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Level 42

Posted: December 19, 2016 in New wave, Pop Rock
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Level 42 es un una banda musical de pop británica y de estilo funk. El grupo tuvo gran éxito en el Reino Unido y en el resto del mundo durante los 80. La banda ganó fama por la calidad de músicos como Mark King, cuya técnica magistral de tocar el bajo fue un trampolín para muchos éxitos de la banda.

Miembros del grupo
Los miembros fundadores de la banda fueron Mark King (Vocalista y bajo), Mike Lindup (Teclado y vocalista), Boon Gould (Guitarra) y el músico Philip Gould (batería). El teclista de estudio Wally Badarou contribuyó a muchos de sus primeros éxitos, y es considerado por muchos el quinto miembro del grupo, aunque nunca se unió oficialmente. Otros miembros a tiempo completo que han colaborado a lo largo de los años fueron Alan Murphy, Gary Husband, Jakko Jakszyk, Nathan King, Lyndon Connah y Sean Freeman.

La banda aún realiza conciertos en directo (con Mark King a la cabeza y con variaciones en su formación original), y su nuevo álbum, Retroglide, estuvo previsto para ser lanzado el 18 de septiembre de 2006.

Historia
Level 42 se formó en 1979 como una banda que fusionaba el jazz y el funk. En principio la banda firmó con una pequeña discográfica independiente, Elite Records. Poco después lanzaron el sencillo “Love meeting Love” en Elite Records, lo cual llamó la atención de Polydor Records y firmaron con ésta. Uno de los colaboradores de su nueva andadura, el teclista Wally Badarou, más tarde se convertiría por años en el co-productor de Level 42 y que Mark King llamaría el “quinto miembro” de la banda, pese a que tenía otros compromisos que le impedía ir de gira.

En 1981 sacaron “Love Games”, un éxito con el que coparon las listas de ventas; poco después lanzaron el álbum del mismo nombre, que fue un gran éxito en toda Europa.

Al año siguiente, se hizo un segundo álbum The Pursuit of Accidents, y sencillos del álbum: el primero “Weave Your Spell” y luego salió “The Chinese Way”, el último en particular llegó muy lejos en las listas de ventas, ganando en audiencia y en éxito. Entre tanto, Polydor lanzó The Early Tapes, grabado en tiempos en que la banda firmó con el sello discográfico Elite. Un cuarto álbum Standing in the Light colocó entre los diez primeros de las listas el éxito “The Sun Goes Down (Living It Up)” en Reino Unido en 1983. Grabado con los miembros de Earth, Wind and Fire, este álbum abrió una nueva era en la banda, menos experimental y de estilo jazz que sus anteriores lanzamientos. No había piezas enteramente instrumentales en este álbum y ninguno de los siguientes álbumes hasta el Staring at the Sun en 1988.

El cuarteto prosiguió con el álbum True Colours en 1984, el cual mezclaba estilos funk, pop, midtempo rock y baladas melosas. Dio paso a los sencillos “The Chant Has Begun” y “Hot Water”. En ese mismo año, Mark King estaba inmerso en un proyecto en solitario: Influences. Además, el grupo fue aclamado también por sus poderosos directos en el escenario (como el directo grabado en álbum Physical Presence).

El siguiente álbum hecho en estudio fue World Machine, que salió en 1985. Los sencillos de éste, “Something About You” y “Leaving Me Now” fueron éxitos entre los diez primeros en las listas, seguido por otro, “Lessons in Love”, a principios de 1986. Por entonces, la banda se alejó de su estilo jazz-funk y su tendencia fue el sonido pop. Elementos de las raíces de Level 42 todavía podían apreciarse en el funky “Coup d’Etat” y “Dream Crazy” en la versión británica del álbum, así como una larga pista instrumental llamada “Hell”. Esta última pista del álbum no vio la luz del día hasta principios de 2000 como una descarga de MP3 en el antiguo Napster.

El álbum Running in the Family, 1987, se convirtió en su disco más vendido, y sentó las bases del estilo musical pop, con el bajo de Mark King, Lindup y los sonidos del teclista Badarou sirviendo como plantillas, para dar canciones pop acertadas como “To Be With You Again”, “Lessons in Love”, la balada “It’s Over” y el tema homónimo del álbum “Running In The Family”

Tanto Philip como Boon dejaron el grupo, descontentos por la creciente tendencia hacia la música pop y agotados por las giras. Entonces, King contrató a Gary Husband y a Steve Topping para reemplazarlos. Husband recomendó a Topping, pero éste no se entendió bien con King debido a diferencias de personalidad. El guitarrista Alan Murphy se unió al grupo, ex-integrante de la banda Go West. También había tenido el guitarrista de estudio de Kate Bush. El nuevo álbum de Level 42 Staring at the Sun salió a la venta en 1988. Al año siguiente, Alan falleció de neumonía según el parte médico en el hospital inglés “Westminster City Hospital” .Su sistema inmunológico era muy débil a causa de haber consumido drogas , las cuales destruyeron su sistema inmunológico y la banda desapareció por un tiempo. Entonces, se sacó al mercado Level Best, una recopilación con los grandes éxitos. En diciembre de 1990, la banda tocó unos conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, el cual ya había sido reservado dos años antes. Estos conciertos los caracterizaban Lyndon Connah en teclados y voces y Allan Holdsworth en la guitarra. En este año, Mike Lindup sacó también su álbum debut en solitario Changes.

Durante principios de los 1990s, el grupo intentó extraer más de su recientes influencias musicales, como las de Mahavishnu Orchestra, pidiendo al músico Allan Holdsworth para aportar unos toques sorprendentes de guitarra para el álbum Guaranteed (sobre todo a “A Kinder Eye”). Pese a la buena acogida, especialmente de los críticos de la música de Estados Unidos, muchos de sus incondicionales del jazz-funk no les gustó su estilo rock-pop. El álbum no se vendió tan bien como se esperaba a pesar de haber realizado musicalmente el trabajo más sofisticado y elaborado por Level 42 hasta la fecha.

Sin embargo, la banda continuaba teniendo un potente directo en los escenarios, con miembros como Annie McCaig, que también hacía de voz de fondo en el álbum Guaranteed, y el dúo formado por el saxofonista Gary Barnacle y el trompetista John Thirkell, de los The Hen Pecked Horns. Además, Barnacle tocó en varios álbumes de estudio de los Level 42. Barnacle había sido antecedido como saxofonista de la gira por Krys Mach, quien también grabó con Level 42 y estuvo de gira con el grupo de 1984 a 1988.

Después de grabar Guaranteed y de una gira promocional de una semana, Holdworth, resuelto a no tocar más la guitarra, dejó la banda y fue reemplazado por Jakko Jakszyk. Aunque no en la grabación, Jakszyk figuró en la foto del álbum; también formó parte de promociones y en la gira para el álbum. Fue protagonista en canciones como “At the Great Distance” y “As Years Go By”. Trabajos de estudio con Level 42 vinieron en forma de dos pistas (“Fire” y “Free Your Soul”) que se incluyeron en los álbumes Guaranteed y Forever now respectivamente.

El álbum Forever Now de 1994, marcó el retorno de Philip Gould como percusionista de estudio y principal compositor de letras. En el álbum se vio que el grupo se acercaba a sus raíces Rythm&Blues-jazz, sobre todo en la balada “Romance”, en la canción con influencias de acid-jazz “Sunbed Song” y la dance-pop “Learn to Say No”.

Con un álbum más que se requería como parte del acuerdo que tenía la banda con RCA Records, los incondicionales vieron un futuro prometedor para la banda, especialmente con el retorno Philip Gould y los halagos de la crítica musical con Forever Now; sin embargo, la fructífera reunión duró muy poco. Phil Gould, consternado por la ineptitud de la compañía discográfica, no continuó el camino emprendido con la banda y su gira Forever Now; anunció su retirada en medio de la gira. Esto pudo significar el fin de la banda.

En 1998, Mark King lanzó su segundo álbum en solitario One Man con letras de Boon Gould. En 1999, King volvió con nuevas composiciones y algunas de Level 42. A últimos 2001 llegó a un acuerdo con Mike Lindup y para renombrar su banda como ‘Level 42’. Generalmente, este nuevo elenco estaba formado por King, el batería Gary Husband, Nathan King en guitarras y voces, Lyndon Connah en los teclados y voces y Sean Freeman en el saxofón y voces. Nuevas noticias en la web Level42.com (mayo de 2006) hablan de un cambio de Lyndon por Mike Lindup en los teclados.

En agosto de 2000, se reunieron tres cuartas partes del elenco de Level 42 para un concierto privado. Philip Gould invitó a algunos amigos músicos para tocar en una fiesta, incluyendo a su hermano Boon y Mike Lindup. Dos años más tarde, King, Lindup y Philip Gould tocaron juntos (en la boda de Lindup) por primera vez en diez años. Esto les llevó a un intento de juntarse de nuevo como en sus inicios con Baradou. Sin embargo, la formación duró poco y viejas rencillas comenzaron a resurgir. El catalizador fue King en su empeño del control sobre la banda.

Aunque el grupo decidió no reagruparse, Boon Gould y Mike Lindup contribuyeron en su nuevo álbum, dirigido por King, pero con contribuciones de muchos integrantes de la banda en distintas épocas. El núevo álbum, Retroglide, previsto el lanzamiento para el 11 de septiembre de 2006, se anunció en febrero de 2006 con una gira por el Reino Unido, Holanda, Alemania y otros países europeos en octubre/noviembre de 2006 con Mike Lindup como invitado especial.

Orígenes del nombre
El nombre originario de la banda ha sido descrito en ocasiones como una inspiración de señal de un ascensor de un edificio alto de EE.UU.; El último piso del apacarmiento de coches más grande del mundo, en Japón; el piso en el cual el personaje de Jonathan Pryce reside en la película Brazil (que salió mucho después de que la banda ganara reconocimiento internacional); o la alargada edificación de la Ciudad de Londres llamada Tower 42 (conocida también por NatWest Tower).

King y Boon Gould decidieron que la banda debería llamarse simplemente por un número, y pensaron en el ’88’, el número de autobús que utilizaban para ir al estudio de grabación. No obstante, Lindup y Philip Gould vieron un póster de una banda llamada ‘Rocket 88′, así que abandonaron la idea (aunque ’88’ fue usado más tarde como el nombre de una canción). Entonces, se sugirió el ’42’ como nombre de la banda (número sacado de una novela de ciencia-ficción de Douglas Adams llamada The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy). Se presume que el fallecido productor Andy Sojka propuso este nombre por haber leído esta novela también. En consecuencia, Se sabe que el uso del número ’42’ vino o de King o de Boon Gould o de Sojka. La palabra ‘Level’ se presume que pudo ser o de un abogado de Sojka o de un abogado de John Gould (el tercer hermano y mánager de la banda).

Otros nombres considerados para el nombre de la banda fueron ‘Powerline’ y ‘Kick in the head’. ‘Powerline’ se rechazó y se dio a otro de los grupos de Sojka, y fue en una grabación promocional donde las palabras ‘Level 42’ aparecieron por primera vez. Una pista en la cara B la llamaron ‘Sandstorm’ (una pista que querían llamar ‘Kick in the head’). La cara A contenía una pista con el nombre de ‘Powerline’.

‘Kick in the head’ fue utilizado en su álbum ‘True Colours’, incluido en la canción ‘A Floating Life’.

Otras canciones instrumentales fueron bautizadas con números: ’43’, ’88’ y ‘Forty-two, también en la década de los noventas se escuchó el rumor de que “Level 42” tenía mucho que ver con los formularios usados en Gran Bretaña y sus colonias para la búsqueda de empleo, en donde la agencias debían de llenar el dichoso formulario de nivel 42 como solicitud para el empleo.

Discografía

Level 42 (1980)
Strategy/The Early Tapes (1982)
The Pursuit of Accidents (1983)
Standing in the Light (1983)
True Colours (1984)
World Machine (1985)
Running In The Family (1987)
Staring At The Sun (1988)
Guaranteed (1991)
Forever Now (1994)
Retroglide (11 de septiembre de 2006)
Sirens (2013)

Web Oficial :

www.level42.com/

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Es una banda de rock y blues estadounidense liderada por el músico Edgar Winter Igual que su hermano Johnny Winter es reconocible por su albinismo.

Tras grabar con su hermano, Johnny Winter, Edgar firmó su propio contrato discográfico con Epic Records en 1970 y grabó dos exitosos discos, Entrance y Edgar Winter’s White Trash.

En 1972 formó The Edgar Winter Group, que acompañaban Dan Hartman, Ronnie Montrose and Chuck Ruff y más tarde el guitarrista y productor Rick Derringer en Montrose. Fue con esta banda que consiguió su mayor éxito They Only Come Out at Night (1972) figurando el tema instrumental y hit #1 “Frankenstein”, tema pionero con el uso del sintetizador como instrumento principal. (Durante sus conciertos, Winter mostró su virtuosismo con teclados, sintetizador, saxofón y percusión). Frankenstein acaparó el primer lugar de las listas de éxito en Estados Unidos en mayo de 1973. They Only Come Out at Night y “Frankenstein” vendieron más de un millón de copias, galardonados con discos de oro por la R.I.A.A. en 1973 .1 La banda también consiguió cierto éxito con el tema “Free Ride”, del mismo álbum.

En los años 2006 a 2011 formó parte de la banda de Ringo Starr, tocando el teclado, haciendo grandes giras a nivel mundial.

Discográfica

Entrance (1970)
Edgar Winter’s White Trash (1971)
Roadwork (1972)
They Only Come Out at Night (1972)
Shock Treatment (1974)
Jasmine Nightdreams (1975)
The Edgar Winter Group con Rick Derringer (1975)
Together (1976)
Recycled (1977)
Open Fire por Ronnie Montrose – (1978) productor, piano
Edgar Winter Album (1979)
Standing on Rock (1981)
Crazy from the Heat (1985) (David Lee Roth Session Work)
Mission Earth (1986)
Not a Kid Anymore (1994)
The Real Deal (1996)
Live in Japan (1998) (con Rick Derringer)
Winter Blues (1999)
Edgar Winter (2002)
Jazzin’ the Blues (2004)
They Only Come Out at Night (2006 – re-edición)
Rebel Road (2008)

Web Oficial

http://www.edgarwinter.com/

Rare Earth

Posted: May 14, 2016 in Hard Rock, Pop Rock
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Rare Earth fue una banda de Rock estadounidense, radicada en Detroit, que se mantuvo activa entre 1967 y 1979.

Historia
Rare Earth estaba vinculada con el sello de la Motown que tenía su mismo nombre. Una temprana versión de la banda, se formó en 1961, en la ciudad de Detroit, bajo el nombre de The Sunliners y durante varios años, se movieron en el terreno del soul y blues. En 1967 se refundaron como Rare Earth y extendieron sus influencias al entonces naciente jazz rock (en la contraportada de su primer disco, se reivindicaban como cercanos a Blood, Sweat & Tears).

La formación de Rare Earth en esta primera época, era la siguiente: Gil Bridges (vocalista, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo y voz), Kenny James (órgano y piano) y Pete Riviera (batería y voz).

En 1970, se incorpora el percusionista Ed Guzmán (congas) y, en 1971, Ray Monette sustituye a Richards en las guitarras y Mark Olson se hace cargo de los teclados, tras la marcha de James.

Nuevos cambios en 1975, incorporando un segundo saxofonista y vocalista, Jerry LaCroix, que había estado en Blood, Sweat & Tears, y haciéndose cargo del bajo y batería, Reggie McBride y Barry Eugene Frost, respectivamente. Más tarde, Rivera retornaría al grupo, en su segunda etapa, sustituyendo a Frost.

Después de su disolución, dos de los miembros fundadores Gil Bridges y Peter Rivera, continuaron en el mundo de la música manteniendo una agria disputa sobre los derechos del nombre de la banda. Hoy en día Gil Bridges lidera una nueva banda con el nombre de Rare Earth, a la que durante un tiempo también estuvo ligado Ray Monette. Por su parte Peter Rivera, en compañía de una serie de músicos provenientes de otras antiguas bandas de rock, lidera una formación denominada The Clasics Rock All Stars.

Discografía
1969: Get Ready. Su tema central ocupa una de las caras del LP. La versión de sencillo de este tema sólo contenía tres minutos de los veinte con siete segundos del corte original. Se trataba de una versión de un tema de The Miracles.
1970: Ecology. Contiene el éxito “(I Know) I´m losing you”, un cover de The Temptations.
1971: One World. Hit en sencillo “I just Want to celebrate”.
1972: In concert. Primer álbum en vivo. El sencillo: “Hey Big Brother”, supuso el punto máximo de popularidad de la banda.
1973: Willie remember.
1973: Ma. El tema del mismo título (también de The Temptations) ocupa toda una cara del álbum. Es el último disco destacable del grupo.
1975: Back to earth.
1976: Midnight Lady.
1977: Rare Earth.
1978: Band together. Con la formación primitiva: Bridges, Monette, Olson, Urso, Guzmán y Hoorelbeke.
1979: Grand slam.

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La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

Primera Mahavishnu Orchestra
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción “Noonward Race”) hasta piezas más calmadas, como “A Lotus On Irish Streams” y “Thousand Island Park”, que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., “Open Country Joy”).

Ruptura

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.

Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuido por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.

El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Segunda Mahavishnu Orchestra
Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta “nueva” Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra “real”), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.

Trabajo posterior
Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en los saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en los teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham con la percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún momento. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Otros miembros
Billy Cobham hizo carrera en solitario, y también fue parte de la gira de George Duke Band por muchos años. Hoy en día sigue impartiendo clases de percusión.

Jan Hammer, junto con Narada Michael Walden estuvo en el álbum Wired de Jeff Beck, y también compuso el tema de Miami Vice.

Rick Laird tocó con Stan Getz y Chick Corea. También lanzó un disco en solitario, pero desde 1982 se dedica exclusivamente a la fotografía.

Danny Gottlieb era el baterista de American Garage de Pat Metheny y formó parte de the Blues Brothers que giró a principios de los 90 por Europa.

Trivia
La primera Mahavishnu Orchestra era un grupo multinacional:
McLaughlin, oriundo de Gran Bretaña;
Cobham nació en Panamá;
Hammer venía de República Checa;
Goodman era de los Estados Unidos;
Laird era irlandés, nacido en Dublín.
Jean-Luc Ponty fue la primera opción de McLaughlin para un violinista, pero tuvo algunos problemas en su status migratorio.

Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)

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The Hollies es una banda de rock británica formada en Manchester en 1962, aunque la mayoría de los integrantes de la banda son del este de Lancashire. Conocidos por su estilo vocal distintivo, se convirtieron en uno de los principales grupos británicos de los años 1960 y 1970. Disfrutaron de una considerable popularidad en muchos países, aunque no lograron gran éxito en las listas de Estados Unidos hasta 1966.

Historia
El quinteto de Mánchester estuvo muy influenciado por The Everly Brothers. Es bien sabido que sus armonías de tres partes rivalizan con aquellas de The Beach Boys. Destacan además las guitarras melodiosas, las melodías contagiosas, el ritmo un tanto jazzístico, y una imagen limpia-escandalosa. Fueron llamados los “Everly Brothers Británicos”.

No obstante, The Hollies son uno de los grupos más exitosos de rock de la invasión Británica. Mientras que grupos como The Beatles harían experimentos no tan populares (aunque el éxito de la banda jamás decayó), los Hollies mantuvieron su material musical atractivo y pegadizo sin importar el estilo a seguir, aunque trataron de enfilarse hacia los rumbos del Folk-rock y ligeramente en los sonidos psicodélicos como puede apreciarse en su evolución musical a través del paso del tiempo.

Su reconocimiento por parte de las masas está generalmente limitado (especialmente en América del Norte) a una selección de quizás una docena de canciones exitosas, desde 1964 (“Just One Look”) hasta 1974 (“The Air That I Breathe”). En realidad su historia fonográfica comenzó en 1963 y comprende más de 350 canciones, una amplia docena de álbumes, Extended Play y sencillos a través de 33 años.

Formación
La historia de la formación de los Hollies se remonta hacia 1947. Por una especie de suerte, Allan Clarke de 5 años de edad llegó a la escuela primaria Ordsall en Salford (ciudad gemela de Mánchester) Inglaterra y ahí conoció a Graham Nash. Con la misma edad que él, Nash fue el único voluntario de la clase en permitirle sentarse a su lado en el mismo pupitre. Pronto encontrarían un interés común en la música. Comenzaron cantando juntos en los coros, y mientras maduraban, sus voces empezaron a ser complementarias recíprocamente. El ímpetu de los chicos por iniciar una carrera juntos, emergió bajo la influencia de la música Skiffle en Inglaterra. Clarke declaro:

«Todo lo que queríamos era ser estrellas de rock and roll, y el skiffle era la única manera de comenzar, porque está completamente basado en acordes facilísimos de tocar, La y Re, Sol y Do, y nos gustaban las canciones. Graham y yo tocamos en Clubs de Manchester, haciéndolo a la manera de los Everly Brothers, quienes fueron nuestra auténtica inspiración debido a sus armonías a dos voces»
Esta fue la base de Los Hollies. Hacia 1962 Clarke y Nash ya habían cantado en locales tipo Café cantante durante años como un dueto semi-profesional, bajo distintos nombres como el de “The Guytones”, “The Two Teens”, “The Levins”, y un acto fraterno llamado “Ricky an Dane”. Actuando junto a “The Fourtones”, conocieron a Eric Haydock y Don Rathbone, y fueron invitados a unirse a “The Deltas”.

Posteriormente, los cuatro decidieron abandonar a “The Deltas” para formar un nuevo grupo. Según personas allegadas a la banda, escogieron el nombre del grupo a partir de algún adorno navideño (Christmas Holly) de la casa de Graham y no en homenaje a Buddy Holly, como se rumoreó durante mucho tiempo. La historia sobre el hecho es muy vaga, hasta el punto de que ninguno de los miembros la recuerda exactamente. Sin embargo, el nombre ha sido su emblema constante durante 34 años.

La alineación original consistió en Allan Clarke (cantante), Graham Nash y Vic Steel (en las guitarras), Erick Haydock en el (bajo) y Don Rathbone en la (batería). Vick Steel abandonaría el conjunto muy pronto, y fue reemplazado por Tony Hicks.

En 1963, y antes de que el grupo comenzara a tener éxitos, Rathbone dejó al grupo para converstirse en su representante y fue reemplazado por Bobby Elliot proveniente de “Shane Fenton and The Fentons”. Elliot y Hicks ya tocaban juntos en otra banda de Mánchester llamada “Rick Shaw and The Dolphins”. Tiempo después, Bernie Calvert tomó el lugar de Haydock en 1966, y en 1968, cuando Nash dejó el grupo para integrarse en Crosby, Stills, Nash & Young, fue reemplazado por Terry Syvester.

1960
La primera aparición de la banda como “The Hollies” tuvo lugar en el Oasis Club en Mánchester en diciembre de 1962 con gran éxito. Poco después The Hollies tomarían el puesto que The Beatles dejaban en The Cavern Club. Los Beatles se habían “graduado” en este local, firmando un contrato con la Parlophone bajo la mano de George Martin.

La patente actividad musical en Liverpool y Manchester propició que productores de discos que nunca se habían aventurado más allá de Londres, comenzaran a buscar en el norte. Uno de ellos fue Ron Richards, un productor del equipo de EMI, quién fue a “The Cavern Club” en enero de 1963, encontrando un escuálido club que subsistía como le era posible, y todo lo que los Hollies hacían era “gemir”.

Tras la salida de Steel y el ingreso de Hicks, los Hollies incorporaron a su repertorio temas oscuros y clásicos del Rhythm and blues, de forma semejante a todos los grupos beat de aquellos años. Sin embargo continuaronescribiendo algunos temas propios y a la vez solicitaron letras de otros compositores profesionales. Los temas escritos por ellos aparecerían frecuentemente en el lado “B” de sus sencillos bajo el seudónimo “Chester Mann” o “L. Ransford”.

Lograron colocar su primer máximo hit a fines de 1963 con una nueva versión del tema de Maurice Williams and The Zodiacs, la canción “Stay”, que se situó en el puesto Nº8 en las listas de popularidad de Gran Bretaña. Fue seguido por el cover a la canción de Doris Troy, “Just one Look”.

El quinto sencillo de The Hollies (“We’re Throug”), sería el primer tema original del grupo en una cara “A”. Escrito por Allan Clarke, Tony Hicks y Graham Nash bajo el nuevo seudónimos colectivo de “L. Ransfold”, fue grabado el 25 de agosto de 1964. El sencillo fue lanzado al mes siguiente y ya para el 26 de septiembre del mismo año entró en las listas Británicas, en la posición número 27, ocupando el lugar Nº7 durante un período relativamente corto, un hecho que en comparación con el éxito de “Just One Look” (Nº2 en listas), desalentó a la compañía discográfica para otorgarles la cara “A” de los discos a las canciones originales del grupo. Este incidente fue un pequeño tropiezo para la banda, que sin embargo confiaba en que las cosas mejorarían posteriormente.

Durante el verano de 1965, el equipo de composición integrado por Clarke-Hicks-Nash avanzó notablemente en la composición de sus siguientes canciones. Los tres fueron contratados por “Dick James Music”, compañía que les cedió los derechos de publicación sobre sus propios trabajos bajo el distintivo “Gralto Music” (de Graham, Allan y Tony). El periodo de 1966 a 1968 vio a Clarke, Hicks y Nash convertirse en unos de los compositores mejor situados frente a su propia editora, en comparación con John Lennon y McCartney o Mick Jagger y Keith Richards, que por entonces estaban en peores condiciones contractuales.

Los Hollies se perfilaron y se establecieron como una de las más preeminentes bandas británicas sencillas y lograron el éxito en las listas de popularidad de muchos países. Sin embargo, el grupo vivió su primer lapsus cuando grabaron el tema de George Harrison “If I Needed Someone” que sólo alcanzó a arañar la posición número 20, lo que aunado a una mala respuesta de la prensa, causó que Los Hollies y John Lennon se lanzaron ataques el uno contra el otro descargando su frustración en relación al fracaso de un tema de los Beatles.

El bajista Eric Haydock y el baterista Bobby Elliot fueron considerados como los elementos más destacados en lo que a ritmo se refiere de la era Pop rock de Gran Bretaña en aquel periodo. No obstante en 1966, el bajista Haydock fue remplazado por Bernie Calvert. Muchos críticos musicales no lo consideraron tan bueno como su antecesor, quien tocando tenía un perfil mucho más alto dentro del grupo. Ron Richards parecía justificar este hecho de acuerdo con la contribución de Haydock a las altas calificaciones de las canciones del grupo en el Epic Records’20 Song Anthology.

Según Ron Richards:

«Calvert no fue un buen bajista, y yo sepulté deliberadamente su sonido en combinación con las canciones una vez que se unió al grupo.»
Aunque fueron un éxito sonado en 1966 en Gran Bretaña y Europa, sus actuaciones en Estados Unidos nunca fueron tan exitosas. Con su nuevo miembro Bernie Calvert, Los Hollies grabaron la canción que sería su éxito ansiado en América: “Bus Stop”(Parada de ómnibus), escrita por Graham Gouldman, un sobresaliente sencillo que alcanzaría la posición Nº5 en América, siendo el primer “punto Inglés” en colocarse en las listas.

Ya para aquella época, la banda había florecido y madurado musicalmente hablando, tanto en lo que a composición se refiere, como en lo tocante a calidad interpretativa. Su siguiente álbum “For Certain Because”, fue más elaborado, siendo todos los temas del disco originales, llenos de una inusual instrumentación, incluyendo marimbas y otros sonidos exóticos. En muchos aspectos se considera a For Certain Because como el “Rubber Soul” de Los Hollies, ya que no hubo sencillo previo y dado que cualquier tema pudo haber sido lado “A” o “B” indistintamente. Una de las canciones del álbum “Pay You Back With Interest” fue publicada en América como sencillo bajo el sello fonográfico Imperial, después de que la banda firmara contrato con Epic Records, mientras que otro tema “Tell Me To My Face” fue re-versionada por Dan Fogelberg y Tim Weisberg. Otros temas como “Clow” fueron composiciones más personales de Graham Nash, quien comenzó un desarrollo distinto e individualizado en materia de composición.

Esta fue la “época dorada” de The Hollies como un excelente grupo musical.

Discografía en el Reino Unido
Stay with the Hollies, 19641
In the Hollies Style, 19642
The Hollies, 1965
Would You Believe?, 1966
For Certain Because, 1966
Evolution, 1967
Butterfly, 1967
The Hollies’ Greatest, 1968 (recopilación)
Hollies Sing Dylan, 1969
Hollies Sing Hollies, 1969
Reflection, 1969
Confessions of the Mind, 1970
Distant Light, 1971
Romany, 1972
Hollies, 1974
Another Night, 1975
Write On, 1976
Russian Roulette, 1976
Hollies Live, 1977
20 Golden Greats, 1978 (recopilación)
A Crazy Steal, 1978
5317704, 1979
Buddy Holly, 1980
What Goes Around, 1983
Reunion, 1983
Staying Power, 2006
then, now, always, 2010

Mario Biondi

Posted: April 16, 2016 in Pop Rock
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mariobiondo

Mario Biondi , nombre artístico de Mario Ranno ( Catania , 28 de de enero de de 1971 ), es un cantante , compositor y arreglista italiano .

Sus padres se llaman Concetta Porto y Giuseppe Ranno. El nombre artístico coincide con la del padre, el cantante, también conocido como Stefano Biondi. Él es el padre de siete hijos.

Biografía
A los 12 años canta en el coro gregoriano en la iglesia y en las plazas de Sicilia gracias a su padre Giuseppe Ranno a través de diversas experiencias y pagar las cuotas de la ‘ Italia , se perfecciona en el idioma Inglés , que se convierte en el idioma en el que canta. Hombre de sesión en las salas de grabación nicho de etiquetas, a partir de 1988 comienza a actuar como un gran era hombro, como Ray Charles .

Avid música del alma , forjando su timbre vocal único escuchando a los registros de intérpretes como Lou Rawls , Al Jarreau y Isaac Hayes . Gran importancia en el crecimiento artístico de la cantante tiene su compatriota Gianni Bella

El punto de inflexión se produjo en 2004 con This Is What You Are . El sencillo fue destinado para el mercado japonés, sino también conseguir en la tabla de radios europeas.
El famoso DJ Inglés Norman Jay inserta sorpresa en la alineación de su programa de la BBC1 y la voz de Mario Biondi, incluso antes de su nombre, se propaga por todo el viejo continente. Viene el reconocimiento del consulado británico en la ceremonia de premios Reino Unido-Italia Asociación de Empresas.

En 2006 lanzó su primer álbum, Puñado de alma , grabado con el grupo High Five Quintet , que le lleva a la vanguardia haciéndole ganar, después de tres meses, el primero de dos de platino .

Mario Biondi en concierto con la banda británica Incognito , 2010 .
Ese mismo año participa en el proyecto solidario Alex – Homenaje a Alex Baroni interpretación de la canción El amor siempre tiene hambre .
Es la 2007 participación como una celebridad en el Festival de San Remo , donde duetos con Amalia Gre en la canción Ámame siempre , escrito por el mismo Gré Ranauro con Michele y Paola Palma .  en el mismo año lanzó un sencillo titulado No importa , en colaboración con DJ Fargetta  . En el mismo año participa en el disco Ornella Vanoni , una hermosa niña , cantando con ella ¿qué me importa .

Él interpreta versiones de canciones muy famosas como Justo como eres , compuesta en 1978 por Billy Joel y también interpretado por Barry White . En noviembre de 2007 fue lanzado un álbum doble en vivo con la orquesta de Duke , Te Amo Más grabado en el Teatro Smeraldo en Milán en octubre del mismo año. El doble CD se incluye Esto es lo que eres como una pista oculta.

En 2008 se vio involucrado por Walt Disney en el proyecto de remake de Los Aristogatos . Biondi es el intérprete de las dos pistas de sonido de la película de animación Todo el mundo quiere ser un gato ( Todo el mundo quiere el jazz en la versión italiana) y Thomas O’Malley ( Romeo er mejo der Colosseo ). En el mismo año se imita, e invitó al último episodio en el programa de la banda respondido Nunca diga Martes .
Mario Biondi en ‘ Atina Jazz , 2008 .
En febrero de 2009 él era un invitado en el Festival de San Remo , donde tiene un dúo con Karima Ammar , que compiten en los jóvenes, en la canción Como en cada hora . En el escenario del teatro Ariston , Burt Bacharach , el fabricante del disco y autor de una de las canciones, dirigió la orquesta y tocaba el piano. Tiene un dúo con Renato Zero en la canción ya no se detendría , incluido en el álbum actual , y en la canción En los jardines que nadie sabe , durante la gira de conciertos seis cero , exposición también contenida en el DVD de la serie de conciertos. El 6 de noviembre del mismo año lanzó nuevo disco Si , precedido por el single Be Lonely . Unos meses más tarde se presentó en los Premios de Música de viento cantar No More Trouble en una nueva versión junto con Incognito .

Él continúa su asociación con Disney: en diciembre de 2010 presta su voz al gancho ladrón en la película animada Rapunzel – La trama de la torre . En el mismo período fue liberado de su cuarto álbum de estudio, Si usted vive .

En 2011 dúo con Anna Tatangelo en la canción, que es también el autor El aire que respiramos , y firma para ella también la canción Si . Ambas canciones contenidas en el disco Proyecto B . También juega en la cubierta del alma italiana clásica de The Temptations My Girl , parte del álbum doble Dos . También participa en el elenco de voces italianas de la película de animación de Río ( 2011 ) redondeo Miguel, el cacatúas en el papel de antagonista, tomada papel en la secuela Río 2 – Misión del Amazonas ( 2014 ).

En 2012 , con Pooh , canta en la versión sinfónica de su canción Voy a pensar en el mañana y la deja sola Brillo en la que se anticipa la liberación del Sol , que será publicado el 29 de enero 2013 . El álbum Sun entra directamente en la primera posición FIMI la primera semana de la encuesta. En el mismo año fue elegido por Naomi como consultor de la música de su equipo en la primera edición de La Voz de Italia . 10 de mayo entra en el nuevo single en la radio del espacio profundo .  El 25 de noviembre lanzó un nuevo álbum titulado Mario Navidad que contiene numerosas interpretaciones de jazz clave de las canciones de Navidad y dos canciones, incluyendo un dúo con Earth, Wind & fuego .

El 25 de noviembre 2014 se dio a conocer un sistema de la caja de CD que contiene todas las canciones que ya están en Mario de Navidad , además de tres nuevos y un DVD con videos y fotos del concierto del Teatro Augusteo en Nápoles durante el “Sun Tour”, dirigida por Sergio Colabona titulado Un Mario Navidad muy especial , llegó en primer lugar en el ranking.

10 de abril de, el año 2015 entra en cobertura radiofónica amor es un templo , el primer sencillo que anticipa el lanzamiento del nuevo álbum titulado Más allá , publicado el 5 de mayo [9] En junio el año 2015 la cantante participa en la tercera edición del verano de Coca-Cola Festival con la canción el amor es un templo , obteniendo una nominación para el Premio RTL 102.5 – canción del verano . El mismo año colabora con Rocco caza cantar con una canción de su nuevo disco SignorHunt ; la canción En los días .

Estilo
Con su timbre de voz muy similar a la de los más conocidos de Barry White , Isaac Hayes y Lou Rawls , Biondi da vida a un alma del jazz caliente y apasionada, que interpreta con detalles irónicos. En los arreglos de sus canciones hay una coloración de jazz .

Discografía
2006 Handful of Soul
2007 I Love You More
2009 If
2010 Yes You Live
2011 Due 5
2013 Sun Mario Christmas

2014 A Very Special Mario Christmas
2015 Beyond

Web Oficial:

@mariobiondi

peter-luha

 

Peter Luha (* 1973, Bratislava) es un compositor, cantante e instrumentista. estilo único en su forma de tocar la guitarra proviene de la mezcla de técnicas clásicas y diferentes de guitarra no tradicional (slap, la grabación, el jugar percusión …) en la guitarra eléctrica y acústica y sin restricciones de género. También toca bassguitar, mandolina, flauta, laúd y el violín. Pasó varios años en el canto coral Académico Comenius también como el cantante principal en solitario. Después de la secundaria y en la universidad jugaba la música en las calles como un músico callejero. Más tarde se hizo algunas actuaciones en toda Europa (conciertos de guitarra en solitario o diferentes colaboraciones y proyectos). Pedro tomó Luha 1. lugar en la Competencia Guitarrista Gitariáda Internacional de 1999 en Praga (República Checa), que era un organizador y director del festival internacional de guitarra Guitarfest en Bratislava (2006, 2007) y talleres de guitarra. También fue un profesor de guitarra en varias escuelas de música e instituciones culturales en Bratislava (1991-2010). En 2012 lanzó su álbum debut como solista de guitarra, bajo el título “Viaje del alma” con comentarios muy positivos extranjeras. Este álbum basado en algunos temas flamenco y jazz gitano y escrita por él mismo fue nominado en 12 Independent Music Awards al mejor álbum en la categoría de álbum instrumental y también galardonado con el Premio de la cosecha en 6ª Premios Tais 2013. Peter Luha es también uno de los músicos que registró otro álbum intersting – Perinmama (2014) del jugador de la mandolina Jozef Scheiner. Pedro también se llevan guitarrista del grupo de rock progresivo Persona Grata – su primer disco llega a lugares Hight sobre (2013) fue nominado en Premio Radio_Head.

Web Oficial:

http://peterluha.com