Archive for the ‘Rock Instrumental’ Category

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Es una banda de rock y blues estadounidense liderada por el músico Edgar Winter Igual que su hermano Johnny Winter es reconocible por su albinismo.

Tras grabar con su hermano, Johnny Winter, Edgar firmó su propio contrato discográfico con Epic Records en 1970 y grabó dos exitosos discos, Entrance y Edgar Winter’s White Trash.

En 1972 formó The Edgar Winter Group, que acompañaban Dan Hartman, Ronnie Montrose and Chuck Ruff y más tarde el guitarrista y productor Rick Derringer en Montrose. Fue con esta banda que consiguió su mayor éxito They Only Come Out at Night (1972) figurando el tema instrumental y hit #1 “Frankenstein”, tema pionero con el uso del sintetizador como instrumento principal. (Durante sus conciertos, Winter mostró su virtuosismo con teclados, sintetizador, saxofón y percusión). Frankenstein acaparó el primer lugar de las listas de éxito en Estados Unidos en mayo de 1973. They Only Come Out at Night y “Frankenstein” vendieron más de un millón de copias, galardonados con discos de oro por la R.I.A.A. en 1973 .1 La banda también consiguió cierto éxito con el tema “Free Ride”, del mismo álbum.

En los años 2006 a 2011 formó parte de la banda de Ringo Starr, tocando el teclado, haciendo grandes giras a nivel mundial.

Discográfica

Entrance (1970)
Edgar Winter’s White Trash (1971)
Roadwork (1972)
They Only Come Out at Night (1972)
Shock Treatment (1974)
Jasmine Nightdreams (1975)
The Edgar Winter Group con Rick Derringer (1975)
Together (1976)
Recycled (1977)
Open Fire por Ronnie Montrose – (1978) productor, piano
Edgar Winter Album (1979)
Standing on Rock (1981)
Crazy from the Heat (1985) (David Lee Roth Session Work)
Mission Earth (1986)
Not a Kid Anymore (1994)
The Real Deal (1996)
Live in Japan (1998) (con Rick Derringer)
Winter Blues (1999)
Edgar Winter (2002)
Jazzin’ the Blues (2004)
They Only Come Out at Night (2006 – re-edición)
Rebel Road (2008)

Web Oficial

http://www.edgarwinter.com/

mahavishnu-orchestra-var

 

La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

Primera Mahavishnu Orchestra
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción “Noonward Race”) hasta piezas más calmadas, como “A Lotus On Irish Streams” y “Thousand Island Park”, que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., “Open Country Joy”).

Ruptura

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.

Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuido por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.

El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Segunda Mahavishnu Orchestra
Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta “nueva” Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra “real”), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.

Trabajo posterior
Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en los saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en los teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham con la percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún momento. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Otros miembros
Billy Cobham hizo carrera en solitario, y también fue parte de la gira de George Duke Band por muchos años. Hoy en día sigue impartiendo clases de percusión.

Jan Hammer, junto con Narada Michael Walden estuvo en el álbum Wired de Jeff Beck, y también compuso el tema de Miami Vice.

Rick Laird tocó con Stan Getz y Chick Corea. También lanzó un disco en solitario, pero desde 1982 se dedica exclusivamente a la fotografía.

Danny Gottlieb era el baterista de American Garage de Pat Metheny y formó parte de the Blues Brothers que giró a principios de los 90 por Europa.

Trivia
La primera Mahavishnu Orchestra era un grupo multinacional:
McLaughlin, oriundo de Gran Bretaña;
Cobham nació en Panamá;
Hammer venía de República Checa;
Goodman era de los Estados Unidos;
Laird era irlandés, nacido en Dublín.
Jean-Luc Ponty fue la primera opción de McLaughlin para un violinista, pero tuvo algunos problemas en su status migratorio.

Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)

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Tangerine Dream es un grupo alemán de música electrónica que surgió en el marco de la llamada escena krautrock de finales de la década de 1960. Se les considera pioneros del ambient, del space rock y del uso de los secuenciadores. Su música es principalmente instrumental y electrónica, basada en el uso de sintetizadores, con un estilo “cósmico” que ha influido en la Escuela de Berlín y en la música electrónica de baile  .

Hasta 2015 la banda ha referenciado más de cien grabaciones, si bien algunos discos como Cyclone (1978), Tyger (1987) -con poemas de William Blake recitados sobre la música- o Madcap’s Flaming Duty (2007) -un tributo a Syd Barrett- no son completamente instrumentales. Parte de su reconocimiento ha tenido lugar gracias a su extensa producción de bandas sonoras para películas como Sorcerer (1977), Risky Business (1984) o Catch me if you can (1989). También ha compuesto música para videojuegos como The Music of Grand Theft Auto V (2013).

Tangerine Dream ha contado con decenas de músicos entre sus filas. Edgar Froese ha sido su líder fundador y único miembro estable desde su creación en 1967 hasta su fallecimiento en enero de 2015 . Entre los músicos más destacados figuran Klaus Schulze (1969-1970), Johannes Schmoelling (1980-1985), Paul Haslinger (1986-1990), Jerome Froese (1990-2006), Linda Spa (1992-2014) o Thorsten Quaeschning (2005–). La alineación considerada más estable e influyente se formó a mediados de los años 1970 con Froese, Christopher Franke (1970-1987) y Peter Baumann (fundador de la compañía discográfica Private Music 1972-1977.

Historia:
Edgar Froese llegó a Berlín occidental a mediados de los años 1960 para estudiar arte. Trabajó como escultor y tuvo de profesor a Salvador Dalí, entre otros. Su primera banda, The Ones (de R&B), fue disolviéndose gradualmente tras editar un solo single y Froese se dedicó a la experimentación, haciendo pequeñas presentaciones con una gran variedad de músicos, la mayor parte de los cuales fueron en el famoso club nocturno Zodiac, aunque la banda de Froese fue invitada a tocar para su ex-profesor Dalí. La música era con literatura, pintura, formadas tempranas de multimedia, y más. Solo las ideas más extravagantes atraían más atención, y Froese resumió esta actitud con la frase “en lo absurdo usualmente está lo que es posible artísticamente”. Los miembros del grupo cambiaban constantemente, pero la dirección de la música seguía siendo inspirada por los Surrealistas, y el grupo fue denominado Tangerine Dream, nombre surrealista posiblemente tomado de un tipo de mandarina rojiza que crece en Florida, Estados Unidos, aunque hay voces que opinan que procede de la letra de Lucy in the Sky with Diamonds
(…Picture yourself in a boat on a river With tangerine trees and marmalade skies Somebody calls you, you answer quite slowly A girl with kaleidoscope eyes…)
Froese estaba fascinado por la tecnología e intentaba usarla para crear música. Construyó instrumentos y salía grabar sonidos en cintas de todos los lugares a donde iba para usarlas luego en su música. Sus primeros trabajos con bucles de cintas y otros sonidos repetitivos eran precursores obvios de la emergente tecnología de los secuenciadores, que Froese adoptaría rápidamente.

Su colaboración más notable fue con Christopher Franke, quien se unió a Tangerine Dream en 1970 (tras dejar Agitation Free) para reemplazar a Klaus Schulze como el batería, y finalmente se convirtió el gurú del secuenciador de la banda, y fue el responsable de las pulsantes líneas de sintetizador que definieron el sonido de la banda. Franke dejó Tangerine Dream por diferencias creativas con Froese casi dos décadas más tarde (en 1987) lo que algunos fans consideran como el fin de la banda.
Otros miembros importantes del grupo incluyen a Peter Baumann (1972-1977), que más tarde fundó la compañía discográfica New Age Private Music, para la que la banda trabajó de 1988 to 1991; Johannes Schmoelling (1980-1985); Paul Haslinger (1986-1990); y, más recientemente (desde 1990), el hijo de Froese, Jerome. Muchos de sus seguidores consideran que la adición de Jerome fue un desastre, y la popularidad del grupo ha declinado desde entonces.

Un gran número de músicos fueron parte de Tangerine Dream por períodos de tiempo más cortos; entre ellos está Michael Hoenig (que reemplazó a Baumann para una gira australiana de 1975 y un concierto en Londres), Steve Joliffe (flauta y voz en el controvertido “Cyclone”, y la siguiente gira), Ralf Wadephul (quien escribió una pista de “Optical Race” y estuvo en la gira de ese mismo álbum), y, más recientemente, la saxofonista Linda Spa.

Miembros:

Edgar Froese, teclados y guitarras (1967 a 2015)
Lanse Hapshash, percusión (1967 a 1969)
Kurt Herkenberg, bajo (1967 a 1969)
Volker Hombach, percusión (1967 a 1969)
Charlie Prince, voces (1967 a 1968)
Steve Jolliffe, saxofón y flauta (1969 y 1978)
Klaus Schulze, percusión (1969 a 1970)
Conrad Schnitzler, violoncello y violín (1969 a 1971)
Steve Schroyder, teclados y voces (1970 a 1971)
Christopher Franke, teclados y percusión (1971 a 1987)
Peter Baumann, teclados (1971 a 1977)
Michael Hoenig, teclados (1975)
Klaus Krüger, percusión (1978 a 1979)
Johannes Schmoelling, teclados (1979 a 1985)
Paul Haslinger, teclados y guitarra (1986 a 1990)
Ralf Wadephul, teclados (1988)
Jerome Froese, teclados y guitarra (1990 a 2006)
Linda Spa, saxofón, flauta y teclados (1992-2014)
Iris Camaa, percusión (2001-2014)
Thorsten Quaeschning, teclados, percusión y voces (2005 a la actualidad)
Bernhard Beibl, guitarras y violín (2006 a 2014)
Hoshiko Yamane, violin y violoncello (2011 a la actualidad)
Ulrich Schnauss, teclados y piano (2014 a la actualidad)

Discografía:
Álbumes de estudio
Electronic Meditation (1970)
Alpha Centauri (1971)
Zeit (1972)
Atem (1973)
Phaedra (1974)
Rubycon (1975)
Stratosfear (1976)
Cyclone (1978)
Force Majeure (1979)
Tangram (1980)
Exit (1981)
White Eagle (1982)
Hyperborea (1983)
Le Parc (1985)
Green Desert (1986)
Underwater Sunlight (1986)
Tyger (1987)
Optical Race (1988)
Lily on the Beach (1989)
Melrose (1990)
Rockoon (1992)
Quinoa (1992)
Turn Of The Tides (1994)
Tyranny Of Beauty (1995)
The Dream Mixes (1995)
Goblins Club (1996)
TimeSquare – Dream Mixes II (1997)
Ambient Monkeys (1998)
Mars Polaris (1999)
The Seven Letters From Tibet (2000)
The Past Hundred Moons (2001)
DM 4 (2003)
Purgatorio (2004)
Kyoto (2005)
Jeanne d’Arc (2005)
Phaedra 2005 (2005)
Paradiso (2006)
Blue Dawn (2006)
Tangerine Dream plays Tangerine Dream (2006)
Madcap’s Flaming Duty (2007)
Views From a Red Train (2008)
Under Cover – Chapter One (2010)
Machu Picchu (2012)
Bandas sonoras
Sorcerer (1977)
Thief (1981)
Risky Business (1984)
Wavelength (1984)
Firestarter (1984)
Flashpoint (1984)
Heartbreakers (1985)
Legend (1986)
Three O’Clock High (1988)
Near Dark (1988)
Shy People (1988)
Miracle Mile (1989)
Destination Berlin (1989)
Canyon Dreams (1991)
Dead Solid Perfect (1991)
The Park Is Mine (1991)
Catch Me If You Can (1994)
Zoning (1996)
Oasis (1997)
The Keep (1997)
Transsiberia (1998)
What A Blast (1999)
Great Wall Of China (1999)
Mota Atma (2003)
Álbumes en vivo
Ricochet (1975)
Encore (1977)
Quichotte (1980)
Logos Live (1982)
Poland (1984)
Livemiles (1988)
220 Volt Live (1992)
Soundmill Navigator (2000; grabado en 1976)
Inferno (2002)

Fuente:

http://www.last.fm

peter-luha

 

Peter Luha (* 1973, Bratislava) es un compositor, cantante e instrumentista. estilo único en su forma de tocar la guitarra proviene de la mezcla de técnicas clásicas y diferentes de guitarra no tradicional (slap, la grabación, el jugar percusión …) en la guitarra eléctrica y acústica y sin restricciones de género. También toca bassguitar, mandolina, flauta, laúd y el violín. Pasó varios años en el canto coral Académico Comenius también como el cantante principal en solitario. Después de la secundaria y en la universidad jugaba la música en las calles como un músico callejero. Más tarde se hizo algunas actuaciones en toda Europa (conciertos de guitarra en solitario o diferentes colaboraciones y proyectos). Pedro tomó Luha 1. lugar en la Competencia Guitarrista Gitariáda Internacional de 1999 en Praga (República Checa), que era un organizador y director del festival internacional de guitarra Guitarfest en Bratislava (2006, 2007) y talleres de guitarra. También fue un profesor de guitarra en varias escuelas de música e instituciones culturales en Bratislava (1991-2010). En 2012 lanzó su álbum debut como solista de guitarra, bajo el título “Viaje del alma” con comentarios muy positivos extranjeras. Este álbum basado en algunos temas flamenco y jazz gitano y escrita por él mismo fue nominado en 12 Independent Music Awards al mejor álbum en la categoría de álbum instrumental y también galardonado con el Premio de la cosecha en 6ª Premios Tais 2013. Peter Luha es también uno de los músicos que registró otro álbum intersting – Perinmama (2014) del jugador de la mandolina Jozef Scheiner. Pedro también se llevan guitarrista del grupo de rock progresivo Persona Grata – su primer disco llega a lugares Hight sobre (2013) fue nominado en Premio Radio_Head.

Web Oficial:

http://peterluha.com

Victor Wooten

Posted: September 7, 2015 in Rock Instrumental
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Victor Wooten

Victor Lemonte Wooten (nacido el 11 de septiembre de 1964) es un virtuoso bajista estadounidense y es considerado uno de los mejores bajistas de los años 1990.

Historia
El menor de 5 hermanos Victor Wooten, con dos años, su hermano Regi le enseñó a tocar el bajo, con 5 años Victor podía tocar líneas simples y conciertos. La banda de los Wooten five, formada por Regi, Rudy, Roy, Joseph , Victor y Ross.

Tocó durante los años 1970 en la ciudad de Williamsburg, Virginia en el parque temático Busch Gardens y fue telonero de Curtis Mayfield y War. Tras mudarse a Nashville, Tennessee en 1988 Victor fue inmediatamente reclutado por el cantante de blues y soul Jonell Mosser. Un año más tarde, se unió al maestro en banjo Béla Fleck, junto con Howard Levy, que tocaba el teclado y la armónica y el hermano de Victor, Roy Wooten como baterista. Su grupo, Béla Fleck and the Flecktones, se hizo famoso a base de tocar una mezcla de jazz, funk y Bluegrass, llegando más tarde a ser una de las bandas más desinhibidas estilísticamente del panorama. (Levy dejó el grupo y fue sustituido por el saxofonista y tubista Jeff Coffin).

Wooten también ha sido miembro de varias bandas con miembros ya consagrados, como Bass Extremes (con Steve Bailey, Derico Watson y Oteil Burbridge), Vital Tech Tones (con Scott Henderson y Steve Smith), y el trío Extraction (con Greg Howe y Dennis Chambers). Victor también ha estado de gira con muchas bandas, incluyendo a Dave Matthews Band.

En 2007 ha presentado “Thunder” junto con otros dos bajistas: Marcus Miller y Stanley Clarke. Los tres iniciaron en 2008 una gira que comenzó en EE.UU. y finalizó el 31 de octubre en Almería (España).

Los conciertos (que se pueden bajar por internet) de Victor Wooten son los siguientes:

1992: Extreme Bass Technique.
1994: Bass Extremes (Con Steve Bailey).
1998: Bass Day.
1998: Bass Technique (No confundir con Extreme Bass Technique este es otro).
1999: Making Music (Con Carter Beauford).
2001: Amazing Grace.
2001: Bass Day.
2002: Bass Day.
2008: Gran Rex (Argentina).
2008: Groove Workshop.
2009: Thunder Tour (SMV).
Estos son todos los dvds de Victor Wooten.

Técnica
La evolución en los métodos de construcción de bajos eléctricos, como una acción más baja (distancia entre la cuerda y el diapasón) pareciéndose más a una guitarra de 4 cuerdas, permitió a Wooten desarrollar nuevas técnicas de pulsación que virtualmente no habían sido descubiertas en la época. Desarrolló la técnica del double-thumb (o doble pulgar) creada por Stanley Clarke, quien usa el pulgar y cuerdas finas (de bajo calibre) de forma similar a la púa de una guitarra junto con la técnica del slap funky, y la técnica open-hammer-pluck (slap-martilleo-pop), que a veces usa junto con múltiples hammer-on (martilleo).

Equipo
Wooten normalmente toca bajos Fodera, de los cuales tiene un modelo signature (personalizado). Su bajo más famoso (que Wooten llama el número uno) es un Fodera Monarch Deluxe de 1983, lleva un puente de trémolo Kahler modelo 2400. Los bajos Fodera “Yin Yang” (diseñados y creados para Wooten) incorporan el símbolo del Ying Yang (que Wooten usa como merchandising). Puede pensarse que el símbolo está pintado sobre el bajo, pero realmente son dos piezas de ébano y acebo en acabado natural, unidas para crear el símbolo.

Filosofía
Aunque los bajos de Wooten reciben mucha atención, su respuesta más frecuente ante los fans es que “el bajo no hace música…tú la haces” y continúa argumentando que la característica más importante de un bajo es su confort al tocar, esto está relacionado con la creencia de Wooten de que la música es un lenguaje, entonces, al igual que cuando uno habla y nos fijamos en las palabras en vez de en la boca, de igual manera, al escuchar música no debemos centrar la atención en el instrumento.

Discografía
Solo
A Show of Hands (1996)
What Did He Say? (1997)
Yin-Yang (1999)
Live In America (2001)
Soul Circus (2005)
Palmystery (2008)
Words and Tones (2012)
Sword and Stone (2012)

Béla Fleck & Flecktones
Béla Fleck & The Flecktones (1990)
Flight of the Cosmic Hippo (1991)
UFO TOFU (1992)
Three Flew Over the Cuckoo’s Nest (1993)
Tales From The Acoustic Planet
Live Art (1996)
Left of Cool (1998)
Greatest Hits of the 20th Century (1999)
Outbound (2000)
Live at The Quick (2002)
10 From Little Worlds (2003)
Little Worlds (2003)
The Hidden Land (2006)
Jingle All the way (2008)
Bass Extremes
Cookbook (1998)
Just Add Water (2001)
Otras Participaciones
Howe, Wooten, Chambers – Extraction (2003)
Stanley Clarke, Victor Wooten, Marcus Miller (S.M.V.) – Thunder (2007)
Vital Tech Tones

Web Oficial :

http://www.victorwooten.com

@VictorWooten

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Emerson, Lake & Palmer (también conocida como EL&P o ELP) fue una banda británica de rock progresivo formada en Bournemouth en 1970, que alcanzó su mayor popularidad en la década de los 70, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos.

La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones les pusieron a la altura de las grandes bandas de su época. El trío, al mismo tiempo, preparó el camino a otras bandas progresivas para la difusión del género, pasando de una especie de gueto musical a convertirse en un fenómeno radiofónico.

Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del estilo, caracterizado por una amalgama entre rock, jazz y música clásica, que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (proveniente de King Crimson); y el batería Carl Palmer (proveniente de Atomic Rooster). Con tal espléndido currículo era lógico que la nueva banda atrajera la atención tanto de la prensa como del público.

Además de la casa discográfica fundada por ellos, Manticore, otros sellos que editaron la obra de esta banda fueron Island Records, Atlantic Records, Polydor, London Records, Geffen, Victory Records, Sanctuary Records, King Biscuit, Eagle, Metal Minds, Rhino y Castle.

Historia

La génesis de la banda se remonta a los últimos años de la década de los sesenta. Keith Emerson, a quien bautizaron “El Jimi Hendrix del órgano”, tenía un grupo llamado The Nice, que, aunque había colocado algunos sencillos en las listas, era más conocido por sus extravagantes presentaciones en vivo que por otra cosa. En dos de sus presentaciones le tocó compartir el escenario con otra banda llamada King Crimson. Sobre su segundo encuentro el 17 de octubre de 1969 en el Fairfield Hall Greg Lake recuerda:

Estábamos en el Fillmore West en San Francisco y King Crimson se presentaba junto a The Nice. King Crimson se había empezado a desintegrar para ese momento y durante la prueba de sonido conversé con Keith. Ian y Mike decidieron que no querían irse de gira. De alguna manera nos presionaron y de esa manera la banda estaba a punto de separarse, al mismo tiempo Keith sentó a que él había llevado a The Nice tan lejos cómo se pudo. Durante esa prueba de sonido él (Emerson) estaba ensayando esta canción… que no puedo recordar su nombre, pero que era de jazz. Y entonces empecé a tocar junto a él y bueno…

Otra anécdota a destacar es que antes de incluir a Carl Palmer en la batería, Keith Emerson y Greg Lake se habían contactado con Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience para ofrecerle el lugar de baterista en la banda. Mitchell se mostró desinteresado pero le pasó la idea a Jimi Hendrix, quién cansado de estar en su banda y con ganas de probar algo diferente, le pudiera satisfacer formar parte del supergrupo. Tras la incorporación de Palmer la prensa británica comenzó a especular sobre la formación de un supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer). Debido a problemas de calendario en las giras algunos planes no pudieron concretarse, pero la idea inicial del trío de tocar con el guitarrista después del Festival de la Isla de Wight y la posibilidad de que éste se les uniera eran una casi realidad. Lamentablemente, Jimi Hendrix falleció casi un mes después del aclamado festival y el proyecto jamás se concretó.

Los primeros ensayos del grupo partieron del repertorio de The Nice y King Crimson incluyendo sus temas más conocidos “Rondo” y “21st Century Schizoid Man”, respectivamente. En agosto de 1970 aún sin tener terminado el material para su primer álbum, Emerson, Lake & Palmer se presentó en el Plymouth Guildhall en Inglaterra y cuatro días más tarde en el célebre Festival de la isla de Wight celebrado en el 29 de agosto del año 1970 donde lograron fama instantánea. En ese mismo festival se presentaron artistas de la talla de Jimi Hendrix, Jethro Tull (banda), Bob Dylan, The Doors, The Who y Jefferson Airplane.

Comienzos
El primer disco, titulado Emerson, Lake & Palmer, estuvo listo en septiembre y fue puesto a la venta en noviembre, convirtiéndose en un éxito inmediato que estuvo entre los 10 más vendidos en Inglaterra y entre los 20 de Estados Unidos, todo este éxito se vio ayudado por el sencillo “Lucky Man” y su presentación rápidamente se dio a conocer como un espectáculo digno de ver. Esta obra clasificada como uno de los discos mejores hechos por el trío en su carrera a pesar de que no goce de composiciones hechas íntegramente por los miembros del grupo en conjunto. El disco contiene cortes como “The Barbarian” (basada en la obra “Allegro Barbaro” del compositor húngaro Béla Bartók de 1911) y “Knife Edge” (otro arreglo, en este caso basado en la “Sinfonietta” del compositor checo Leoš Janácek).

Luego de semejante explosión llegaría Tarkus, el segundo disco del supergrupo, un trabajo conceptual lanzado en 1971 que alcanzó el número 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba algo más elaborado y complejo, con una primera cara dominada por una extensa suite.

Keith Emerson estaba interesado en explotar todo el rango de posibilidades del sintetizador concibiendo una suite cuya apertura era una erupción de sonido. Por su parte Palmer había encontrado un patrón de batería bastante inusual que quería usar a toda costa. Cuando ambos le presentaron sus ideas a Lake, que hizo de productor en el primer disco, no logró entroncar con el tema. Dudó y empezaron una serie de discusiones que hicieron pensar que no habría segundo disco. Finalmente el grupo acordó estar en desacuerdo sobre la pista sobre la que había diferencias: “Tarkus”. Al final el tema se convirtió en el título del disco, conocida por ser uno de las composiciones más espectaculares y representativas del rock progresivo y lo que ayudó definir el sonido de Emerson, Lake & Palmer como se lo conoce hoy.

Más tarde el grupo grabó una adaptación de la obra del compositor Modest Petrovich Mussorgsky, Pictures at an Exhibition, durante una presentación en vivo en Newcastle City Hall el 26 de marzo de 1971. El disco fue puesto a la venta y rápidamente se convirtió en un éxito mayúsculo, además de ser esencial en cualquier colección progresiva.

Consagración
Ocho meses después Emerson, Lake & Palmer sacó a la venta Trilogy, otro de los trabajos más aclamados. La experiencia de su antecesor y el éxito alcanzado hizo que los tres músicos se entendieran mejor y que en este nuevo disco sus aportes estuvieran al mismo nivel cada cual asumiendo su responsabilidad musical. De hecho, Lake nunca había cantado mejor o el grupo sonado más relajado. Nuevamente fue un éxito comercial alcanzando el segundo lugar en las listas británicas. El número que se destacó de los demás y se convirtió en una especie de sello del grupo, la adaptación del tema “Rodeo” de Aaron Copland titulado “Hoedown”. Además de otras canciones sumamente destacables como la explosión de rock progresivo de “Trilogy” y la balada acústica “From The Beginning”.

En noviembre de 1973 el terceto pone a la venta Brain Salad Surgery. Aquí la banda incorpora en la escritura de las letras de las canciones a Peter Sinfield conocido por su trabajo con King Crimson con lo que dio un toque sombrío y apocalíptico en las líricas del álbum. Uno de los temas más representativos son “Jerusalem”, que es una selección en la que recitan el poema del mismo nombre, escrito por William Blake, con el ritmo de la obra compuesta por Hubert Parry (fue el único single pero fue censurado en el Reino Unido por el contenido de su lírica), y la adaptación del cuarto movimiento del concierto para piano del compositor argentino Alberto Ginastera “Toccata”. Nuevamente el trío llegaría a las altas posiciones tanto en las listas europeas (alcanzando en el Reino Unido la segunda posición) como en Estados Unidos.

La siguiente gira mundial fue registrada en un triple disco en directo titulado Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends. Durante ese tour se dejó en claro que Emerson, Lake & Palmer era una de las bandas más importantes de la década por ese entonces cuando cerró el célebre festival California Jam el 6 de abril de 1974. Dicho festival contó también con la participación de renombradas bandas como Deep Purple, Black Sabbath y The Eagles.

Declive

Tras algunas tensiones y, consecuemente, tres años de silencio, se juntaron nuevamente en el estudio. Su siguiente trabajo llamado Works, Vol. 1, lanzado en 1977, fue el final de los triunfos y la disolución del sonido del grupo. Cada integrante de la banda se sentía incómodo con el otro y preferían trabajar en sus propios discos antes que producir juntos. Sin embargo, la cordura prevaleció y se dieron cuenta que ningún proyecto en solitario iba a ser mejor que un disco en conjunto. Este álbum fue una solución salomónica de dos LP en los que cada artista tenía una cara del disco y una cuarta era colectiva.

El disco no vendió lo acostumbrado y el grupo dejó de sonar igual, el LP había destruido la unidad del trío. Parecía que lo único que los motivaba a tocar eran sus obligaciones contractuales. Más grave aún fue el hecho que perdieron tiempo trabajando en un doble LP mientras que el gusto de la gente estaba cambiando. Las bandas de rock progresivo fueron criticadas porque bajó el nivel de abstracción de la gente frente a canciones de larga duración, los discos conceptuales y la fusión entre lo clásico y el rock. La música disco, un rock pop cada vez más liviano y el auge de la reciente música punk comenzaron a acaparar el interés del público. Igualmente, y a pesar de todo, el grupo colocó un número uno en las listas con uno de sus temas más conocidos, “Fanfare For The Common Man”.

Works, Vol. 2, que salió a la venta en noviembre de 1977, no fue más que una colección de oscuros lados B y algunos temas de hacía cuatro años.
Lake en una actuación de ELP en el estadio Maple Leaf Gardens, en Toronto. 3 de febrero de 1978.

Palmer en la actuación de Toronto de 1978.
Su siguiente disco, Love Beach, de 1978, fue descrito por los integrantes del grupo como resultado de la inercia y completamente prescindible, grabado por exigencias de la discográfica. No obstante, contiene una versión de “Canario” de Joaquín Rodrigo, de cierto interés musical.

Un año después del último trabajo referido se separaron y ejercería cada uno diferentes proyectos en la industria musical. Greg Lake inició una carrera en solitario que resultó ser bastante exitosa, Keith Emerson se dedicó a grabar música para filmes y uno que otro proyecto personal, mientras que Carl Palmer se unió al supergrupo Asia.

Reencarnaciones
En 1985 la discográfica Polydor intentó rearmar Emerson, Lake & Palmer. Aunque Emerson y Lake prácticamente no se habían vuelto a ver desde la separación del grupo se reunieron en Londres para evaluar el proyecto. Palmer, por su parte avaló la idea pero no participó debido a que estaba atado a Asia. Luego de que varios bateristas se presentaran ante ellos contrataron a Cozy Powell quién tocaba con Whitesnake, además de haber estado en el grupo de Jeff Beck y en Rainbow.

Emerson, Lake & Powell lanzaron su disco debut en 1986 y empezaron a ensayar para su gira por los Estados Unidos e Inglaterra. Aunque no alcanzaron el éxito de la formación anterior el grupo logró producir un muy aceptable disco. Luego de que el trío anunciara su gira norteamericana para 1986 la gente empezó a entusiasmarse con la idea. Sin embargo, esa fue la única visita a norteamérica. Con el final de la gira llegó el final de Emerson, Lake & Powell.

Después de esta experiencia vinieron proyectos en los que se mezclaban integrantes de cuanta banda progresiva había existido, pero no fue hasta 1991 cuando fueron llamados por Phil Carson (con el regreso de Carl Palmer) para que los tres ayudaran a componer la música de una película. La película nunca se concretó, pero el disco sí: Black Moon. En 1992 el grupo volvió a los escenarios y con un disco muy bien producido por Mark Mancina un músico de filmes, admirador a muerte del trío y un músico maduro. El álbum devolvió a ELP a la escena contemporánea de la música manteniendo el sonido tradicional del grupo agregándole un sonido vibrante y moderno.

Durante 1992 y 1993 estuvieron de gira y se instalaron en Los Ángeles para grabar a finales de 1993 su siguiente disco. Fue durante este período que Keith Emerson empezó a tener problemas con un nervio de su brazo derecho que lo obligó a entrar al quirófano. Esto afectó seriamente la calidad de In the Hot Seat que debió ser grabado por separado y luego armado en un estudio. El estado de salud de Emerson obligó a suspender la gira que tenían planeada. Luego de dos años fuera de la escena musical volvieron en 1996 acompañados por sus colegas de Jethro Tull en una gira triunfal por todos Estados Unidos. Esta gira fue de las más apreciadas por la crítica y de las más aplaudidas por el público durante ese verano boreal. Y a pesar de que los tres miembros del grupo continuaban con sus propios proyectos la cálida recepción de la gente los consolidó como grupo nuevamente.

Sin embargo, cuando tenían planeado encarar el estudio de vuelta luego de una gira en 1998, la banda volvió a disolverse debido a tensiones entre los miembros. Desde entonces los músicos continuaron con sus proyectos en solitario sin la idea de volverse a juntar tras haber pasado ya una década. Aunque a principios de 2009 hubo intenciones de reunir nuevamente al trío para algunos shows pero fue cancelada debido a algunos inconvenientes físicos de Keith Emerson que lo llevó también a cancelar sus shows con su banda Keith Emerson featuring Marc Bonilla.

Legado
Desde hace 40 años y pese a los altibajos, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer están entre los grandes pioneros del rock progresivo. Su música se ha mantenido como un referente del género además de seguir llamando la atención de las nuevas generaciones. Sin duda tres artistas con talento extraordinario y que desde sus inicios causaron expectación en los medios al venir cada uno de sus anteriores bandas ya con algún prestigio (King Crimson, The Nice, Atomic Rooster) popularizaron tanto la interpretación de música clásica con arreglos de rock, como la fusión de ambas (en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera, Béla Bartók o Aaron Copland) e ingresaron a la categoría de las bandas “Arena Rock” o “rock-estadio”

Miembros
La banda estaba conformada de tres integrantes:

Keith Emerson (ex-miembro de The Nice), en teclados.
Greg Lake (ex-miembro de King Crimson), en guitarras, bajo y voces.
Carl Palmer (ex-miembro de Atomic Rooster), en batería y percusiones

Discografía
Emerson, Lake & Palmer. Island (noviembre de 1970) – POP #18; Reino Unido #4
Tarkus. Island (junio de 1971) – POP #9; Reino Unido #1
Trilogy. Island (julio de 1972) – POP #5; Reino Unido #2
Brain Salad Surgery. Manticore (noviembre 1973) – POP #11; Reino Unido #2
Works Volume 1. Atlantic (marzo 1977) – POP #12; Reino Unido #9
Works Volume 2. Atlantic (noviembre 1977) – POP #37; Reino Unido #20
Love Beach. Atlantic (noviembre de 1978) – POP #55; Reino Unido #48
Black Moon. Victory (junio de 1992) – POP #78
In the Hot Seat. Victory (septiembre de 1994)

flying padovanis

Es son un banda de rock instrumental , formado en la década de 1980 por el guitarrista original para The Police , Henry Padovani . Su primer single, “Western Pasta” fue lanzado en 1981 y fue seguido por dos álbumes, “Font L’Enfer”(1982), y “They Call Them Crazy” (1987). Después de un periodo de receso, se reformaron en 2007 con compromisos de gira en todo el mundo, y un álbum recopilatorio titulado Three For Trouble(2007), y un DVD que consiste en imágenes de conciertos de época y entrevistas actuales. La banda ahora juega fechas regulares en Londres yFrancia .

Miembros 
Miembros presentes, aparte de Padovani, incluyen a Paul Slack ( UK Subs , Mónica and the Explosion), Chris Musto, Val Haller, James Eller y Glen Matlock . Musto había tocado con Johnny Thunders por cuatro años hasta la muerte de Thunders en 1991, e hizo dos álbumes con Matlock como parte de The Philistines , así como tocar con Joe Strummer en la banda sonora de Sid y Nancy .

Discografía 

  • Font L’Enfer – 1982
  • They Call Them Crazy – 1987
  • Three for Trouble – 2007