan Ferry decidió disolver la banda, con la mayoría de sus miembros iniciando carreras como solistas.

Década de 2000

El grupo se reunió (sin Eno) en el año 2001 para celebrar los 30 años de su fundación. Roxy Music apareció en el concierto benéfico Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight del año 2005.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry.13 Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista (These Foolish Things, un álbum de versiones) en 1973.

En 2003 sale al mercado el álbum Roxy Music Live, esta vez con el sello Eagle Records. Contiene material en directo de presentaciones realizadas en Detroit, Hamburgo, Stuttgart, Milán, Toronto, entre otras ciudades.

Década de 2010

Graham Simpson, bajista original de la banda, falleció el 16 de abril de 2012, a los 68 años de edad.

Estilo y legado
En sus inicios el estilo de Roxy Music fue influenciado por el estudio de las bellas artes. Ferry, Mackay y Eno habían estudiado en prominentes escuelas de arte británicas durante los años 1960, de allí el fuerte estilo visual de las portadas de sus álbumes y de sus presentaciones en vivo. Fueron asistidos por un grupo de profesionales, como el diseñador de modas Antony Price, el estilista Keith Mainwaring y el fotógrafo Karl Stoecker para moldear su elegante y sofisticada apariencia. El reconocido crítico Lester Bangs llegó a asegurar que Roxy Music representaba “el triunfo del artificio”.

La banda inglesa Madness, entre muchos otros artistas y agrupaciones, han mencionado a Roxy Music como influencia,20 incluso rindiendo tributo a Bryan Ferry en la canción “4BF”. Otros artistas que han citado a Roxy Music como inspiración incluyen a David Bowie, Steve Jones y Paul Cook de los Sex Pistols, Siouxsie and the Banshees, Chrissie Hynde, The Cars, Grace Jones, Kate Bush, Nina Hagen, Adam Ant, The Human League, Japan, Duran Duran, Simple Minds, ABC, Spandau Ballet, The Fixx, Depeche Mode, Men Without Hats, Nile Rodgers, Annie Lennox, Morrissey, Jarvis Cocker y Neil Hannon.

En 1997 John Taylor de Duran Duran produjo el álbum tributo Dream Home Heartaches… Remaking/Remodeling Roxy Music. El compilado incluye colaboraciones del propio Taylor y de artistas como Dave Gahan (Depeche Mode) y Low Pop Suicide, entre otros.

La banda de música electrónica Ladytron tomó su nombre de una canción del álbum Roxy Music.

Integrantes
Miembros principales
Bryan Ferry – voz, teclados.
Phil Manzanera – guitarra.
Andy Mackay – oboe, saxofón.
Paul Thompson – batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno – sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson – bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson – sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).
Miembros secundarios
John Gustafson – bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974–1976)
Dexter Lloyd – batería (hasta 1971)
Roger Bunn – guitarra
Davy O’List – guitarra
Rik Kenton – bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter – bajo (1973)
Sal Maida – bajo
Rick Wills – bajo
Paul Carrack – teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark – batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs – bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner – bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher – teclados
Jimmy Maelen – percusión
Neil Hubbard – guitarra
Colin Good – teclados (desde 2001)
Discografía
Álbumes de estudio
Roxy Music (1972) – UK #10
For Your Pleasure (1973) – POP #193; UK #4
Stranded (1973) – POP #186; UK #1
Country Life (1974) – POP #37; UK #3
Siren (1975) – POP #50; UK #4
Manifesto (1979) – POP #23; UK #7
Flesh and Blood (1980) – POP #35; UK #1
Avalon (1982) – POP #53; UK #1

 

Level 42

Posted: December 19, 2016 in New wave, Pop Rock
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Level 42 es un una banda musical de pop británica y de estilo funk. El grupo tuvo gran éxito en el Reino Unido y en el resto del mundo durante los 80. La banda ganó fama por la calidad de músicos como Mark King, cuya técnica magistral de tocar el bajo fue un trampolín para muchos éxitos de la banda.

Miembros del grupo
Los miembros fundadores de la banda fueron Mark King (Vocalista y bajo), Mike Lindup (Teclado y vocalista), Boon Gould (Guitarra) y el músico Philip Gould (batería). El teclista de estudio Wally Badarou contribuyó a muchos de sus primeros éxitos, y es considerado por muchos el quinto miembro del grupo, aunque nunca se unió oficialmente. Otros miembros a tiempo completo que han colaborado a lo largo de los años fueron Alan Murphy, Gary Husband, Jakko Jakszyk, Nathan King, Lyndon Connah y Sean Freeman.

La banda aún realiza conciertos en directo (con Mark King a la cabeza y con variaciones en su formación original), y su nuevo álbum, Retroglide, estuvo previsto para ser lanzado el 18 de septiembre de 2006.

Historia
Level 42 se formó en 1979 como una banda que fusionaba el jazz y el funk. En principio la banda firmó con una pequeña discográfica independiente, Elite Records. Poco después lanzaron el sencillo “Love meeting Love” en Elite Records, lo cual llamó la atención de Polydor Records y firmaron con ésta. Uno de los colaboradores de su nueva andadura, el teclista Wally Badarou, más tarde se convertiría por años en el co-productor de Level 42 y que Mark King llamaría el “quinto miembro” de la banda, pese a que tenía otros compromisos que le impedía ir de gira.

En 1981 sacaron “Love Games”, un éxito con el que coparon las listas de ventas; poco después lanzaron el álbum del mismo nombre, que fue un gran éxito en toda Europa.

Al año siguiente, se hizo un segundo álbum The Pursuit of Accidents, y sencillos del álbum: el primero “Weave Your Spell” y luego salió “The Chinese Way”, el último en particular llegó muy lejos en las listas de ventas, ganando en audiencia y en éxito. Entre tanto, Polydor lanzó The Early Tapes, grabado en tiempos en que la banda firmó con el sello discográfico Elite. Un cuarto álbum Standing in the Light colocó entre los diez primeros de las listas el éxito “The Sun Goes Down (Living It Up)” en Reino Unido en 1983. Grabado con los miembros de Earth, Wind and Fire, este álbum abrió una nueva era en la banda, menos experimental y de estilo jazz que sus anteriores lanzamientos. No había piezas enteramente instrumentales en este álbum y ninguno de los siguientes álbumes hasta el Staring at the Sun en 1988.

El cuarteto prosiguió con el álbum True Colours en 1984, el cual mezclaba estilos funk, pop, midtempo rock y baladas melosas. Dio paso a los sencillos “The Chant Has Begun” y “Hot Water”. En ese mismo año, Mark King estaba inmerso en un proyecto en solitario: Influences. Además, el grupo fue aclamado también por sus poderosos directos en el escenario (como el directo grabado en álbum Physical Presence).

El siguiente álbum hecho en estudio fue World Machine, que salió en 1985. Los sencillos de éste, “Something About You” y “Leaving Me Now” fueron éxitos entre los diez primeros en las listas, seguido por otro, “Lessons in Love”, a principios de 1986. Por entonces, la banda se alejó de su estilo jazz-funk y su tendencia fue el sonido pop. Elementos de las raíces de Level 42 todavía podían apreciarse en el funky “Coup d’Etat” y “Dream Crazy” en la versión británica del álbum, así como una larga pista instrumental llamada “Hell”. Esta última pista del álbum no vio la luz del día hasta principios de 2000 como una descarga de MP3 en el antiguo Napster.

El álbum Running in the Family, 1987, se convirtió en su disco más vendido, y sentó las bases del estilo musical pop, con el bajo de Mark King, Lindup y los sonidos del teclista Badarou sirviendo como plantillas, para dar canciones pop acertadas como “To Be With You Again”, “Lessons in Love”, la balada “It’s Over” y el tema homónimo del álbum “Running In The Family”

Tanto Philip como Boon dejaron el grupo, descontentos por la creciente tendencia hacia la música pop y agotados por las giras. Entonces, King contrató a Gary Husband y a Steve Topping para reemplazarlos. Husband recomendó a Topping, pero éste no se entendió bien con King debido a diferencias de personalidad. El guitarrista Alan Murphy se unió al grupo, ex-integrante de la banda Go West. También había tenido el guitarrista de estudio de Kate Bush. El nuevo álbum de Level 42 Staring at the Sun salió a la venta en 1988. Al año siguiente, Alan falleció de neumonía según el parte médico en el hospital inglés “Westminster City Hospital” .Su sistema inmunológico era muy débil a causa de haber consumido drogas , las cuales destruyeron su sistema inmunológico y la banda desapareció por un tiempo. Entonces, se sacó al mercado Level Best, una recopilación con los grandes éxitos. En diciembre de 1990, la banda tocó unos conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, el cual ya había sido reservado dos años antes. Estos conciertos los caracterizaban Lyndon Connah en teclados y voces y Allan Holdsworth en la guitarra. En este año, Mike Lindup sacó también su álbum debut en solitario Changes.

Durante principios de los 1990s, el grupo intentó extraer más de su recientes influencias musicales, como las de Mahavishnu Orchestra, pidiendo al músico Allan Holdsworth para aportar unos toques sorprendentes de guitarra para el álbum Guaranteed (sobre todo a “A Kinder Eye”). Pese a la buena acogida, especialmente de los críticos de la música de Estados Unidos, muchos de sus incondicionales del jazz-funk no les gustó su estilo rock-pop. El álbum no se vendió tan bien como se esperaba a pesar de haber realizado musicalmente el trabajo más sofisticado y elaborado por Level 42 hasta la fecha.

Sin embargo, la banda continuaba teniendo un potente directo en los escenarios, con miembros como Annie McCaig, que también hacía de voz de fondo en el álbum Guaranteed, y el dúo formado por el saxofonista Gary Barnacle y el trompetista John Thirkell, de los The Hen Pecked Horns. Además, Barnacle tocó en varios álbumes de estudio de los Level 42. Barnacle había sido antecedido como saxofonista de la gira por Krys Mach, quien también grabó con Level 42 y estuvo de gira con el grupo de 1984 a 1988.

Después de grabar Guaranteed y de una gira promocional de una semana, Holdworth, resuelto a no tocar más la guitarra, dejó la banda y fue reemplazado por Jakko Jakszyk. Aunque no en la grabación, Jakszyk figuró en la foto del álbum; también formó parte de promociones y en la gira para el álbum. Fue protagonista en canciones como “At the Great Distance” y “As Years Go By”. Trabajos de estudio con Level 42 vinieron en forma de dos pistas (“Fire” y “Free Your Soul”) que se incluyeron en los álbumes Guaranteed y Forever now respectivamente.

El álbum Forever Now de 1994, marcó el retorno de Philip Gould como percusionista de estudio y principal compositor de letras. En el álbum se vio que el grupo se acercaba a sus raíces Rythm&Blues-jazz, sobre todo en la balada “Romance”, en la canción con influencias de acid-jazz “Sunbed Song” y la dance-pop “Learn to Say No”.

Con un álbum más que se requería como parte del acuerdo que tenía la banda con RCA Records, los incondicionales vieron un futuro prometedor para la banda, especialmente con el retorno Philip Gould y los halagos de la crítica musical con Forever Now; sin embargo, la fructífera reunión duró muy poco. Phil Gould, consternado por la ineptitud de la compañía discográfica, no continuó el camino emprendido con la banda y su gira Forever Now; anunció su retirada en medio de la gira. Esto pudo significar el fin de la banda.

En 1998, Mark King lanzó su segundo álbum en solitario One Man con letras de Boon Gould. En 1999, King volvió con nuevas composiciones y algunas de Level 42. A últimos 2001 llegó a un acuerdo con Mike Lindup y para renombrar su banda como ‘Level 42’. Generalmente, este nuevo elenco estaba formado por King, el batería Gary Husband, Nathan King en guitarras y voces, Lyndon Connah en los teclados y voces y Sean Freeman en el saxofón y voces. Nuevas noticias en la web Level42.com (mayo de 2006) hablan de un cambio de Lyndon por Mike Lindup en los teclados.

En agosto de 2000, se reunieron tres cuartas partes del elenco de Level 42 para un concierto privado. Philip Gould invitó a algunos amigos músicos para tocar en una fiesta, incluyendo a su hermano Boon y Mike Lindup. Dos años más tarde, King, Lindup y Philip Gould tocaron juntos (en la boda de Lindup) por primera vez en diez años. Esto les llevó a un intento de juntarse de nuevo como en sus inicios con Baradou. Sin embargo, la formación duró poco y viejas rencillas comenzaron a resurgir. El catalizador fue King en su empeño del control sobre la banda.

Aunque el grupo decidió no reagruparse, Boon Gould y Mike Lindup contribuyeron en su nuevo álbum, dirigido por King, pero con contribuciones de muchos integrantes de la banda en distintas épocas. El núevo álbum, Retroglide, previsto el lanzamiento para el 11 de septiembre de 2006, se anunció en febrero de 2006 con una gira por el Reino Unido, Holanda, Alemania y otros países europeos en octubre/noviembre de 2006 con Mike Lindup como invitado especial.

Orígenes del nombre
El nombre originario de la banda ha sido descrito en ocasiones como una inspiración de señal de un ascensor de un edificio alto de EE.UU.; El último piso del apacarmiento de coches más grande del mundo, en Japón; el piso en el cual el personaje de Jonathan Pryce reside en la película Brazil (que salió mucho después de que la banda ganara reconocimiento internacional); o la alargada edificación de la Ciudad de Londres llamada Tower 42 (conocida también por NatWest Tower).

King y Boon Gould decidieron que la banda debería llamarse simplemente por un número, y pensaron en el ’88’, el número de autobús que utilizaban para ir al estudio de grabación. No obstante, Lindup y Philip Gould vieron un póster de una banda llamada ‘Rocket 88′, así que abandonaron la idea (aunque ’88’ fue usado más tarde como el nombre de una canción). Entonces, se sugirió el ’42’ como nombre de la banda (número sacado de una novela de ciencia-ficción de Douglas Adams llamada The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy). Se presume que el fallecido productor Andy Sojka propuso este nombre por haber leído esta novela también. En consecuencia, Se sabe que el uso del número ’42’ vino o de King o de Boon Gould o de Sojka. La palabra ‘Level’ se presume que pudo ser o de un abogado de Sojka o de un abogado de John Gould (el tercer hermano y mánager de la banda).

Otros nombres considerados para el nombre de la banda fueron ‘Powerline’ y ‘Kick in the head’. ‘Powerline’ se rechazó y se dio a otro de los grupos de Sojka, y fue en una grabación promocional donde las palabras ‘Level 42’ aparecieron por primera vez. Una pista en la cara B la llamaron ‘Sandstorm’ (una pista que querían llamar ‘Kick in the head’). La cara A contenía una pista con el nombre de ‘Powerline’.

‘Kick in the head’ fue utilizado en su álbum ‘True Colours’, incluido en la canción ‘A Floating Life’.

Otras canciones instrumentales fueron bautizadas con números: ’43’, ’88’ y ‘Forty-two, también en la década de los noventas se escuchó el rumor de que “Level 42” tenía mucho que ver con los formularios usados en Gran Bretaña y sus colonias para la búsqueda de empleo, en donde la agencias debían de llenar el dichoso formulario de nivel 42 como solicitud para el empleo.

Discografía

Level 42 (1980)
Strategy/The Early Tapes (1982)
The Pursuit of Accidents (1983)
Standing in the Light (1983)
True Colours (1984)
World Machine (1985)
Running In The Family (1987)
Staring At The Sun (1988)
Guaranteed (1991)
Forever Now (1994)
Retroglide (11 de septiembre de 2006)
Sirens (2013)

Web Oficial :

www.level42.com/

Transvision Vamp

Posted: September 27, 2016 in Alternativo, New wave, Pop Rock, Punk Rock
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Transvision Vamp fue un banda británica de rock alternativo, que alcanzó sus mayores éxitos a finales de la década de los ochenta. Formado en 1986 por Nick Christian Sayer (guitarrista y compositor) y Wendy James (cantante), fueron identificados como parte del género «Blonde pop» o «Blonde wave», bandas a cuyo frente estaba una cantante solista femenina, generalmente rubia, acompañada por músicos varones con indumentaria negra y típicamente rockera.

Carrera
Transvision Vamp inicia su andadura en 1986 cuando Nick Christian Sayer conoce a la cantante Wendy James, y le propone interpretar las canciones que aquél ha compuesto. La formación inicial se completa con el teclista Tex Axile, el bajista Dave Parsons, y el batería Pol Burton. Tanto Axile como Parsons procedían de grupos de punk: el primero, en particular, de The Moors Murderers; y el segundo, de The Partisans.

Inicios y primer Álbum
Después de firmar en diciembre de 1986 con MCA Records, lanzaron al año siguiente su primer single “Revolution Baby”. Se consideró un fracaso por la cubierta; el segundo single fue la canción “Tell That Girl to Shut Up” compuesta por el grupo Holly and the Italians en abril de 1988, logrando escaso éxito en el Reino Unido. Sin embargo, sí consiguió algún éxito internacional al llegar en Australia al puesto número 44, y en EE.UU. al puesto número 87 de la lista de singles Billboard Hot 100.Un mes después el tercer single, “I Want Your Love”, entró directamente en el top ten de singles de Reino Unido (puesto 5); tuvo un éxito aún mayor en Australia, entrando directamente al puesto séptimo y permaneciendo durante 22 semanas en el top 50.3 Se re-editó de nuevo el single “Revolution Baby” consiguiendo un éxito moderado, llegando a los puestos 30 en Reino Unido y 32 en Australia. El cuarto single “Sister Moon” tuvo menos éxito en Reino Unido, alcanzando el puesto 41 de la lista de singles, pero fue un fracaso en Australia al alcanzar sólo el número 91.2 La banda lanzó entonces su primer álbum Pop Art en octubre de 1988. Fue un gran éxito en el Reino Unido, alcanzando el puesto cuarto de la lista de álbumes, y permaneciendo en ella durante 32 semanas.5 El álbum tuvo igualmente gran éxito en Australia. Alcanzó el puesto número 13, y se mantuvo entre los 50 primeros durante 45 semanas, convirtiéndose en el álbum número 25 más exitoso del año 1989.

Segundo Álbum y éxito internacional
1989 fue el año más exitoso de la banda, con el lanzamiento del single “Baby I Don’t Care”. La canción llegó al puesto tercero en el Reino Unido y Australia, convirtiéndose en el single más exitoso de la banda en ambos países. En Australia el single estuvo 20 semanas en el top 50, siendo el 25º single más vendido del año. El álbum que incluía dicho single, Velveteen, fue lanzado inmediatamente y entró directamente al primer puesto de la lista UK Albums Chart, permaneciendo en ella durante 26 semanas.5 Velveteen también alcanzó el segundo puesto en la lista australiana ARIA Albums Chart, permaneciendo 16 semanas en el top 5011 y siendo el 39º álbum más vendido del año.7 El segundo single del disco Velveteen fue “The Only One”, que alcanzó el puesto 15 en el Reino Unido y 30 en Australia.12 Los siguientes singles, “Landslide of Love” y “Born to Be Sold” tuvieron bastante éxito en el Reino Unido al alcanzar el puesto 14 y 22 respectivamente. En Australia, sin embargo, ninguno alcanzó el top 50, llegando “Landslide of Love” al nº 65 y “Born to Be Sold” al 97.

Decadencia
En junio de 1991 MCA Records se negó a vender el tercer álbum de Transvision Vamp, Little Magnets Versus the Bubble of Babble, en el Reino Unido, debido a informes sobre la “suavidad” de la música y tras dos singles muy promocionados que cayeron demasiado pronto. En Australia, sí se publicó el álbum y llegó al puesto 25, permaneciendo nueve semanas en la lista australiana ARIA Albums Chart.13 El primer single “(I Just Wanna) B with U” entró en el top 20 de Australia, alcanzando el puesto 16,14 mientras en el Reino Unido la canción alcanzó el puesto décimo tercero. El segundo single “If Looks Could Kill” no tuvo éxito, llegando a los puestos 41 en el Reino Unido y 51 en Australia. Fue el último single de la banda antes de su disolución.

Sobre el tercer álbum, Wendy James había comentado “…se estrenó en Estados Unidos. La discográfica inglesa no estaba convencida con este disco, así que íbamos a esperar a ver qué tal lo hacía en otros países. Cuando decidieron que estaban listos para sacarlo, ya habíamos decidido separarnos, por lo que nunca salió”

El grupo se separó oficialmente en febrero de 1992, con un comunicado de MCA.

En solitario
Wendy James inició su carrera en solitario en 1993 con el álbum escrito por Elvis Costello Now Ain’t the Time for Your Tears. No tuvo éxito comercial, llegando sólo al puesto 43 en el Reino Unido.16 El primer single “The Nameless One” alcanzó el puesto 34 de la lista de singles de Reino Unido, mientras el segundo single “London’s Brilliant” formalizó el fracaso del álbum al conseguir sólo el puesto 62.17 MCA y Wendy James se separaron en agosto de 1993. El siguiente disco, grabado por One Little Indian no llegó a publicarse.8 En 2004 formó la banda llamada Racine con la que grabó dos discos. Ninguno se publicó; sólo el single “Grease Monkey” llegó a venderse, llegando al puesto 103 de la lista del Reino Unido. Se separaron y cerraron el web oficial de la banda en diciembre de 2008.

Anthony Doughty (Tex Axile) se unió a la banda Max con Matthew Ashman, Kevin Mooney, John Reynolds y John Keogh en la que tocaba los teclados. Lanzaron un álbum producido por Trevor Horn en 1992, “Silence Running”.18 John Keogh murió tras comenzar la venta, y Ashman un par de años después. Doughty continúa lanzando discos en solitario bajo su propio sello.

Dave Parsons se unió a la banda Bush, una banda inglesa de post-grunge y rock alternativo considerada la pionera del género post grunge y que vendió más de 10 millones de discos.

Integrantes
Nick Christian Sayer: guitarrista y compositor (1986–1991)
Wendy James: cantante (1986–1991)
Dave Parsons: bajo(1986–1991)
Tex Axile: teclados y baterías (1986–1991)
Pol Burton: baterías (1986–1989)

Johnny Hates Jazz

Posted: November 8, 2015 in New wave, Pop Rock
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Johnny Hates Jazz, es una banda británica de música pop, rock , new wave  de los los años 1980 y 1990, formada originalmente por Clark Datchler (compositor, vocalista y tecladista) y Mike Nocito (productor e ingeniero).

Es conocida básicamente por su mayor éxito internacional, Shattered Dreams de 1987.

Comienzos y éxito
Johnny Hates Jazz se formó en 1986, siendo integrado por Clark Datchler (voz, piano), Calvin Hayes (teclados) y Mike Nocito (bajo). El nombre viene de un amigo de ellos que odiaba el jazz. Aunque sólo contaba con 22 años, Datchler era algo experimentado, pues era hijo de un saxofonista de un grupo de jazz y ya había lanzado algunos singles como solista en 1984. Además, el grupo ya había sacado un single llamado Me And My Foolish Heart, grabado en RAK Records, a comienzos del año de la formación. A fines de ese año, los 3 músicos firmaron un contrato con el sello Virgin.

Los comienzos de 1987 se caracterizaron por la grabación de sus primeras producciones en el sello, saliendo en abril su single Shattered Dreams que llegó a los más altos lugares del chart británico y norteamericano, y del Billboard. En 1988 salió el álbum Turn Back the Clock, que también tuvo un lugar destacado.

Decadencia y disolución
En medio de ese éxito, Datchler se sale del grupo, dejando a Nocito y Hayes sin cantante. Su reemplazo sería Phil Thornalley, quien había producido el exitoso álbum debut y años antes había sido bajista de The Cure.

Después de lanzamientos de singles y un accidente en que Hayes resultó muy afectado, en 1991 sale el último y poco aclamado álbum Tall Stories . La banda se separa después de eso y dos años después saca un recopilatorio llamado The Very Best Of Johnny Hates Jazz.

Regreso
En 2009, Clark Datchler y Mike Nocito volvieron a ponerse en contacto. Luego de retomar su amistad, decidieron crear un nuevo álbum de Johnny Hates Jazz. Clark se mudó al Reino Unido y de inmediato se puso a escribir nuevas canciones para el proyecto. Al año siguiente, recibió un premio de IMC por la canción “Shattered Dreams” la cual fue puesta al aire más de 3 millones de veces solamente en los EE.UU.

La grabación del nuevo álbum abarcó gran parte de 2011 y 2012, y tuvo lugar en el Real World Studios, La Granja, cerca de Cambridge, y Angel Studios en Londres. El nuevo álbum ya listo, tiene a Clark como compositor / cantante / tecladista y Mike como productor / ingeniero / guitarrista. También hay arreglos de cuerda y teclados adicionales de la co-fundadora del grupo Art Of Noise, compositora y ganadora del Oscar, Anne Dudley, quien hizo el arreglo de cuerdas en “Turn Back The Clock”. Otros contribuyentes incluyen al baterista Alex Reeves (Dizzee Rascal), el ingeniero de mezcla Stephen Tayler (Kate Bush), el guitarrista David Rhodes (Peter Gabriel), Pete Watson en el sintetizador (Hurts) y el bajista Vince de la Cruz (Katrina and the Waves).

El álbum se titula “Magnetized” y se fijó su lanzamiento para Mayo de 2013. Precediendo al álbum fue el lanzamiento del primer single, también llamado “Magnetized”, en Abril de 2013. En un giro del destino, Johnny Hates Jazz están ahora dirigido por John Wooler, el hombre de A & R, que los firmó con Virgin Records en 1986. Han pasado 25 años desde que el álbum “Turn Back The Clock” alcanzó el número 1, y con el inminente lanzamiento de “Magnetized”, parece que Johnny Hates Jazz son por fin, mayores de edad.

Integrantes:
Mike Nocito  : bajo
Clark Datchler : Voz y guitarra
Former members
Calvin Hayes : Teclados
Phil Thornalley : voz

Discografía
Álbumes:

Turn Back The Clock (Virgin, 1988)
Tall Stories (Virgin, 1991)
Magnetized (editado en mayo de 2013)
Compilatorios:

The Very Best Of Johnny Hates Jazz (EMI, 1993)