Archive for the ‘Rock progresivo’ Category

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Roxy Music fue una banda de rock británica surgida en la primera mitad de los años setenta en Londres.

La música de Roxy Music constituye una rara mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock ‘n’ roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista y mentor Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música comercial actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente sobre una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el disco, punk, new wave, new romantic, synth pop y que se convirtieran en uno de los pioneros indiscutibles del dance con la canción “Angel Eyes” del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto No. 98 de su lista Los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

El 3 de noviembre de 2014 se dio el anuncio de su tercera separación del grupo, así mismo diciendo que el grupo está disuelto.

Historia
Primeros años
En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda The Gas Board, con la que interpretaba versiones de música soul. Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y clarinetista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Eno sabía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista, a través del acostumbrado anuncio en Melody Maker (Ferry llamó la atención de Manzanera por el texto del anuncio, en el que pedía “un guitarrista a lo Dick Tracy”).4

El primer sencillo de la banda, «Virgina Plain/The Numberer» (1972), llegó al cuarto puesto en las listas británicas de éxitos. La agrupación logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer larga duración, Roxy Music (1972), introdujo un sonido original y cercano al glam rock. Luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum, For Your Pleasure (1973), Eno deja Roxy Music por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

Sin Brian Eno: 1973 – 1978

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, Stranded, fue el mejor de la misma), por lo que su sonido se concentró en el aspecto más “elegante” y más “decadente”, y en las baladas y la voz de Ferry. Stranded contenía el sencillo “Street Life” y un tema musicalmente muy novedoso para la época, “Amazona”.

Pop y música de baile: 1979 – 1983
El grupo se reunió de nuevo para grabar el larga duración Manifesto en 1979. Se trata de un disco más convencional que los anteriores. De él se extrajeron dos sencillos: “Angel Eyes”, una de las canciones precursoras del dance, y “Dance Away”, que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda.

Flesh and Blood (1980) fue un álbum muy sensitivo, marcado por su diversidad musical, con canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los años 1980. Este álbum contenía los singles “Over You”, “The Same Old Scene” y “Oh Yeah”. En 1981 grabarían una versión de la canción “Jealous Guy” de John Lennon, a raíz del asesinato del mismo a finales del año anterior.

El álbum Avalon salió en 1982 y fue el último disco en estudio del grupo. Se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores. Produjo los sencillos “More than this” y la balada “Avalon”. Un año después salió al mercado un EP en vivo titulado The High Road, que contenía la grabación de un concierto brindado en el Apollo de Glasgow, Escocia, el 30 de agosto de 1982 durante la gira soporte de Avalon. Luego de su lanzamiento, Bryan Ferry decidió disolver la banda, con la mayoría de sus miembros iniciando carreras como solistas.

Década de 2000

El grupo se reunió (sin Eno) en el año 2001 para celebrar los 30 años de su fundación. Roxy Music apareció en el concierto benéfico Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight del año 2005.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry.13 Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista (These Foolish Things, un álbum de versiones) en 1973.

En 2003 sale al mercado el álbum Roxy Music Live, esta vez con el sello Eagle Records. Contiene material en directo de presentaciones realizadas en Detroit, Hamburgo, Stuttgart, Milán, Toronto, entre otras ciudades.

Década de 2010

Graham Simpson, bajista original de la banda, falleció el 16 de abril de 2012, a los 68 años de edad.

Estilo y legado
En sus inicios el estilo de Roxy Music fue influenciado por el estudio de las bellas artes. Ferry, Mackay y Eno habían estudiado en prominentes escuelas de arte británicas durante los años 1960, de allí el fuerte estilo visual de las portadas de sus álbumes y de sus presentaciones en vivo. Fueron asistidos por un grupo de profesionales, como el diseñador de modas Antony Price, el estilista Keith Mainwaring y el fotógrafo Karl Stoecker para moldear su elegante y sofisticada apariencia. El reconocido crítico Lester Bangs llegó a asegurar que Roxy Music representaba “el triunfo del artificio”.

La banda inglesa Madness, entre muchos otros artistas y agrupaciones, han mencionado a Roxy Music como influencia,20 incluso rindiendo tributo a Bryan Ferry en la canción “4BF”. Otros artistas que han citado a Roxy Music como inspiración incluyen a David Bowie, Steve Jones y Paul Cook de los Sex Pistols, Siouxsie and the Banshees, Chrissie Hynde, The Cars, Grace Jones, Kate Bush, Nina Hagen, Adam Ant, The Human League, Japan, Duran Duran, Simple Minds, ABC, Spandau Ballet, The Fixx, Depeche Mode, Men Without Hats, Nile Rodgers, Annie Lennox, Morrissey, Jarvis Cocker y Neil Hannon.

En 1997 John Taylor de Duran Duran produjo el álbum tributo Dream Home Heartaches… Remaking/Remodeling Roxy Music. El compilado incluye colaboraciones del propio Taylor y de artistas como Dave Gahan (Depeche Mode) y Low Pop Suicide, entre otros.

La banda de música electrónica Ladytron tomó su nombre de una canción del álbum Roxy Music.

Integrantes
Miembros principales
Bryan Ferry – voz, teclados.
Phil Manzanera – guitarra.
Andy Mackay – oboe, saxofón.
Paul Thompson – batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno – sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson – bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson – sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).
Miembros secundarios
John Gustafson – bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974–1976)
Dexter Lloyd – batería (hasta 1971)
Roger Bunn – guitarra
Davy O’List – guitarra
Rik Kenton – bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter – bajo (1973)
Sal Maida – bajo
Rick Wills – bajo
Paul Carrack – teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark – batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs – bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner – bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher – teclados
Jimmy Maelen – percusión
Neil Hubbard – guitarra
Colin Good – teclados (desde 2001)
Discografía
Álbumes de estudio
Roxy Music (1972) – UK #10
For Your Pleasure (1973) – POP #193; UK #4
Stranded (1973) – POP #186; UK #1
Country Life (1974) – POP #37; UK #3
Siren (1975) – POP #50; UK #4
Manifesto (1979) – POP #23; UK #7
Flesh and Blood (1980) – POP #35; UK #1
Avalon (1982) – POP #53; UK #1

 

PFM

Posted: September 17, 2016 in Rock progresivo
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Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

Historia
La historia de Premiata Forneria Marconi comienza durante la década del ’60 con la formación del grupo I Quelli, integrado por Teo Teocoli, Franz Di Cioccio en la batería, Flavio Premoli en los teclados, Franco Mussida en la guitarra y Giorgio Piazza en el bajo.

La banda, cohesionada pero aún sin una carrera independiente, se había dedicado a sesionar en variedad de discos de músicos Italianos entre fines de los años sesenta y principios de los setenta, constituyendo un importante pilar en la evolución del sonido Italiano tanto de la música popular como de la vanguardia. Lo más destacado de estas participaciones es el haber hecho parte del proyecto Battisti-Mogol, poniendo el sello particular de su sonido en la grabaciones de Lucio Battisti, (quien influencio notablemente el trabajo lírico musical y letras de la PFM ) y especialmente los discos de Mina Mazzini entre 1969 y 1972, esta pertinencia a un equipo de trabajo que intentaba encaminar la música popular Italiana hacia un sonido nuevo, desemboca en la madurez de una banda cuyo primer trabajo obtiene un amplio reconocimiento. Los músicos de la PFM ya contaban en 1970 con un gran prestigio y no rompían la unidad original. En 1970, Teo Teocoli abandona al grupo, también Di Cioccio lo hace por algunos meses para tocar con el grupo Equipe 84. A finales de 1970 Cioccio, Mussida, Premoli y Piazza junto a Mauro Pagani forman la Premiata Forneria Marconi. El nombre lo tomaron de la panadería en cuyo sótano ensayaban. Una de las paredes ostentaba el título que había obtenido a principios del Siglo XX: “premiada panadería Marconi”. El debut del grupo se lleva a cabo en 1971 en el Teatro Lírico de Milano abriéndole el show a Yes en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. En ese mismo año, editan su primer álbum llamado “Storia Di Un Minuto” con el sello Número Uno. El grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia. En el año 1972 sale editado su disco “Per un amico”, pero la fama mundial no llegaría hasta el año 1973 cuando es editado en Inglaterra a cargo del sello Manticore el álbum “Photos of Ghosts”, versión en inglés de su disco “Per un amico”. En “Photos of Ghosts”, Pete Sinfield, el poeta de King Crimson, se encarga de adaptar la letra de las canciones.Franco Mamone, manager del grupo, le da a Emerson, Lake & Palmer la cinta del disco y es Greg Lake quien se interesa por el grupo y viaja a Roma a escucharlos en vivo. Gracias al éxito de este álbum entran a los charts tanto de los Estados Unidos como del Reino Unido. En marzo de 1973 comienza su primera gira por el Reino Unido y por Europa. En agosto de ese mismo año, Patrick Djivas, del grupo Area, reemplaza en el bajo a Piazza para grabar su cuarto disco llamado “L’isola di niente”, disco que al año siguiente se editaría en Inglaterra nuevamente en el sello Manticore y con el nombre “The World Became The World”. Logran así su segunda gira por Europa y el Reino Unido para abrir los conciertos de la banda Ten Years After, y también su primera gira americana: se presentan en Canadá y en los Estados Unidos abriendo los conciertos de bandas como Santana y The Beach Boys, entre otros. Esta gira le significó a la banda un gran aumento de su popularidad, lo cual le permitió editar su primer disco en vivo, llamado “Live in USA”, aunque también conocido como Cook, inmortalizándose de esta manera su gira por los Estados Unidos. Al año siguiente, en 1975 editaría “Chocolate Kings”, disco que sería boicoteado en los Estados Unidos debido al abierto apoyo de la banda a la causa palestina. Al salir “Jet Lag” en 1977, su sonido se inclina al jazz rock, que tanto sedujo a los músicos de rock progresivo de esos tiempos. Posteriormente, la banda editaría varios trabajos que supondrían una gran controversia, ya que los antiguos fanáticos de la banda, que estaban más orientados hacia el rock progresivo, recriminaban el nuevo sonido, más “comercial” y menos progresivo, que adquirió la banda a partir de su disco Passpartù.Editado en 1978, Passpartú ofrece un sonido muy fusionista. Las canciones muestran un brillo mas pop,pero siempre folclórico con claros fundamentos mediterráneos en los arreglos.El bajo de Djivas se apropia del nuevo sonido Fretless jazz acompañando de una forma muy novedosa las voces acústicas de la guitarra.Este exelente album definiría la orientación sonora del siguiente disco hasta el año 2005, en que tendría lugar el lanzamiento de su decimoquinto disco de estudio: “Dracula (Ópera Rock)”, disco que sería banda sonora de la ópera rock homónima dirigida por el argentino Alfredo Rodríguez Arias. La obra escénica es uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.

Integrantes
Integrantes Actuales
Franco Mussida: guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, mandolina, voces.
Franz Di Cioccio: batería, percusión, voces.
Patrick Djivas: bajo, programación.
Flavio Premoli: piano, teclados, Melotrón, sintetizador Moog, voces (abandonó la banda desde 1980 hasta 1995).

Antiguos Integrantes
Giorgio Piazza: bajo (1970-1973)
Mauro Pagani: flauta, flautín, violín, voces (1970-1975)
Bernardo Lanzetti: voces, guitarra rítmica (1975-1977)
Grigory Bloch: violín (1977, tocó solamente en el disco Jet Lag.)
Lucio Fabbri: violín, teclados (1979-1987)
Walter Calloni: batería adicional (1982-1987)

Discografía
Álbumes de estudio
Storia di un minuto (1972)
Per un amico (1972)
Photos of Ghost (1973, Versión en inglés de Per un amico)
L’isola di niente (1974)
The World Became the World (1974, Versión en inglés de L’isola di niente)
Chocolate kings (1975)
Jet lag (1977)
Passpartù (1978)
Suonare suonare (1980)
Come ti va in riva alla città (1981)
P.F.M.? P.F.M.! (1984)
Miss Baker (1987)
Ulisse (1997)
Serendipity (2000)
Dracula (Opera Rock), (2005)
Stati di immaginazione (2006)
A.D. 2010 – La Buona Novella (Opera Apocrifa Da La Buona Novella Di Fabrizio De Andrè) (2010)
Versiones en Inglés
Photos of Ghosts (1973 – versión de Per un amico)
The World Became the World (1974 – versión de L’isola di niente)
Álbumes en vivo
Live in USA (1974, también conocido como Cook)
Fabrizio De Andrè / PFM – In Concerto Vol 1 (1979)
Fabrizio De Andrè / PFM – In Concerto Vol 2 (1979)
Performance (1981)
http://www.pfmpfm.it (1999)
Live in Japan 2002 (2002, editado en CD y en DVD)
Piazza del Campo (2005, editado en CD y en DVD)
Antología
PFM The Award – Winning Marconi Bakery (1976, Estados Unidos)
Prime impressioni (1976)
Celebration (1976)
Antologia (1977)
Super Star Collection (1982)
L’álbum di… PFM (1988)
Il rock (1990)
I grandi del rock (1993)
PFM Story (1994)
A Celebration (1997, UK)
Gli anni ’70 (1998)
Pieces from Manticore (2000, Japón)
Golden Collection (2001)

mahavishnu-orchestra-var

 

La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

Primera Mahavishnu Orchestra
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción “Noonward Race”) hasta piezas más calmadas, como “A Lotus On Irish Streams” y “Thousand Island Park”, que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., “Open Country Joy”).

Ruptura

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.

Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuido por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.

El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Segunda Mahavishnu Orchestra
Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta “nueva” Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra “real”), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.

Trabajo posterior
Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en los saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en los teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham con la percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún momento. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Otros miembros
Billy Cobham hizo carrera en solitario, y también fue parte de la gira de George Duke Band por muchos años. Hoy en día sigue impartiendo clases de percusión.

Jan Hammer, junto con Narada Michael Walden estuvo en el álbum Wired de Jeff Beck, y también compuso el tema de Miami Vice.

Rick Laird tocó con Stan Getz y Chick Corea. También lanzó un disco en solitario, pero desde 1982 se dedica exclusivamente a la fotografía.

Danny Gottlieb era el baterista de American Garage de Pat Metheny y formó parte de the Blues Brothers que giró a principios de los 90 por Europa.

Trivia
La primera Mahavishnu Orchestra era un grupo multinacional:
McLaughlin, oriundo de Gran Bretaña;
Cobham nació en Panamá;
Hammer venía de República Checa;
Goodman era de los Estados Unidos;
Laird era irlandés, nacido en Dublín.
Jean-Luc Ponty fue la primera opción de McLaughlin para un violinista, pero tuvo algunos problemas en su status migratorio.

Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)

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Tangerine Dream es un grupo alemán de música electrónica que surgió en el marco de la llamada escena krautrock de finales de la década de 1960. Se les considera pioneros del ambient, del space rock y del uso de los secuenciadores. Su música es principalmente instrumental y electrónica, basada en el uso de sintetizadores, con un estilo “cósmico” que ha influido en la Escuela de Berlín y en la música electrónica de baile  .

Hasta 2015 la banda ha referenciado más de cien grabaciones, si bien algunos discos como Cyclone (1978), Tyger (1987) -con poemas de William Blake recitados sobre la música- o Madcap’s Flaming Duty (2007) -un tributo a Syd Barrett- no son completamente instrumentales. Parte de su reconocimiento ha tenido lugar gracias a su extensa producción de bandas sonoras para películas como Sorcerer (1977), Risky Business (1984) o Catch me if you can (1989). También ha compuesto música para videojuegos como The Music of Grand Theft Auto V (2013).

Tangerine Dream ha contado con decenas de músicos entre sus filas. Edgar Froese ha sido su líder fundador y único miembro estable desde su creación en 1967 hasta su fallecimiento en enero de 2015 . Entre los músicos más destacados figuran Klaus Schulze (1969-1970), Johannes Schmoelling (1980-1985), Paul Haslinger (1986-1990), Jerome Froese (1990-2006), Linda Spa (1992-2014) o Thorsten Quaeschning (2005–). La alineación considerada más estable e influyente se formó a mediados de los años 1970 con Froese, Christopher Franke (1970-1987) y Peter Baumann (fundador de la compañía discográfica Private Music 1972-1977.

Historia:
Edgar Froese llegó a Berlín occidental a mediados de los años 1960 para estudiar arte. Trabajó como escultor y tuvo de profesor a Salvador Dalí, entre otros. Su primera banda, The Ones (de R&B), fue disolviéndose gradualmente tras editar un solo single y Froese se dedicó a la experimentación, haciendo pequeñas presentaciones con una gran variedad de músicos, la mayor parte de los cuales fueron en el famoso club nocturno Zodiac, aunque la banda de Froese fue invitada a tocar para su ex-profesor Dalí. La música era con literatura, pintura, formadas tempranas de multimedia, y más. Solo las ideas más extravagantes atraían más atención, y Froese resumió esta actitud con la frase “en lo absurdo usualmente está lo que es posible artísticamente”. Los miembros del grupo cambiaban constantemente, pero la dirección de la música seguía siendo inspirada por los Surrealistas, y el grupo fue denominado Tangerine Dream, nombre surrealista posiblemente tomado de un tipo de mandarina rojiza que crece en Florida, Estados Unidos, aunque hay voces que opinan que procede de la letra de Lucy in the Sky with Diamonds
(…Picture yourself in a boat on a river With tangerine trees and marmalade skies Somebody calls you, you answer quite slowly A girl with kaleidoscope eyes…)
Froese estaba fascinado por la tecnología e intentaba usarla para crear música. Construyó instrumentos y salía grabar sonidos en cintas de todos los lugares a donde iba para usarlas luego en su música. Sus primeros trabajos con bucles de cintas y otros sonidos repetitivos eran precursores obvios de la emergente tecnología de los secuenciadores, que Froese adoptaría rápidamente.

Su colaboración más notable fue con Christopher Franke, quien se unió a Tangerine Dream en 1970 (tras dejar Agitation Free) para reemplazar a Klaus Schulze como el batería, y finalmente se convirtió el gurú del secuenciador de la banda, y fue el responsable de las pulsantes líneas de sintetizador que definieron el sonido de la banda. Franke dejó Tangerine Dream por diferencias creativas con Froese casi dos décadas más tarde (en 1987) lo que algunos fans consideran como el fin de la banda.
Otros miembros importantes del grupo incluyen a Peter Baumann (1972-1977), que más tarde fundó la compañía discográfica New Age Private Music, para la que la banda trabajó de 1988 to 1991; Johannes Schmoelling (1980-1985); Paul Haslinger (1986-1990); y, más recientemente (desde 1990), el hijo de Froese, Jerome. Muchos de sus seguidores consideran que la adición de Jerome fue un desastre, y la popularidad del grupo ha declinado desde entonces.

Un gran número de músicos fueron parte de Tangerine Dream por períodos de tiempo más cortos; entre ellos está Michael Hoenig (que reemplazó a Baumann para una gira australiana de 1975 y un concierto en Londres), Steve Joliffe (flauta y voz en el controvertido “Cyclone”, y la siguiente gira), Ralf Wadephul (quien escribió una pista de “Optical Race” y estuvo en la gira de ese mismo álbum), y, más recientemente, la saxofonista Linda Spa.

Miembros:

Edgar Froese, teclados y guitarras (1967 a 2015)
Lanse Hapshash, percusión (1967 a 1969)
Kurt Herkenberg, bajo (1967 a 1969)
Volker Hombach, percusión (1967 a 1969)
Charlie Prince, voces (1967 a 1968)
Steve Jolliffe, saxofón y flauta (1969 y 1978)
Klaus Schulze, percusión (1969 a 1970)
Conrad Schnitzler, violoncello y violín (1969 a 1971)
Steve Schroyder, teclados y voces (1970 a 1971)
Christopher Franke, teclados y percusión (1971 a 1987)
Peter Baumann, teclados (1971 a 1977)
Michael Hoenig, teclados (1975)
Klaus Krüger, percusión (1978 a 1979)
Johannes Schmoelling, teclados (1979 a 1985)
Paul Haslinger, teclados y guitarra (1986 a 1990)
Ralf Wadephul, teclados (1988)
Jerome Froese, teclados y guitarra (1990 a 2006)
Linda Spa, saxofón, flauta y teclados (1992-2014)
Iris Camaa, percusión (2001-2014)
Thorsten Quaeschning, teclados, percusión y voces (2005 a la actualidad)
Bernhard Beibl, guitarras y violín (2006 a 2014)
Hoshiko Yamane, violin y violoncello (2011 a la actualidad)
Ulrich Schnauss, teclados y piano (2014 a la actualidad)

Discografía:
Álbumes de estudio
Electronic Meditation (1970)
Alpha Centauri (1971)
Zeit (1972)
Atem (1973)
Phaedra (1974)
Rubycon (1975)
Stratosfear (1976)
Cyclone (1978)
Force Majeure (1979)
Tangram (1980)
Exit (1981)
White Eagle (1982)
Hyperborea (1983)
Le Parc (1985)
Green Desert (1986)
Underwater Sunlight (1986)
Tyger (1987)
Optical Race (1988)
Lily on the Beach (1989)
Melrose (1990)
Rockoon (1992)
Quinoa (1992)
Turn Of The Tides (1994)
Tyranny Of Beauty (1995)
The Dream Mixes (1995)
Goblins Club (1996)
TimeSquare – Dream Mixes II (1997)
Ambient Monkeys (1998)
Mars Polaris (1999)
The Seven Letters From Tibet (2000)
The Past Hundred Moons (2001)
DM 4 (2003)
Purgatorio (2004)
Kyoto (2005)
Jeanne d’Arc (2005)
Phaedra 2005 (2005)
Paradiso (2006)
Blue Dawn (2006)
Tangerine Dream plays Tangerine Dream (2006)
Madcap’s Flaming Duty (2007)
Views From a Red Train (2008)
Under Cover – Chapter One (2010)
Machu Picchu (2012)
Bandas sonoras
Sorcerer (1977)
Thief (1981)
Risky Business (1984)
Wavelength (1984)
Firestarter (1984)
Flashpoint (1984)
Heartbreakers (1985)
Legend (1986)
Three O’Clock High (1988)
Near Dark (1988)
Shy People (1988)
Miracle Mile (1989)
Destination Berlin (1989)
Canyon Dreams (1991)
Dead Solid Perfect (1991)
The Park Is Mine (1991)
Catch Me If You Can (1994)
Zoning (1996)
Oasis (1997)
The Keep (1997)
Transsiberia (1998)
What A Blast (1999)
Great Wall Of China (1999)
Mota Atma (2003)
Álbumes en vivo
Ricochet (1975)
Encore (1977)
Quichotte (1980)
Logos Live (1982)
Poland (1984)
Livemiles (1988)
220 Volt Live (1992)
Soundmill Navigator (2000; grabado en 1976)
Inferno (2002)

Fuente:

http://www.last.fm

daniel band

El Daniel Band es un canadiense de metal cristiano grupo se formó en 1979 en Toronto . Jugaron en la música cristiana contemporánea de la industria con un sonido que osciló entre el hard rock al heavy metal .

Historia
El grupo se originó en 1979 en los suburbios de Toronto , Ontario , y se basa fuera de una Asamblea de los Hermanos en Scarborough , Ontario llama Bendale Bible Chapel que celebró un café semanal, el One Way Inn, en su sótano de la iglesia, que contó con varios grupos de rock cristiano, que los miembros de la banda jugaron en.

La banda se coloca como una de tres finalista superior en el 1982 concierto de cosecha propia patrocinado por Toronto estación de radio Q107 , y jugó en el de El Mocambo con el campeón, Oliver Heavyside (que aparece en un solo éxito – los Estados Unidos y, como los Hermanos Partland , como éxitos de una vez en Canadá ) y subcampeón, el camafeo blues Band , ambas bandas profesionales de toda la vida de barras en la escena de Toronto.

Su primer álbum, On Rock (1982), ofreció un rock progresivo sonido que era típico de la época, en la tradición de April Wine y Boston , pero con un borde más duro. La guitarra de la roca sólida y voz de registro altos recuerda a los fans del grupo de rock canadiense de Rush . Su sonido se hizo más pesada con Straight Ahead (1983), y en el momento de su tercer álbum de Run from the Darkness (1984) eran un acto de metal pesado con toda la parafernalia. Esta fue su etapa de spandex y cuello de perro tachonado, con un sonido que estaba más cerca de AC / DC .

La banda nunca ha roto oficialmente, aunque un “concierto de despedida” se llevó a cabo en Toronto en abril de 1988, y sus miembros han participado en varios proyectos en Iglesias, incluyendo Bendale, y las escuelas donde los miembros viven ahora. Tony Rossi lanzó un álbum de blues basado en REX registros en 1990. Dan McCabe estaba involucrado con una banda llamada soñador, que lanzó un álbum en 1991 titulado Full Metal Racket ,  lanzado un CD en solitario y jugó con sus hijos mayores en una banda llamada Nine-O-Five.

En 2000, Daniel banda tocó en el Festival de Cornerstone en Illinois,  , en el que aparece vivo en Cornerstone CD fue grabado.

En noviembre de 2006, Daniel Band se presentó como el grupo de apertura de Audio Adrenaline despedida de la gira ‘s en Toronto , junto con Geoff Moore . A principios de año, había dos apariciones en Sarnia , incluyendo un festival de agosto, que también vio una reunión de un local ( Arkona, Ontario grupo) llamado Elim Salón , que eran contemporáneos de Daniel Band a mediados de la década de 1980, y Glenn Kaiser Band (con dos miembros de la resurrección de la banda).

En 2007, la banda tocó en una fiesta de mayo (ahora un drop-in) 35 Aniversario del One Way de Inn y el 50 aniversario de Bendale Bible Chapel, y Libertad Festival de Canadá en Oro-Medonte , Ontario durante agosto. También jugaron un espectáculo en el Ajax en febrero de 2009 con la apertura de Glenn Kaiser, y en mayo de 2009, de nuevo en Bendale. En julio de 2010, la banda viajó a Chibougamau , Quebec .

En octubre de 2011, la banda fue galardonado con el GMA Canadá Premio a la Trayectoria reconocer su influencia pionera en el rock cristiano.  A principios de año, que juega con X-Sinner durante un fin de semana de primavera en el sur de Ontario (en casa de Toronto El Mocambo, St . Catharines, Ottawa y Kitchener).

Miembros de la banda

Tony Rossi (guitarra, voz)
Dan McCabe (voz principal, bajo)
Bill Findlay (guitarra, teclados, voz) (1987)
Peter Cosman (hasta 1982),
Matt Delduca (bateria) (1987)
Wayne Morgan (bajo, voz) (1991) Pastor de un Bautista iglesia en Prince George, Columbia Británica , ahora con sede en Kenia.
Bill Davidson (bajo)
Stu Christie (bateria)

Discografía

  • On Rock – 1982 Released on Streetlight in Canada and Lamb & Lion/Benson in the US.
  • Straight Ahead – 1983 Released on Streetlight in Canada and Refuge Records/Benson in the US.
  • Run from the Darkness – 1984 Released on Streetlight in Canada and Refuge/Benson in the US.
  • Rise Up – 1986 Released on Refuge in the US.
  • Running Out of Time – 1987 Released on Refuge/Lexicon-Spectra in the US.

peter-luha

 

Peter Luha (* 1973, Bratislava) es un compositor, cantante e instrumentista. estilo único en su forma de tocar la guitarra proviene de la mezcla de técnicas clásicas y diferentes de guitarra no tradicional (slap, la grabación, el jugar percusión …) en la guitarra eléctrica y acústica y sin restricciones de género. También toca bassguitar, mandolina, flauta, laúd y el violín. Pasó varios años en el canto coral Académico Comenius también como el cantante principal en solitario. Después de la secundaria y en la universidad jugaba la música en las calles como un músico callejero. Más tarde se hizo algunas actuaciones en toda Europa (conciertos de guitarra en solitario o diferentes colaboraciones y proyectos). Pedro tomó Luha 1. lugar en la Competencia Guitarrista Gitariáda Internacional de 1999 en Praga (República Checa), que era un organizador y director del festival internacional de guitarra Guitarfest en Bratislava (2006, 2007) y talleres de guitarra. También fue un profesor de guitarra en varias escuelas de música e instituciones culturales en Bratislava (1991-2010). En 2012 lanzó su álbum debut como solista de guitarra, bajo el título “Viaje del alma” con comentarios muy positivos extranjeras. Este álbum basado en algunos temas flamenco y jazz gitano y escrita por él mismo fue nominado en 12 Independent Music Awards al mejor álbum en la categoría de álbum instrumental y también galardonado con el Premio de la cosecha en 6ª Premios Tais 2013. Peter Luha es también uno de los músicos que registró otro álbum intersting – Perinmama (2014) del jugador de la mandolina Jozef Scheiner. Pedro también se llevan guitarrista del grupo de rock progresivo Persona Grata – su primer disco llega a lugares Hight sobre (2013) fue nominado en Premio Radio_Head.

Web Oficial:

http://peterluha.com

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Brian Auger and the Trinity fue un conjunto musical británico liderado por el teclista Brian Auger. Su dúo con Julie Driscoll, el Bob Dylan – escrito “This Wheel’s On Fire”, era un # 5 hit en el 1968 UK Singles Chart.

Su  álbum Open  , conocido  como Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity, alcanzó el puesto # 12 en los álbumes del Reino Unido Gráfico del mismo año.

El grupo y Driscoll abrieron para Led Zeppelin en el Palacio de Rose en Pasadena, California, el 2 y 3 de mayo de 1969.

Brian Auger (de piano, órgano eléctrico, piano eléctrico, coros)
Phil Kinorra (tambores)
Rick Laird (contrabajo)
Micky Waller (batería)
Ricky Brown (también conocido como Ricky Fenson) (contrabajo)
Vic Briggs (guitarra)
Gary Boyle (guitarra solista, voz principal y coros)
David Ambrose (bajo, coros) – (nacido David Ambrose, 11 de diciembre de 1945, Highgate, al norte de Londres)
Clive Thacker (batería) – (nacido el 13 de febrero de 1940, Enfield, Middlesex)
Roger Sutton (bajo) – (nacido Roger J. Sutton)

 

 

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Aleksandar Dordic (aka Alek Darson) nació en Belgrado, Serbia. Encontró pasión en tocar la guitarra a la edad de 10, lo que mantiene la música teje dentro de su alma en la secundaria, donde jugó con las personas mayores en varias bandas de covers pop / rock. En el último año de la escuela secundaria asistió a la escuela primaria de la música “Vladimir Djordjevic” para voz solista, se graduó en 2005.

Después de descubrir que la música fue el motor de su vida, decidió sumergirse en las aguas de producción musical. Se graduó de la universidad VISER en Belgrado como Ingeniero de Audio y Vídeo Tecnologías (2010), centrándose en la producción musical. Mientras tanto desarrolla un negocio estudio de grabación llamado “Stretch Estudio de grabación”, haciendo numerosas diversos proyectos en áreas de producción de música, composición, arreglos, diseño de sonido, etc. Aunque prosiguió la carrera de un productor, él nunca dejó de actuar y de aprendizaje de la música sobre todo en clases particulares de guitarra de jazz (Danilo Karamarkovic), la armonía tonal y formas musicales (Olivera Kovacevic), contrapunto (Milan Djurdjevic), composición (Milan Djurdjevic) y solfeo (Ivana Kovacevic). Este proceso educativo fue una de las principales razones de su proseguir de la educación musical.

Desde el otro lado, él se involucró en el proyecto “Organized Chaos” en 2005 donde desarrolló el propio drásticamente como guitarrista, productor y arreglista. Esto tuvo un efecto enorme en su comprensión de la música, el proceso de creación musical, y la industria de la música, que aplicó en sus otros proyectos. Su forma de tocar la guitarra tuvo un fuerte impacto en sus compañeros, que le permitieron realizar con numerosos cantantes Ex-Yugoslavia famosos. Desde hace 5 años (2006-2011) estaba en frecuentes giras internacionales, programas de televisión y vídeos con Bojan Bjelic (2006), Seka Aleksic (2007) y miembro permanente del Tropico Band (2008-2011) en consecuencia. Hoy en día, se está perfeccionando sus habilidades en el Berklee College of Music, mientras trabajaba en su álbum, el nuevo material “caos organizado”, y un proyecto de guitarra instrumental “Sound Barrier” con Branimir Stojiljkovic.

Wed Oficial :

http://alekdarson.com

@AlekDarson

Chilliwack

Posted: September 7, 2015 in Hard Rock, Rock progresivo
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Chilliwack

Chilliwack es un canadiense de rock banda que tuvo su apogeo durante los años 1970 y 1980. Son quizás el más recordado por sus seis canciones más grandes “My Girl (Gone, Gone, Gone)”, “I Believe”, “Qué vas a hacer”, “volar por la noche”, “Crazy Talk” y “Solitario María”. La formación de la banda ha cambiado en numerosas ocasiones, aunque Bill Henderson se ha mantenido constante en un accesorio, y Chilliwack continúa de gira a través de Canadá.

La banda se formó inicialmente como Clásicos (1964) en Vancouver, Columbia Británica, pero más tarde cambió el nombre por el de The Collectors (1966). Su psicodélico homónimo álbum debut produjo el menor éxito “Lydia púrpura”. Su segundo álbum fue basada en la partitura musical escrita por la banda para una obra de teatro por el dramaturgo canadiense George Ryga, hierba y Fresas salvajes.

Chilliwack comenzó efectivamente con la salida del vocalista Howie Vickers de los coleccionistas en 1969; Sin embargo, la banda no ha cambiado su nombre hasta 1970, a Chilliwack, un Salish término que significa “volver” y el nombre de una ciudad al este de Vancouver en el río Fraser valle. Con guitarrista Bill Henderson ahora proporcionando la mayor parte de las voces y haciendo la mayor parte de la composición, la banda lanzó varios discos que fueron un éxito moderado en Canadá. Singles de éxito en Canadá incluyen “Solitario María”, que entró Cashbox 22 de enero 1972  “Crazy Talk” y “Fly en la noche”. La pista del álbum “Rain-o”, una composición a base de blues-que apareció en distintas versiones en el álbum debut de Chilliwack y las posteriores Sueños, Sueños, sueños, era uno de los favoritos de conciertos conocida.

Su álbum “Riding High” en Goldfish Records (Terry Jacks ‘Label) contenía una de sus más grandes éxitos, Crazy Talk que fue producido por Terry Jacks.

Sin embargo, Chilliwack tuvo un momento difícil sostener cualquier éxito debido a sus cambios de etiquetas constantes. Los dos discos de coleccionista estaban en Warner Brothers, y los primeros cinco álbumes de Chilliwack estaban en cuatro etiquetas diferentes en Canadá: Parrot, A & M, Goldfish y Casino Records. Cuando la banda finalmente encontró una relativa estabilidad y el éxito de Vancouver con Mushroom Records, con distribución en toda América del Norte, el sello quebró tan abruptamente en 1979 que el tercer álbum de Chilliwack para el sello, Distribución en el Paraíso, apenas fue puesto en a la venta .

En 1978, Brian MacLeod (guitarra, batería, teclados) se unió a la banda para las luces del Valle álbum, y Ab Bryant (bajo) se unió a la banda de Breakdown en el Paraíso, con los demás miembros a excepción de Henderson saliendo. Chilliwack luego firmó con Solid Gold Records en Canadá y Milenio registros en los EE.UU. como un trío y disfrutó de su mayor éxito con esta nueva formación, la liberación de los álbumes Wanna Be a Star y Opus X. Los singles “My Girl (Gone, Gone, Gone ) “(1981),” I Believe “(1982), y” Qué vas a hacer (cuando me haya ido) “(1982) eran populares tanto en Canadá como en los EE.UU.  la revista Rolling Stone escribió:

En su mejor momento, Chilliwack fue la mejor banda de rock canadiense, outrocking BTO y outwriting Burton Cummings. Pero la falta de consistencia mantenía de éxito internacional.”

Henderson y MacLeod recibieron un mejor productor Juno Award en 1982 por el Opus X. Sin embargo, haciéndose eco de los problemas de hongos, Registros del Milenio luego se derrumbó. MacLeod y Bryant dejó la banda poco después, y por último la nueva grabación en estudio de Chilliwack fue lanzado en 1984 con Henderson como el único miembro permanente. Henderson continuó viajando como Chilliwack con otros jugadores hasta diciembre de 1988. En 1989, Henderson pasó a formar el supergrupo de folk-rock UHF. Henderson también siguió de gira con Chilliwack, la liberación de un nuevo álbum en vivo en 2003.

2005 vio Chilliwack jugar Voyageur Festival Días en Mattawa, Ontario, Canadá (cerca de North Bay) con otras bandas canadienses Moxy, Toronto, Trooper, Goddo, Killer Dwarfs y Ray Lyell para el trigésimo aniversario de la liberación del álbum debut de Moxy.

El hijo del bajista Ab Bryant Matt Bryant es el cantante / compositor y miembro fundador de la banda canadiense de raíces / folk cabeceras.

Headpins:

Como proyecto paralelo MacLeod y la banda (menos Henderson) en la década de 1980 realizó como Los Headpins primero Denise McCann, y luego Darby Mills como vocalista.

Discografía:

Year Album
1967 The Collectors
1968 Grass and Wild Strawberrie1970
1971 Chilliwack
1972 All Over You
1974 Riding High
1975 Rockerbox
1977 Dreams, Dreams, Dreams
1978 Lights from the Valley
1979 Breakdown in Paradise
1981 Wanna Be a Star 19 78
1982 Opus X
1983 Segue (compilation)
1984 Look In Look Out
Greatest Hits
2003 There and Back – Live

emerson-lake--palmer

 

Emerson, Lake & Palmer (también conocida como EL&P o ELP) fue una banda británica de rock progresivo formada en Bournemouth en 1970, que alcanzó su mayor popularidad en la década de los 70, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos.

La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones les pusieron a la altura de las grandes bandas de su época. El trío, al mismo tiempo, preparó el camino a otras bandas progresivas para la difusión del género, pasando de una especie de gueto musical a convertirse en un fenómeno radiofónico.

Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del estilo, caracterizado por una amalgama entre rock, jazz y música clásica, que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (proveniente de King Crimson); y el batería Carl Palmer (proveniente de Atomic Rooster). Con tal espléndido currículo era lógico que la nueva banda atrajera la atención tanto de la prensa como del público.

Además de la casa discográfica fundada por ellos, Manticore, otros sellos que editaron la obra de esta banda fueron Island Records, Atlantic Records, Polydor, London Records, Geffen, Victory Records, Sanctuary Records, King Biscuit, Eagle, Metal Minds, Rhino y Castle.

Historia

La génesis de la banda se remonta a los últimos años de la década de los sesenta. Keith Emerson, a quien bautizaron “El Jimi Hendrix del órgano”, tenía un grupo llamado The Nice, que, aunque había colocado algunos sencillos en las listas, era más conocido por sus extravagantes presentaciones en vivo que por otra cosa. En dos de sus presentaciones le tocó compartir el escenario con otra banda llamada King Crimson. Sobre su segundo encuentro el 17 de octubre de 1969 en el Fairfield Hall Greg Lake recuerda:

Estábamos en el Fillmore West en San Francisco y King Crimson se presentaba junto a The Nice. King Crimson se había empezado a desintegrar para ese momento y durante la prueba de sonido conversé con Keith. Ian y Mike decidieron que no querían irse de gira. De alguna manera nos presionaron y de esa manera la banda estaba a punto de separarse, al mismo tiempo Keith sentó a que él había llevado a The Nice tan lejos cómo se pudo. Durante esa prueba de sonido él (Emerson) estaba ensayando esta canción… que no puedo recordar su nombre, pero que era de jazz. Y entonces empecé a tocar junto a él y bueno…

Otra anécdota a destacar es que antes de incluir a Carl Palmer en la batería, Keith Emerson y Greg Lake se habían contactado con Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience para ofrecerle el lugar de baterista en la banda. Mitchell se mostró desinteresado pero le pasó la idea a Jimi Hendrix, quién cansado de estar en su banda y con ganas de probar algo diferente, le pudiera satisfacer formar parte del supergrupo. Tras la incorporación de Palmer la prensa británica comenzó a especular sobre la formación de un supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer). Debido a problemas de calendario en las giras algunos planes no pudieron concretarse, pero la idea inicial del trío de tocar con el guitarrista después del Festival de la Isla de Wight y la posibilidad de que éste se les uniera eran una casi realidad. Lamentablemente, Jimi Hendrix falleció casi un mes después del aclamado festival y el proyecto jamás se concretó.

Los primeros ensayos del grupo partieron del repertorio de The Nice y King Crimson incluyendo sus temas más conocidos “Rondo” y “21st Century Schizoid Man”, respectivamente. En agosto de 1970 aún sin tener terminado el material para su primer álbum, Emerson, Lake & Palmer se presentó en el Plymouth Guildhall en Inglaterra y cuatro días más tarde en el célebre Festival de la isla de Wight celebrado en el 29 de agosto del año 1970 donde lograron fama instantánea. En ese mismo festival se presentaron artistas de la talla de Jimi Hendrix, Jethro Tull (banda), Bob Dylan, The Doors, The Who y Jefferson Airplane.

Comienzos
El primer disco, titulado Emerson, Lake & Palmer, estuvo listo en septiembre y fue puesto a la venta en noviembre, convirtiéndose en un éxito inmediato que estuvo entre los 10 más vendidos en Inglaterra y entre los 20 de Estados Unidos, todo este éxito se vio ayudado por el sencillo “Lucky Man” y su presentación rápidamente se dio a conocer como un espectáculo digno de ver. Esta obra clasificada como uno de los discos mejores hechos por el trío en su carrera a pesar de que no goce de composiciones hechas íntegramente por los miembros del grupo en conjunto. El disco contiene cortes como “The Barbarian” (basada en la obra “Allegro Barbaro” del compositor húngaro Béla Bartók de 1911) y “Knife Edge” (otro arreglo, en este caso basado en la “Sinfonietta” del compositor checo Leoš Janácek).

Luego de semejante explosión llegaría Tarkus, el segundo disco del supergrupo, un trabajo conceptual lanzado en 1971 que alcanzó el número 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba algo más elaborado y complejo, con una primera cara dominada por una extensa suite.

Keith Emerson estaba interesado en explotar todo el rango de posibilidades del sintetizador concibiendo una suite cuya apertura era una erupción de sonido. Por su parte Palmer había encontrado un patrón de batería bastante inusual que quería usar a toda costa. Cuando ambos le presentaron sus ideas a Lake, que hizo de productor en el primer disco, no logró entroncar con el tema. Dudó y empezaron una serie de discusiones que hicieron pensar que no habría segundo disco. Finalmente el grupo acordó estar en desacuerdo sobre la pista sobre la que había diferencias: “Tarkus”. Al final el tema se convirtió en el título del disco, conocida por ser uno de las composiciones más espectaculares y representativas del rock progresivo y lo que ayudó definir el sonido de Emerson, Lake & Palmer como se lo conoce hoy.

Más tarde el grupo grabó una adaptación de la obra del compositor Modest Petrovich Mussorgsky, Pictures at an Exhibition, durante una presentación en vivo en Newcastle City Hall el 26 de marzo de 1971. El disco fue puesto a la venta y rápidamente se convirtió en un éxito mayúsculo, además de ser esencial en cualquier colección progresiva.

Consagración
Ocho meses después Emerson, Lake & Palmer sacó a la venta Trilogy, otro de los trabajos más aclamados. La experiencia de su antecesor y el éxito alcanzado hizo que los tres músicos se entendieran mejor y que en este nuevo disco sus aportes estuvieran al mismo nivel cada cual asumiendo su responsabilidad musical. De hecho, Lake nunca había cantado mejor o el grupo sonado más relajado. Nuevamente fue un éxito comercial alcanzando el segundo lugar en las listas británicas. El número que se destacó de los demás y se convirtió en una especie de sello del grupo, la adaptación del tema “Rodeo” de Aaron Copland titulado “Hoedown”. Además de otras canciones sumamente destacables como la explosión de rock progresivo de “Trilogy” y la balada acústica “From The Beginning”.

En noviembre de 1973 el terceto pone a la venta Brain Salad Surgery. Aquí la banda incorpora en la escritura de las letras de las canciones a Peter Sinfield conocido por su trabajo con King Crimson con lo que dio un toque sombrío y apocalíptico en las líricas del álbum. Uno de los temas más representativos son “Jerusalem”, que es una selección en la que recitan el poema del mismo nombre, escrito por William Blake, con el ritmo de la obra compuesta por Hubert Parry (fue el único single pero fue censurado en el Reino Unido por el contenido de su lírica), y la adaptación del cuarto movimiento del concierto para piano del compositor argentino Alberto Ginastera “Toccata”. Nuevamente el trío llegaría a las altas posiciones tanto en las listas europeas (alcanzando en el Reino Unido la segunda posición) como en Estados Unidos.

La siguiente gira mundial fue registrada en un triple disco en directo titulado Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends. Durante ese tour se dejó en claro que Emerson, Lake & Palmer era una de las bandas más importantes de la década por ese entonces cuando cerró el célebre festival California Jam el 6 de abril de 1974. Dicho festival contó también con la participación de renombradas bandas como Deep Purple, Black Sabbath y The Eagles.

Declive

Tras algunas tensiones y, consecuemente, tres años de silencio, se juntaron nuevamente en el estudio. Su siguiente trabajo llamado Works, Vol. 1, lanzado en 1977, fue el final de los triunfos y la disolución del sonido del grupo. Cada integrante de la banda se sentía incómodo con el otro y preferían trabajar en sus propios discos antes que producir juntos. Sin embargo, la cordura prevaleció y se dieron cuenta que ningún proyecto en solitario iba a ser mejor que un disco en conjunto. Este álbum fue una solución salomónica de dos LP en los que cada artista tenía una cara del disco y una cuarta era colectiva.

El disco no vendió lo acostumbrado y el grupo dejó de sonar igual, el LP había destruido la unidad del trío. Parecía que lo único que los motivaba a tocar eran sus obligaciones contractuales. Más grave aún fue el hecho que perdieron tiempo trabajando en un doble LP mientras que el gusto de la gente estaba cambiando. Las bandas de rock progresivo fueron criticadas porque bajó el nivel de abstracción de la gente frente a canciones de larga duración, los discos conceptuales y la fusión entre lo clásico y el rock. La música disco, un rock pop cada vez más liviano y el auge de la reciente música punk comenzaron a acaparar el interés del público. Igualmente, y a pesar de todo, el grupo colocó un número uno en las listas con uno de sus temas más conocidos, “Fanfare For The Common Man”.

Works, Vol. 2, que salió a la venta en noviembre de 1977, no fue más que una colección de oscuros lados B y algunos temas de hacía cuatro años.
Lake en una actuación de ELP en el estadio Maple Leaf Gardens, en Toronto. 3 de febrero de 1978.

Palmer en la actuación de Toronto de 1978.
Su siguiente disco, Love Beach, de 1978, fue descrito por los integrantes del grupo como resultado de la inercia y completamente prescindible, grabado por exigencias de la discográfica. No obstante, contiene una versión de “Canario” de Joaquín Rodrigo, de cierto interés musical.

Un año después del último trabajo referido se separaron y ejercería cada uno diferentes proyectos en la industria musical. Greg Lake inició una carrera en solitario que resultó ser bastante exitosa, Keith Emerson se dedicó a grabar música para filmes y uno que otro proyecto personal, mientras que Carl Palmer se unió al supergrupo Asia.

Reencarnaciones
En 1985 la discográfica Polydor intentó rearmar Emerson, Lake & Palmer. Aunque Emerson y Lake prácticamente no se habían vuelto a ver desde la separación del grupo se reunieron en Londres para evaluar el proyecto. Palmer, por su parte avaló la idea pero no participó debido a que estaba atado a Asia. Luego de que varios bateristas se presentaran ante ellos contrataron a Cozy Powell quién tocaba con Whitesnake, además de haber estado en el grupo de Jeff Beck y en Rainbow.

Emerson, Lake & Powell lanzaron su disco debut en 1986 y empezaron a ensayar para su gira por los Estados Unidos e Inglaterra. Aunque no alcanzaron el éxito de la formación anterior el grupo logró producir un muy aceptable disco. Luego de que el trío anunciara su gira norteamericana para 1986 la gente empezó a entusiasmarse con la idea. Sin embargo, esa fue la única visita a norteamérica. Con el final de la gira llegó el final de Emerson, Lake & Powell.

Después de esta experiencia vinieron proyectos en los que se mezclaban integrantes de cuanta banda progresiva había existido, pero no fue hasta 1991 cuando fueron llamados por Phil Carson (con el regreso de Carl Palmer) para que los tres ayudaran a componer la música de una película. La película nunca se concretó, pero el disco sí: Black Moon. En 1992 el grupo volvió a los escenarios y con un disco muy bien producido por Mark Mancina un músico de filmes, admirador a muerte del trío y un músico maduro. El álbum devolvió a ELP a la escena contemporánea de la música manteniendo el sonido tradicional del grupo agregándole un sonido vibrante y moderno.

Durante 1992 y 1993 estuvieron de gira y se instalaron en Los Ángeles para grabar a finales de 1993 su siguiente disco. Fue durante este período que Keith Emerson empezó a tener problemas con un nervio de su brazo derecho que lo obligó a entrar al quirófano. Esto afectó seriamente la calidad de In the Hot Seat que debió ser grabado por separado y luego armado en un estudio. El estado de salud de Emerson obligó a suspender la gira que tenían planeada. Luego de dos años fuera de la escena musical volvieron en 1996 acompañados por sus colegas de Jethro Tull en una gira triunfal por todos Estados Unidos. Esta gira fue de las más apreciadas por la crítica y de las más aplaudidas por el público durante ese verano boreal. Y a pesar de que los tres miembros del grupo continuaban con sus propios proyectos la cálida recepción de la gente los consolidó como grupo nuevamente.

Sin embargo, cuando tenían planeado encarar el estudio de vuelta luego de una gira en 1998, la banda volvió a disolverse debido a tensiones entre los miembros. Desde entonces los músicos continuaron con sus proyectos en solitario sin la idea de volverse a juntar tras haber pasado ya una década. Aunque a principios de 2009 hubo intenciones de reunir nuevamente al trío para algunos shows pero fue cancelada debido a algunos inconvenientes físicos de Keith Emerson que lo llevó también a cancelar sus shows con su banda Keith Emerson featuring Marc Bonilla.

Legado
Desde hace 40 años y pese a los altibajos, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer están entre los grandes pioneros del rock progresivo. Su música se ha mantenido como un referente del género además de seguir llamando la atención de las nuevas generaciones. Sin duda tres artistas con talento extraordinario y que desde sus inicios causaron expectación en los medios al venir cada uno de sus anteriores bandas ya con algún prestigio (King Crimson, The Nice, Atomic Rooster) popularizaron tanto la interpretación de música clásica con arreglos de rock, como la fusión de ambas (en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera, Béla Bartók o Aaron Copland) e ingresaron a la categoría de las bandas “Arena Rock” o “rock-estadio”

Miembros
La banda estaba conformada de tres integrantes:

Keith Emerson (ex-miembro de The Nice), en teclados.
Greg Lake (ex-miembro de King Crimson), en guitarras, bajo y voces.
Carl Palmer (ex-miembro de Atomic Rooster), en batería y percusiones

Discografía
Emerson, Lake & Palmer. Island (noviembre de 1970) – POP #18; Reino Unido #4
Tarkus. Island (junio de 1971) – POP #9; Reino Unido #1
Trilogy. Island (julio de 1972) – POP #5; Reino Unido #2
Brain Salad Surgery. Manticore (noviembre 1973) – POP #11; Reino Unido #2
Works Volume 1. Atlantic (marzo 1977) – POP #12; Reino Unido #9
Works Volume 2. Atlantic (noviembre 1977) – POP #37; Reino Unido #20
Love Beach. Atlantic (noviembre de 1978) – POP #55; Reino Unido #48
Black Moon. Victory (junio de 1992) – POP #78
In the Hot Seat. Victory (septiembre de 1994)