Archive for the ‘Rock progresivo’ Category

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Roxy Music fue una banda de rock británica surgida en la primera mitad de los años setenta en Londres.

La música de Roxy Music constituye una rara mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock ‘n’ roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista y mentor Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música comercial actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente sobre una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el disco, punk, new wave, new romantic, synth pop y que se convirtieran en uno de los pioneros indiscutibles del dance con la canción “Angel Eyes” del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto No. 98 de su lista Los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

El 3 de noviembre de 2014 se dio el anuncio de su tercera separación del grupo, así mismo diciendo que el grupo está disuelto.

Historia
Primeros años
En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda The Gas Board, con la que interpretaba versiones de música soul. Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y clarinetista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Eno sabía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista, a través del acostumbrado anuncio en Melody Maker (Ferry llamó la atención de Manzanera por el texto del anuncio, en el que pedía “un guitarrista a lo Dick Tracy”).4

El primer sencillo de la banda, «Virgina Plain/The Numberer» (1972), llegó al cuarto puesto en las listas británicas de éxitos. La agrupación logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer larga duración, Roxy Music (1972), introdujo un sonido original y cercano al glam rock. Luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum, For Your Pleasure (1973), Eno deja Roxy Music por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

Sin Brian Eno: 1973 – 1978

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, Stranded, fue el mejor de la misma), por lo que su sonido se concentró en el aspecto más “elegante” y más “decadente”, y en las baladas y la voz de Ferry. Stranded contenía el sencillo “Street Life” y un tema musicalmente muy novedoso para la época, “Amazona”.

Pop y música de baile: 1979 – 1983
El grupo se reunió de nuevo para grabar el larga duración Manifesto en 1979. Se trata de un disco más convencional que los anteriores. De él se extrajeron dos sencillos: “Angel Eyes”, una de las canciones precursoras del dance, y “Dance Away”, que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda.

Flesh and Blood (1980) fue un álbum muy sensitivo, marcado por su diversidad musical, con canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los años 1980. Este álbum contenía los singles “Over You”, “The Same Old Scene” y “Oh Yeah”. En 1981 grabarían una versión de la canción “Jealous Guy” de John Lennon, a raíz del asesinato del mismo a finales del año anterior.

El álbum Avalon salió en 1982 y fue el último disco en estudio del grupo. Se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores. Produjo los sencillos “More than this” y la balada “Avalon”. Un año después salió al mercado un EP en vivo titulado The High Road, que contenía la grabación de un concierto brindado en el Apollo de Glasgow, Escocia, el 30 de agosto de 1982 durante la gira soporte de Avalon. Luego de su lanzamiento, Bryan Ferry decidió disolver la banda, con la mayoría de sus miembros iniciando carreras como solistas.

Década de 2000

El grupo se reunió (sin Eno) en el año 2001 para celebrar los 30 años de su fundación. Roxy Music apareció en el concierto benéfico Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight del año 2005.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry.13 Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista (These Foolish Things, un álbum de versiones) en 1973.

En 2003 sale al mercado el álbum Roxy Music Live, esta vez con el sello Eagle Records. Contiene material en directo de presentaciones realizadas en Detroit, Hamburgo, Stuttgart, Milán, Toronto, entre otras ciudades.

Década de 2010

Graham Simpson, bajista original de la banda, falleció el 16 de abril de 2012, a los 68 años de edad.

Estilo y legado
En sus inicios el estilo de Roxy Music fue influenciado por el estudio de las bellas artes. Ferry, Mackay y Eno habían estudiado en prominentes escuelas de arte británicas durante los años 1960, de allí el fuerte estilo visual de las portadas de sus álbumes y de sus presentaciones en vivo. Fueron asistidos por un grupo de profesionales, como el diseñador de modas Antony Price, el estilista Keith Mainwaring y el fotógrafo Karl Stoecker para moldear su elegante y sofisticada apariencia. El reconocido crítico Lester Bangs llegó a asegurar que Roxy Music representaba “el triunfo del artificio”.

La banda inglesa Madness, entre muchos otros artistas y agrupaciones, han mencionado a Roxy Music como influencia,20 incluso rindiendo tributo a Bryan Ferry en la canción “4BF”. Otros artistas que han citado a Roxy Music como inspiración incluyen a David Bowie, Steve Jones y Paul Cook de los Sex Pistols, Siouxsie and the Banshees, Chrissie Hynde, The Cars, Grace Jones, Kate Bush, Nina Hagen, Adam Ant, The Human League, Japan, Duran Duran, Simple Minds, ABC, Spandau Ballet, The Fixx, Depeche Mode, Men Without Hats, Nile Rodgers, Annie Lennox, Morrissey, Jarvis Cocker y Neil Hannon.

En 1997 John Taylor de Duran Duran produjo el álbum tributo Dream Home Heartaches… Remaking/Remodeling Roxy Music. El compilado incluye colaboraciones del propio Taylor y de artistas como Dave Gahan (Depeche Mode) y Low Pop Suicide, entre otros.

La banda de música electrónica Ladytron tomó su nombre de una canción del álbum Roxy Music.

Integrantes
Miembros principales
Bryan Ferry – voz, teclados.
Phil Manzanera – guitarra.
Andy Mackay – oboe, saxofón.
Paul Thompson – batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno – sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson – bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson – sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).
Miembros secundarios
John Gustafson – bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974–1976)
Dexter Lloyd – batería (hasta 1971)
Roger Bunn – guitarra
Davy O’List – guitarra
Rik Kenton – bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter – bajo (1973)
Sal Maida – bajo
Rick Wills – bajo
Paul Carrack – teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark – batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs – bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner – bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher – teclados
Jimmy Maelen – percusión
Neil Hubbard – guitarra
Colin Good – teclados (desde 2001)
Discografía
Álbumes de estudio
Roxy Music (1972) – UK #10
For Your Pleasure (1973) – POP #193; UK #4
Stranded (1973) – POP #186; UK #1
Country Life (1974) – POP #37; UK #3
Siren (1975) – POP #50; UK #4
Manifesto (1979) – POP #23; UK #7
Flesh and Blood (1980) – POP #35; UK #1
Avalon (1982) – POP #53; UK #1

 

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PFM

Posted: September 17, 2016 in Rock progresivo
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Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

Historia
La historia de Premiata Forneria Marconi comienza durante la década del ’60 con la formación del grupo I Quelli, integrado por Teo Teocoli, Franz Di Cioccio en la batería, Flavio Premoli en los teclados, Franco Mussida en la guitarra y Giorgio Piazza en el bajo.

La banda, cohesionada pero aún sin una carrera independiente, se había dedicado a sesionar en variedad de discos de músicos Italianos entre fines de los años sesenta y principios de los setenta, constituyendo un importante pilar en la evolución del sonido Italiano tanto de la música popular como de la vanguardia. Lo más destacado de estas participaciones es el haber hecho parte del proyecto Battisti-Mogol, poniendo el sello particular de su sonido en la grabaciones de Lucio Battisti, (quien influencio notablemente el trabajo lírico musical y letras de la PFM ) y especialmente los discos de Mina Mazzini entre 1969 y 1972, esta pertinencia a un equipo de trabajo que intentaba encaminar la música popular Italiana hacia un sonido nuevo, desemboca en la madurez de una banda cuyo primer trabajo obtiene un amplio reconocimiento. Los músicos de la PFM ya contaban en 1970 con un gran prestigio y no rompían la unidad original. En 1970, Teo Teocoli abandona al grupo, también Di Cioccio lo hace por algunos meses para tocar con el grupo Equipe 84. A finales de 1970 Cioccio, Mussida, Premoli y Piazza junto a Mauro Pagani forman la Premiata Forneria Marconi. El nombre lo tomaron de la panadería en cuyo sótano ensayaban. Una de las paredes ostentaba el título que había obtenido a principios del Siglo XX: “premiada panadería Marconi”. El debut del grupo se lleva a cabo en 1971 en el Teatro Lírico de Milano abriéndole el show a Yes en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. En ese mismo año, editan su primer álbum llamado “Storia Di Un Minuto” con el sello Número Uno. El grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia. En el año 1972 sale editado su disco “Per un amico”, pero la fama mundial no llegaría hasta el año 1973 cuando es editado en Inglaterra a cargo del sello Manticore el álbum “Photos of Ghosts”, versión en inglés de su disco “Per un amico”. En “Photos of Ghosts”, Pete Sinfield, el poeta de King Crimson, se encarga de adaptar la letra de las canciones.Franco Mamone, manager del grupo, le da a Emerson, Lake & Palmer la cinta del disco y es Greg Lake quien se interesa por el grupo y viaja a Roma a escucharlos en vivo. Gracias al éxito de este álbum entran a los charts tanto de los Estados Unidos como del Reino Unido. En marzo de 1973 comienza su primera gira por el Reino Unido y por Europa. En agosto de ese mismo año, Patrick Djivas, del grupo Area, reemplaza en el bajo a Piazza para grabar su cuarto disco llamado “L’isola di niente”, disco que al año siguiente se editaría en Inglaterra nuevamente en el sello Manticore y con el nombre “The World Became The World”. Logran así su segunda gira por Europa y el Reino Unido para abrir los conciertos de la banda Ten Years After, y también su primera gira americana: se presentan en Canadá y en los Estados Unidos abriendo los conciertos de bandas como Santana y The Beach Boys, entre otros. Esta gira le significó a la banda un gran aumento de su popularidad, lo cual le permitió editar su primer disco en vivo, llamado “Live in USA”, aunque también conocido como Cook, inmortalizándose de esta manera su gira por los Estados Unidos. Al año siguiente, en 1975 editaría “Chocolate Kings”, disco que sería boicoteado en los Estados Unidos debido al abierto apoyo de la banda a la causa palestina. Al salir “Jet Lag” en 1977, su sonido se inclina al jazz rock, que tanto sedujo a los músicos de rock progresivo de esos tiempos. Posteriormente, la banda editaría varios trabajos que supondrían una gran controversia, ya que los antiguos fanáticos de la banda, que estaban más orientados hacia el rock progresivo, recriminaban el nuevo sonido, más “comercial” y menos progresivo, que adquirió la banda a partir de su disco Passpartù.Editado en 1978, Passpartú ofrece un sonido muy fusionista. Las canciones muestran un brillo mas pop,pero siempre folclórico con claros fundamentos mediterráneos en los arreglos.El bajo de Djivas se apropia del nuevo sonido Fretless jazz acompañando de una forma muy novedosa las voces acústicas de la guitarra.Este exelente album definiría la orientación sonora del siguiente disco hasta el año 2005, en que tendría lugar el lanzamiento de su decimoquinto disco de estudio: “Dracula (Ópera Rock)”, disco que sería banda sonora de la ópera rock homónima dirigida por el argentino Alfredo Rodríguez Arias. La obra escénica es uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.

Integrantes
Integrantes Actuales
Franco Mussida: guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, mandolina, voces.
Franz Di Cioccio: batería, percusión, voces.
Patrick Djivas: bajo, programación.
Flavio Premoli: piano, teclados, Melotrón, sintetizador Moog, voces (abandonó la banda desde 1980 hasta 1995).

Antiguos Integrantes
Giorgio Piazza: bajo (1970-1973)
Mauro Pagani: flauta, flautín, violín, voces (1970-1975)
Bernardo Lanzetti: voces, guitarra rítmica (1975-1977)
Grigory Bloch: violín (1977, tocó solamente en el disco Jet Lag.)
Lucio Fabbri: violín, teclados (1979-1987)
Walter Calloni: batería adicional (1982-1987)

Discografía
Álbumes de estudio
Storia di un minuto (1972)
Per un amico (1972)
Photos of Ghost (1973, Versión en inglés de Per un amico)
L’isola di niente (1974)
The World Became the World (1974, Versión en inglés de L’isola di niente)
Chocolate kings (1975)
Jet lag (1977)
Passpartù (1978)
Suonare suonare (1980)
Come ti va in riva alla città (1981)
P.F.M.? P.F.M.! (1984)
Miss Baker (1987)
Ulisse (1997)
Serendipity (2000)
Dracula (Opera Rock), (2005)
Stati di immaginazione (2006)
A.D. 2010 – La Buona Novella (Opera Apocrifa Da La Buona Novella Di Fabrizio De Andrè) (2010)
Versiones en Inglés
Photos of Ghosts (1973 – versión de Per un amico)
The World Became the World (1974 – versión de L’isola di niente)
Álbumes en vivo
Live in USA (1974, también conocido como Cook)
Fabrizio De Andrè / PFM – In Concerto Vol 1 (1979)
Fabrizio De Andrè / PFM – In Concerto Vol 2 (1979)
Performance (1981)
http://www.pfmpfm.it (1999)
Live in Japan 2002 (2002, editado en CD y en DVD)
Piazza del Campo (2005, editado en CD y en DVD)
Antología
PFM The Award – Winning Marconi Bakery (1976, Estados Unidos)
Prime impressioni (1976)
Celebration (1976)
Antologia (1977)
Super Star Collection (1982)
L’álbum di… PFM (1988)
Il rock (1990)
I grandi del rock (1993)
PFM Story (1994)
A Celebration (1997, UK)
Gli anni ’70 (1998)
Pieces from Manticore (2000, Japón)
Golden Collection (2001)

mahavishnu-orchestra-var

 

La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

Primera Mahavishnu Orchestra
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción “Noonward Race”) hasta piezas más calmadas, como “A Lotus On Irish Streams” y “Thousand Island Park”, que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., “Open Country Joy”).

Ruptura

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.

Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuido por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.

El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Segunda Mahavishnu Orchestra
Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta “nueva” Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra “real”), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.

Trabajo posterior
Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en los saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en los teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham con la percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún momento. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Otros miembros
Billy Cobham hizo carrera en solitario, y también fue parte de la gira de George Duke Band por muchos años. Hoy en día sigue impartiendo clases de percusión.

Jan Hammer, junto con Narada Michael Walden estuvo en el álbum Wired de Jeff Beck, y también compuso el tema de Miami Vice.

Rick Laird tocó con Stan Getz y Chick Corea. También lanzó un disco en solitario, pero desde 1982 se dedica exclusivamente a la fotografía.

Danny Gottlieb era el baterista de American Garage de Pat Metheny y formó parte de the Blues Brothers que giró a principios de los 90 por Europa.

Trivia
La primera Mahavishnu Orchestra era un grupo multinacional:
McLaughlin, oriundo de Gran Bretaña;
Cobham nació en Panamá;
Hammer venía de República Checa;
Goodman era de los Estados Unidos;
Laird era irlandés, nacido en Dublín.
Jean-Luc Ponty fue la primera opción de McLaughlin para un violinista, pero tuvo algunos problemas en su status migratorio.

Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)

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Tangerine Dream es un grupo alemán de música electrónica que surgió en el marco de la llamada escena krautrock de finales de la década de 1960. Se les considera pioneros del ambient, del space rock y del uso de los secuenciadores. Su música es principalmente instrumental y electrónica, basada en el uso de sintetizadores, con un estilo “cósmico” que ha influido en la Escuela de Berlín y en la música electrónica de baile  .

Hasta 2015 la banda ha referenciado más de cien grabaciones, si bien algunos discos como Cyclone (1978), Tyger (1987) -con poemas de William Blake recitados sobre la música- o Madcap’s Flaming Duty (2007) -un tributo a Syd Barrett- no son completamente instrumentales. Parte de su reconocimiento ha tenido lugar gracias a su extensa producción de bandas sonoras para películas como Sorcerer (1977), Risky Business (1984) o Catch me if you can (1989). También ha compuesto música para videojuegos como The Music of Grand Theft Auto V (2013).

Tangerine Dream ha contado con decenas de músicos entre sus filas. Edgar Froese ha sido su líder fundador y único miembro estable desde su creación en 1967 hasta su fallecimiento en enero de 2015 . Entre los músicos más destacados figuran Klaus Schulze (1969-1970), Johannes Schmoelling (1980-1985), Paul Haslinger (1986-1990), Jerome Froese (1990-2006), Linda Spa (1992-2014) o Thorsten Quaeschning (2005–). La alineación considerada más estable e influyente se formó a mediados de los años 1970 con Froese, Christopher Franke (1970-1987) y Peter Baumann (fundador de la compañía discográfica Private Music 1972-1977.

Historia:
Edgar Froese llegó a Berlín occidental a mediados de los años 1960 para estudiar arte. Trabajó como escultor y tuvo de profesor a Salvador Dalí, entre otros. Su primera banda, The Ones (de R&B), fue disolviéndose gradualmente tras editar un solo single y Froese se dedicó a la experimentación, haciendo pequeñas presentaciones con una gran variedad de músicos, la mayor parte de los cuales fueron en el famoso club nocturno Zodiac, aunque la banda de Froese fue invitada a tocar para su ex-profesor Dalí. La música era con literatura, pintura, formadas tempranas de multimedia, y más. Solo las ideas más extravagantes atraían más atención, y Froese resumió esta actitud con la frase “en lo absurdo usualmente está lo que es posible artísticamente”. Los miembros del grupo cambiaban constantemente, pero la dirección de la música seguía siendo inspirada por los Surrealistas, y el grupo fue denominado Tangerine Dream, nombre surrealista posiblemente tomado de un tipo de mandarina rojiza que crece en Florida, Estados Unidos, aunque hay voces que opinan que procede de la letra de Lucy in the Sky with Diamonds
(…Picture yourself in a boat on a river With tangerine trees and marmalade skies Somebody calls you, you answer quite slowly A girl with kaleidoscope eyes…)
Froese estaba fascinado por la tecnología e intentaba usarla para crear música. Construyó instrumentos y salía grabar sonidos en cintas de todos los lugares a donde iba para usarlas luego en su música. Sus primeros trabajos con bucles de cintas y otros sonidos repetitivos eran precursores obvios de la emergente tecnología de los secuenciadores, que Froese adoptaría rápidamente.

Su colaboración más notable fue con Christopher Franke, quien se unió a Tangerine Dream en 1970 (tras dejar Agitation Free) para reemplazar a Klaus Schulze como el batería, y finalmente se convirtió el gurú del secuenciador de la banda, y fue el responsable de las pulsantes líneas de sintetizador que definieron el sonido de la banda. Franke dejó Tangerine Dream por diferencias creativas con Froese casi dos décadas más tarde (en 1987) lo que algunos fans consideran como el fin de la banda.
Otros miembros importantes del grupo incluyen a Peter Baumann (1972-1977), que más tarde fundó la compañía discográfica New Age Private Music, para la que la banda trabajó de 1988 to 1991; Johannes Schmoelling (1980-1985); Paul Haslinger (1986-1990); y, más recientemente (desde 1990), el hijo de Froese, Jerome. Muchos de sus seguidores consideran que la adición de Jerome fue un desastre, y la popularidad del grupo ha declinado desde entonces.

Un gran número de músicos fueron parte de Tangerine Dream por períodos de tiempo más cortos; entre ellos está Michael Hoenig (que reemplazó a Baumann para una gira australiana de 1975 y un concierto en Londres), Steve Joliffe (flauta y voz en el controvertido “Cyclone”, y la siguiente gira), Ralf Wadephul (quien escribió una pista de “Optical Race” y estuvo en la gira de ese mismo álbum), y, más recientemente, la saxofonista Linda Spa.

Miembros:

Edgar Froese, teclados y guitarras (1967 a 2015)
Lanse Hapshash, percusión (1967 a 1969)
Kurt Herkenberg, bajo (1967 a 1969)
Volker Hombach, percusión (1967 a 1969)
Charlie Prince, voces (1967 a 1968)
Steve Jolliffe, saxofón y flauta (1969 y 1978)
Klaus Schulze, percusión (1969 a 1970)
Conrad Schnitzler, violoncello y violín (1969 a 1971)
Steve Schroyder, teclados y voces (1970 a 1971)
Christopher Franke, teclados y percusión (1971 a 1987)
Peter Baumann, teclados (1971 a 1977)
Michael Hoenig, teclados (1975)
Klaus Krüger, percusión (1978 a 1979)
Johannes Schmoelling, teclados (1979 a 1985)
Paul Haslinger, teclados y guitarra (1986 a 1990)
Ralf Wadephul, teclados (1988)
Jerome Froese, teclados y guitarra (1990 a 2006)
Linda Spa, saxofón, flauta y teclados (1992-2014)
Iris Camaa, percusión (2001-2014)
Thorsten Quaeschning, teclados, percusión y voces (2005 a la actualidad)
Bernhard Beibl, guitarras y violín (2006 a 2014)
Hoshiko Yamane, violin y violoncello (2011 a la actualidad)
Ulrich Schnauss, teclados y piano (2014 a la actualidad)

Discografía:
Álbumes de estudio
Electronic Meditation (1970)
Alpha Centauri (1971)
Zeit (1972)
Atem (1973)
Phaedra (1974)
Rubycon (1975)
Stratosfear (1976)
Cyclone (1978)
Force Majeure (1979)
Tangram (1980)
Exit (1981)
White Eagle (1982)
Hyperborea (1983)
Le Parc (1985)
Green Desert (1986)
Underwater Sunlight (1986)
Tyger (1987)
Optical Race (1988)
Lily on the Beach (1989)
Melrose (1990)
Rockoon (1992)
Quinoa (1992)
Turn Of The Tides (1994)
Tyranny Of Beauty (1995)
The Dream Mixes (1995)
Goblins Club (1996)
TimeSquare – Dream Mixes II (1997)
Ambient Monkeys (1998)
Mars Polaris (1999)
The Seven Letters From Tibet (2000)
The Past Hundred Moons (2001)
DM 4 (2003)
Purgatorio (2004)
Kyoto (2005)
Jeanne d’Arc (2005)
Phaedra 2005 (2005)
Paradiso (2006)
Blue Dawn (2006)
Tangerine Dream plays Tangerine Dream (2006)
Madcap’s Flaming Duty (2007)
Views From a Red Train (2008)
Under Cover – Chapter One (2010)
Machu Picchu (2012)
Bandas sonoras
Sorcerer (1977)
Thief (1981)
Risky Business (1984)
Wavelength (1984)
Firestarter (1984)
Flashpoint (1984)
Heartbreakers (1985)
Legend (1986)
Three O’Clock High (1988)
Near Dark (1988)
Shy People (1988)
Miracle Mile (1989)
Destination Berlin (1989)
Canyon Dreams (1991)
Dead Solid Perfect (1991)
The Park Is Mine (1991)
Catch Me If You Can (1994)
Zoning (1996)
Oasis (1997)
The Keep (1997)
Transsiberia (1998)
What A Blast (1999)
Great Wall Of China (1999)
Mota Atma (2003)
Álbumes en vivo
Ricochet (1975)
Encore (1977)
Quichotte (1980)
Logos Live (1982)
Poland (1984)
Livemiles (1988)
220 Volt Live (1992)
Soundmill Navigator (2000; grabado en 1976)
Inferno (2002)

Fuente:

http://www.last.fm

daniel band

El Daniel Band es un canadiense de metal cristiano grupo se formó en 1979 en Toronto . Jugaron en la música cristiana contemporánea de la industria con un sonido que osciló entre el hard rock al heavy metal .

Historia
El grupo se originó en 1979 en los suburbios de Toronto , Ontario , y se basa fuera de una Asamblea de los Hermanos en Scarborough , Ontario llama Bendale Bible Chapel que celebró un café semanal, el One Way Inn, en su sótano de la iglesia, que contó con varios grupos de rock cristiano, que los miembros de la banda jugaron en.

La banda se coloca como una de tres finalista superior en el 1982 concierto de cosecha propia patrocinado por Toronto estación de radio Q107 , y jugó en el de El Mocambo con el campeón, Oliver Heavyside (que aparece en un solo éxito – los Estados Unidos y, como los Hermanos Partland , como éxitos de una vez en Canadá ) y subcampeón, el camafeo blues Band , ambas bandas profesionales de toda la vida de barras en la escena de Toronto.

Su primer álbum, On Rock (1982), ofreció un rock progresivo sonido que era típico de la época, en la tradición de April Wine y Boston , pero con un borde más duro. La guitarra de la roca sólida y voz de registro altos recuerda a los fans del grupo de rock canadiense de Rush . Su sonido se hizo más pesada con Straight Ahead (1983), y en el momento de su tercer álbum de Run from the Darkness (1984) eran un acto de metal pesado con toda la parafernalia. Esta fue su etapa de spandex y cuello de perro tachonado, con un sonido que estaba más cerca de AC / DC .

La banda nunca ha roto oficialmente, aunque un “concierto de despedida” se llevó a cabo en Toronto en abril de 1988, y sus miembros han participado en varios proyectos en Iglesias, incluyendo Bendale, y las escuelas donde los miembros viven ahora. Tony Rossi lanzó un álbum de blues basado en REX registros en 1990. Dan McCabe estaba involucrado con una banda llamada soñador, que lanzó un álbum en 1991 titulado Full Metal Racket ,  lanzado un CD en solitario y jugó con sus hijos mayores en una banda llamada Nine-O-Five.

En 2000, Daniel banda tocó en el Festival de Cornerstone en Illinois,  , en el que aparece vivo en Cornerstone CD fue grabado.

En noviembre de 2006, Daniel Band se presentó como el grupo de apertura de Audio Adrenaline despedida de la gira ‘s en Toronto , junto con Geoff Moore . A principios de año, había dos apariciones en Sarnia , incluyendo un festival de agosto, que también vio una reunión de un local ( Arkona, Ontario grupo) llamado Elim Salón , que eran contemporáneos de Daniel Band a mediados de la década de 1980, y Glenn Kaiser Band (con dos miembros de la resurrección de la banda).

En 2007, la banda tocó en una fiesta de mayo (ahora un drop-in) 35 Aniversario del One Way de Inn y el 50 aniversario de Bendale Bible Chapel, y Libertad Festival de Canadá en Oro-Medonte , Ontario durante agosto. También jugaron un espectáculo en el Ajax en febrero de 2009 con la apertura de Glenn Kaiser, y en mayo de 2009, de nuevo en Bendale. En julio de 2010, la banda viajó a Chibougamau , Quebec .

En octubre de 2011, la banda fue galardonado con el GMA Canadá Premio a la Trayectoria reconocer su influencia pionera en el rock cristiano.  A principios de año, que juega con X-Sinner durante un fin de semana de primavera en el sur de Ontario (en casa de Toronto El Mocambo, St . Catharines, Ottawa y Kitchener).

Miembros de la banda

Tony Rossi (guitarra, voz)
Dan McCabe (voz principal, bajo)
Bill Findlay (guitarra, teclados, voz) (1987)
Peter Cosman (hasta 1982),
Matt Delduca (bateria) (1987)
Wayne Morgan (bajo, voz) (1991) Pastor de un Bautista iglesia en Prince George, Columbia Británica , ahora con sede en Kenia.
Bill Davidson (bajo)
Stu Christie (bateria)

Discografía

  • On Rock – 1982 Released on Streetlight in Canada and Lamb & Lion/Benson in the US.
  • Straight Ahead – 1983 Released on Streetlight in Canada and Refuge Records/Benson in the US.
  • Run from the Darkness – 1984 Released on Streetlight in Canada and Refuge/Benson in the US.
  • Rise Up – 1986 Released on Refuge in the US.
  • Running Out of Time – 1987 Released on Refuge/Lexicon-Spectra in the US.

peter-luha

 

Peter Luha (* 1973, Bratislava) es un compositor, cantante e instrumentista. estilo único en su forma de tocar la guitarra proviene de la mezcla de técnicas clásicas y diferentes de guitarra no tradicional (slap, la grabación, el jugar percusión …) en la guitarra eléctrica y acústica y sin restricciones de género. También toca bassguitar, mandolina, flauta, laúd y el violín. Pasó varios años en el canto coral Académico Comenius también como el cantante principal en solitario. Después de la secundaria y en la universidad jugaba la música en las calles como un músico callejero. Más tarde se hizo algunas actuaciones en toda Europa (conciertos de guitarra en solitario o diferentes colaboraciones y proyectos). Pedro tomó Luha 1. lugar en la Competencia Guitarrista Gitariáda Internacional de 1999 en Praga (República Checa), que era un organizador y director del festival internacional de guitarra Guitarfest en Bratislava (2006, 2007) y talleres de guitarra. También fue un profesor de guitarra en varias escuelas de música e instituciones culturales en Bratislava (1991-2010). En 2012 lanzó su álbum debut como solista de guitarra, bajo el título “Viaje del alma” con comentarios muy positivos extranjeras. Este álbum basado en algunos temas flamenco y jazz gitano y escrita por él mismo fue nominado en 12 Independent Music Awards al mejor álbum en la categoría de álbum instrumental y también galardonado con el Premio de la cosecha en 6ª Premios Tais 2013. Peter Luha es también uno de los músicos que registró otro álbum intersting – Perinmama (2014) del jugador de la mandolina Jozef Scheiner. Pedro también se llevan guitarrista del grupo de rock progresivo Persona Grata – su primer disco llega a lugares Hight sobre (2013) fue nominado en Premio Radio_Head.

Web Oficial:

http://peterluha.com

Brian_Auger_and_the_Trinity_1970

 

Brian Auger and the Trinity fue un conjunto musical británico liderado por el teclista Brian Auger. Su dúo con Julie Driscoll, el Bob Dylan – escrito “This Wheel’s On Fire”, era un # 5 hit en el 1968 UK Singles Chart.

Su  álbum Open  , conocido  como Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity, alcanzó el puesto # 12 en los álbumes del Reino Unido Gráfico del mismo año.

El grupo y Driscoll abrieron para Led Zeppelin en el Palacio de Rose en Pasadena, California, el 2 y 3 de mayo de 1969.

Brian Auger (de piano, órgano eléctrico, piano eléctrico, coros)
Phil Kinorra (tambores)
Rick Laird (contrabajo)
Micky Waller (batería)
Ricky Brown (también conocido como Ricky Fenson) (contrabajo)
Vic Briggs (guitarra)
Gary Boyle (guitarra solista, voz principal y coros)
David Ambrose (bajo, coros) – (nacido David Ambrose, 11 de diciembre de 1945, Highgate, al norte de Londres)
Clive Thacker (batería) – (nacido el 13 de febrero de 1940, Enfield, Middlesex)
Roger Sutton (bajo) – (nacido Roger J. Sutton)